MARTIN WALCH
VOYEUR
Manchmal wünsche ich mir, jene Kegelvolumen sichtbar zu machen, die wir vor unseren Augen tragen, die bei Blickkontakt aufeinanderprallen, sich gegenseitig im Kräftevergleich messen, nach hinten ins Unbewusste ausgreifen; Sehräume, die in permanenter Kommunikation stehen, sich überlagern, schneiden, unser Empfinden prägen und eine sich laufend wandelnde, raumfüllende Plastik schaffen...
Oft scheinen diese Körper luftig oder schwebend, wie tanzend, manchmal zwingen sie uns zu Boden, sind schwer wie Blei.
Oft scheinen diese Körper luftig oder schwebend, wie tanzend, manchmal zwingen sie uns zu Boden, sind schwer wie Blei.
Entstehungsjahr: 2009
Werkgrösse: je 450 x 230 x 230 cm
Material: Kunstofffolie, luftgepumt
Werkgrösse: je 450 x 230 x 230 cm
Material: Kunstofffolie, luftgepumt
VOYEUR
Manchmal wünsche ich mir, jene Kegelvolumen sichtbar zu machen, die wir vor unseren Augen tragen, die bei Blickkontakt aufeinanderprallen, sich gegenseitig im Kräftevergleich messen, nach hinten ins Unbewusste ausgreifen; Sehräume, die in permanenter Kommunikation stehen, sich überlagern, schneiden, unser Empfinden prägen und eine sich laufend wandelnde, raumfüllende Plastik schaffen...
Oft scheinen diese Körper luftig oder schwebend, wie tanzend, manchmal zwingen sie uns zu Boden, sind schwer wie Blei.
Oft scheinen diese Körper luftig oder schwebend, wie tanzend, manchmal zwingen sie uns zu Boden, sind schwer wie Blei.
Entstehungsjahr: 2009
Werkgrösse: je 450 x 230 x 230 cm
Material: Kunstofffolie, luftgepumt
Werkgrösse: je 450 x 230 x 230 cm
Material: Kunstofffolie, luftgepumt
©2022 Martin Walch
MARTIN WALCH
TRANSFORMATOR
Der Raum verändert sich verschieden, je nachdem, ob einzelne oder wenige BesucherInnen die Fläche interpretieren oder ob grössere Menschenansammlungen komplexere Sound- und Bildmuster erzeugen.
Im grossräumigen, offenen Ausstellungsraum bettet sich der flache, im fahlen Licht, aufgrund der Wachsschicht leicht schimmernde Boden unspektakulär, den flachen Raumcharakter hervorhebend ein. Die einfärbigen Spielfeldmarkierungen wecken Assoziationen an eine Turnhalle, erinnern vordergründig an vielleicht bekannte Gruppen- und Gesellschaftsspiele, an Sportarten oder auch an textile Schnittmuster. Jedenfalls strukturieren, gliedern und prägen sie diesen Ort, erlegen ihm verpflichtende Spiel- oder Verhaltensregeln auf, zugleich aber, aufgrund ihres scheinbar unkoordinierten Neben- und Übereinanders, auch Irritation und Unbestimmtheit.
Jedes Spiel basiert auf normierenden Regeln, die es gliedern und strukturieren. Fortschritt basiert jedoch auf Regelverschiebungen oder Regelbrüchen. Dieses Spiel geschieht auf brüchigem Eis. Orientierung zerfällt in zusammenhanglose Stücke. Bewegungen von BesucherInnen erzeugen temporäre Regelverschiebungen. Der Urzustand des Reglements wird erst wieder hergestellt, wenn die BesucherIn den Raum verlässt. Dieses Projekt entsteht erst durch seinen Gebrauch. Die Künstler stellen die Rahmenbedingungen her – technische, ästhetische, inhaltliche, kommunikative und räumliche, die für das Funktionieren dieser Struktur notwendig sind. Das bloße Konsumieren dieses Werks ist damit nicht mehr möglich. Das Werk entsteht erst durch die Bewegung von BesucherInnen im Raum, deren Benutzung und Interaktion durch das Spiel.
Der Raum wird in ein Spielfeld, in einen Schaltplan transformiert. BesucherInnen können dieses Spielfeld betreten und dadurch bespielen. Im Kunstraum Engländerbau wird ein 8x14m grosses Spielfeld mit abgerundeten Ecken und 55cm hohen Spielfeldbanden aufgebaut. Dieser Holzboden liegt auf einem 20 cm hohen Rost; er ist begehbar, wirkt möglicherweise instabil, brüchig. Auf dem Boden sind mit einfärbigen Klebebändern Feldlinien neben- und übereinander angebracht. Diese markierte Fläche ist zudem mit einer halbtransparenten Wachsschicht überzogen. Eine interaktive Sensorik erkennt die Bewegungen der BesucherInnen auf dem Spielfeld und steuert, abhängig von deren Bewegungen, Klang- und Bildprojektion im Raum. (Spiel-)Anweisungen, Kommandos und Kommentare in Bild, Schriftprojektion und Klang animieren zum Spiel mit den vorgegebenen Strukturen.
Entstehungsjahr: 2008
Kunstraum Engländerbau, Vaduz /FL
Kunstraum Engländerbau, Vaduz /FL
TRANSFORMATOR
Der Raum verändert sich verschieden, je nachdem, ob einzelne oder wenige BesucherInnen die Fläche interpretieren oder ob grössere Menschenansammlungen komplexere Sound- und Bildmuster erzeugen.
Im grossräumigen, offenen Ausstellungsraum bettet sich der flache, im fahlen Licht, aufgrund der Wachsschicht leicht schimmernde Boden unspektakulär, den flachen Raumcharakter hervorhebend ein. Die einfärbigen Spielfeldmarkierungen wecken Assoziationen an eine Turnhalle, erinnern vordergründig an vielleicht bekannte Gruppen- und Gesellschaftsspiele, an Sportarten oder auch an textile Schnittmuster. Jedenfalls strukturieren, gliedern und prägen sie diesen Ort, erlegen ihm verpflichtende Spiel- oder Verhaltensregeln auf, zugleich aber, aufgrund ihres scheinbar unkoordinierten Neben- und Übereinanders, auch Irritation und Unbestimmtheit.
Jedes Spiel basiert auf normierenden Regeln, die es gliedern und strukturieren. Fortschritt basiert jedoch auf Regelverschiebungen oder Regelbrüchen. Dieses Spiel geschieht auf brüchigem Eis. Orientierung zerfällt in zusammenhanglose Stücke. Bewegungen von BesucherInnen erzeugen temporäre Regelverschiebungen. Der Urzustand des Reglements wird erst wieder hergestellt, wenn die BesucherIn den Raum verlässt. Dieses Projekt entsteht erst durch seinen Gebrauch. Die Künstler stellen die Rahmenbedingungen her – technische, ästhetische, inhaltliche, kommunikative und räumliche, die für das Funktionieren dieser Struktur notwendig sind. Das bloße Konsumieren dieses Werks ist damit nicht mehr möglich. Das Werk entsteht erst durch die Bewegung von BesucherInnen im Raum, deren Benutzung und Interaktion durch das Spiel.
Der Raum wird in ein Spielfeld, in einen Schaltplan transformiert. BesucherInnen können dieses Spielfeld betreten und dadurch bespielen. Im Kunstraum Engländerbau wird ein 8x14m grosses Spielfeld mit abgerundeten Ecken und 55cm hohen Spielfeldbanden aufgebaut. Dieser Holzboden liegt auf einem 20 cm hohen Rost; er ist begehbar, wirkt möglicherweise instabil, brüchig. Auf dem Boden sind mit einfärbigen Klebebändern Feldlinien neben- und übereinander angebracht. Diese markierte Fläche ist zudem mit einer halbtransparenten Wachsschicht überzogen. Eine interaktive Sensorik erkennt die Bewegungen der BesucherInnen auf dem Spielfeld und steuert, abhängig von deren Bewegungen, Klang- und Bildprojektion im Raum. (Spiel-)Anweisungen, Kommandos und Kommentare in Bild, Schriftprojektion und Klang animieren zum Spiel mit den vorgegebenen Strukturen.
Entstehungsjahr: 2008
Kunstraum Engländerbau, Vaduz /FL
Kunstraum Engländerbau, Vaduz /FL
©2022 Martin Walch
MARTIN WALCH
HILTI-Kreisel Installation
Gestaltung
Auf dem grasbewachsenen, halbkugelförmigen Hügel des nach Westen abfallenden Verkehrskreisels mit einem Durchmesser von 22m wird eine ringförmige Plastik aus gebürstetem Chromstahl platziert. Ihre Materialität begründet sich in der angestrebten 3-dimensionalen Wirkung. Sie verhält sich konzentrisch zum Grundriss des Kreisels und besteht aus einem 3 m hohen, schräggestellten Ring, der mittels mehrerer, ebenfalls schräg verlaufender Rundstangen auf einer Höhe zwischen 2.5m und 5m über dem Boden getragen wird. Dieser rapportartige Motivring hat einen Durchmesser von 12m und besteht aus drei übereinander geordneten Buchstabenreihen, die, jeweils um einen Buchstaben gegeneinander versetzt, zum Endlosornament verschmelzen.
Idee
Der Kreisel in unmittelbarer Nähe des HILTI-Firmengeländes zwischen Schaan und Nendeln hat eine verkehrsberuhigende Funktion und gewährleistet insbesondere zu Stosszeiten den erwünschten kontinuierlichen Verkehrsfluss. Aufgrund der hier verlangsamten Fahrt wird die Aufmerksamkeit des von Schaan kommenden Verkehrsteilnehmers auf die nun folgenden, beiderseits der Strasse liegenden Industriegebäude der Firma HILTI gelenkt. Der Verkehr rollt sozusagen mitten durch das HILTI-Areal. Der Kreisel fungiert somit auch als Ein- bzw. Zufahrt zur Firma. Dank seiner Position zwischen ländlicher und industrieller Umgebung bietet sich dieser Kreisel ideal für eine prägnante, aussagekräftige und dennoch ortsbezogene Intervention in Gestalt eines Kunstwerkes an, das den weithin sichtbaren Um- und Neubauten des Firmensitzes sowie der sie umgebenden Landschaft einen ästhetischen Akzent hinzufügt.
Wirkung und Symbolik
Die ringförmige Plastik verhält sich mit ihrer Neigung nach Osten gegenläufig zu dem nach Westen abfallenden Gelände des Kreisels und erzeugt somit eine ausgleichende, den Schwung des Kreisverkehrs aufnehmende Dynamik. Leicht und filigran präsentiert sich das scheinbar schwingende Objekt dem vorbeifahrenden Verkehrsteilnehmer. Er nimmt das Ringmotiv als rhythmisch gegliedertes Endlosornament wahr, durch das sein Blick, je nach Standort, auf das Areal der Firma HILTI oder auf die weitläufige, naturnahe Riet-Landschaft und die sie begrenzenden Gebirgszüge des Rheintals fällt. Die Plastik versteht sich einerseits als unmittelbar auf den Ort bezogenes und formal eigenständiges Kunstwerk, andererseits als symbolischer Hinweis auf den weltweit ebenso konstruktiv wie dynamisch agierenden HILTI-Konzern. In seiner zeitlos gültigen Gestalt veranschaulicht der Ring nicht zuletzt globale Zusammengehörigkeit und Verantwortung in offener Gemeinschaft, die der Sprache und Schrift zu ihrer Verständigung bedarf.
Auf dem grasbewachsenen, halbkugelförmigen Hügel des nach Westen abfallenden Verkehrskreisels mit einem Durchmesser von 22m wird eine ringförmige Plastik aus gebürstetem Chromstahl platziert. Ihre Materialität begründet sich in der angestrebten 3-dimensionalen Wirkung. Sie verhält sich konzentrisch zum Grundriss des Kreisels und besteht aus einem 3 m hohen, schräggestellten Ring, der mittels mehrerer, ebenfalls schräg verlaufender Rundstangen auf einer Höhe zwischen 2.5m und 5m über dem Boden getragen wird. Dieser rapportartige Motivring hat einen Durchmesser von 12m und besteht aus drei übereinander geordneten Buchstabenreihen, die, jeweils um einen Buchstaben gegeneinander versetzt, zum Endlosornament verschmelzen.
Idee
Der Kreisel in unmittelbarer Nähe des HILTI-Firmengeländes zwischen Schaan und Nendeln hat eine verkehrsberuhigende Funktion und gewährleistet insbesondere zu Stosszeiten den erwünschten kontinuierlichen Verkehrsfluss. Aufgrund der hier verlangsamten Fahrt wird die Aufmerksamkeit des von Schaan kommenden Verkehrsteilnehmers auf die nun folgenden, beiderseits der Strasse liegenden Industriegebäude der Firma HILTI gelenkt. Der Verkehr rollt sozusagen mitten durch das HILTI-Areal. Der Kreisel fungiert somit auch als Ein- bzw. Zufahrt zur Firma. Dank seiner Position zwischen ländlicher und industrieller Umgebung bietet sich dieser Kreisel ideal für eine prägnante, aussagekräftige und dennoch ortsbezogene Intervention in Gestalt eines Kunstwerkes an, das den weithin sichtbaren Um- und Neubauten des Firmensitzes sowie der sie umgebenden Landschaft einen ästhetischen Akzent hinzufügt.
Wirkung und Symbolik
Die ringförmige Plastik verhält sich mit ihrer Neigung nach Osten gegenläufig zu dem nach Westen abfallenden Gelände des Kreisels und erzeugt somit eine ausgleichende, den Schwung des Kreisverkehrs aufnehmende Dynamik. Leicht und filigran präsentiert sich das scheinbar schwingende Objekt dem vorbeifahrenden Verkehrsteilnehmer. Er nimmt das Ringmotiv als rhythmisch gegliedertes Endlosornament wahr, durch das sein Blick, je nach Standort, auf das Areal der Firma HILTI oder auf die weitläufige, naturnahe Riet-Landschaft und die sie begrenzenden Gebirgszüge des Rheintals fällt. Die Plastik versteht sich einerseits als unmittelbar auf den Ort bezogenes und formal eigenständiges Kunstwerk, andererseits als symbolischer Hinweis auf den weltweit ebenso konstruktiv wie dynamisch agierenden HILTI-Konzern. In seiner zeitlos gültigen Gestalt veranschaulicht der Ring nicht zuletzt globale Zusammengehörigkeit und Verantwortung in offener Gemeinschaft, die der Sprache und Schrift zu ihrer Verständigung bedarf.
Entstehungsjahr: 2017
Material: Chromstahl gebürstet
Höhe: 8.5 m/Durchmesser: 12 m Rohrdurchmesser:
Motivring = 8.9 cm / Stützen = 11.4 cm.
Material: Chromstahl gebürstet
Höhe: 8.5 m/Durchmesser: 12 m Rohrdurchmesser:
Motivring = 8.9 cm / Stützen = 11.4 cm.
HILTI-Kreisel Installation
GESTALTUNG
Auf dem grasbewachsenen, halbkugelförmigen Hügel des nach Westen abfallenden Verkehrskreisels mit einem Durchmesser von 22m wird eine ringförmige Plastik aus gebürstetem Chromstahl platziert. Ihre Materialität begründet sich in der angestrebten 3-dimensionalen Wirkung. Sie verhält sich konzentrisch zum Grundriss des Kreisels und besteht aus einem 3 m hohen, schräggestellten Ring, der mittels mehrerer, ebenfalls schräg verlaufender Rundstangen auf einer Höhe zwischen 2.5m und 5m über dem Boden getragen wird. Dieser rapportartige Motivring hat einen Durchmesser von 12m und besteht aus drei übereinander geordneten Buchstabenreihen, die, jeweils um einen Buchstaben gegeneinander versetzt, zum Endlosornament verschmelzen.
IDEE
Der Kreisel in unmittelbarer Nähe des HILTI-Firmengeländes zwischen Schaan und Nendeln hat eine verkehrsberuhigende Funktion und gewährleistet insbesondere zu Stosszeiten den erwünschten kontinuierlichen Verkehrsfluss. Aufgrund der hier verlangsamten Fahrt wird die Aufmerksamkeit des von Schaan kommenden Verkehrsteilnehmers auf die nun folgenden, beiderseits der Strasse liegenden Industriegebäude der Firma HILTI gelenkt. Der Verkehr rollt sozusagen mitten durch das HILTI-Areal. Der Kreisel fungiert somit auch als Ein- bzw. Zufahrt zur Firma. Dank seiner Position zwischen ländlicher und industrieller Umgebung bietet sich dieser Kreisel ideal für eine prägnante, aussagekräftige und dennoch ortsbezogene Intervention in Gestalt eines Kunstwerkes an, das den weithin sichtbaren Um- und Neubauten des Firmensitzes sowie der sie umgebenden Landschaft einen ästhetischen Akzent hinzufügt.
WIRKUNG UND SYMBOLIK
Die ringförmige Plastik verhält sich mit ihrer Neigung nach Osten gegenläufig zu dem nach Westen abfallenden Gelände des Kreisels und erzeugt somit eine ausgleichende, den Schwung des Kreisverkehrs aufnehmende Dynamik. Leicht und filigran präsentiert sich das scheinbar schwingende Objekt dem vorbeifahrenden Verkehrsteilnehmer. Er nimmt das Ringmotiv als rhythmisch gegliedertes Endlosornament wahr, durch das sein Blick, je nach Standort, auf das Areal der Firma HILTI oder auf die weitläufige, naturnahe Riet-Landschaft und die sie begrenzenden Gebirgszüge des Rheintals fällt. Die Plastik versteht sich einerseits als unmittelbar auf den Ort bezogenes und formal eigenständiges Kunstwerk, andererseits als symbolischer Hinweis auf den weltweit ebenso konstruktiv wie dynamisch agierenden HILTI-Konzern. In seiner zeitlos gültigen Gestalt veranschaulicht der Ring nicht zuletzt globale Zusammengehörigkeit und Verantwortung in offener Gemeinschaft, die der Sprache und Schrift zu ihrer Verständigung bedarf.
Auf dem grasbewachsenen, halbkugelförmigen Hügel des nach Westen abfallenden Verkehrskreisels mit einem Durchmesser von 22m wird eine ringförmige Plastik aus gebürstetem Chromstahl platziert. Ihre Materialität begründet sich in der angestrebten 3-dimensionalen Wirkung. Sie verhält sich konzentrisch zum Grundriss des Kreisels und besteht aus einem 3 m hohen, schräggestellten Ring, der mittels mehrerer, ebenfalls schräg verlaufender Rundstangen auf einer Höhe zwischen 2.5m und 5m über dem Boden getragen wird. Dieser rapportartige Motivring hat einen Durchmesser von 12m und besteht aus drei übereinander geordneten Buchstabenreihen, die, jeweils um einen Buchstaben gegeneinander versetzt, zum Endlosornament verschmelzen.
IDEE
Der Kreisel in unmittelbarer Nähe des HILTI-Firmengeländes zwischen Schaan und Nendeln hat eine verkehrsberuhigende Funktion und gewährleistet insbesondere zu Stosszeiten den erwünschten kontinuierlichen Verkehrsfluss. Aufgrund der hier verlangsamten Fahrt wird die Aufmerksamkeit des von Schaan kommenden Verkehrsteilnehmers auf die nun folgenden, beiderseits der Strasse liegenden Industriegebäude der Firma HILTI gelenkt. Der Verkehr rollt sozusagen mitten durch das HILTI-Areal. Der Kreisel fungiert somit auch als Ein- bzw. Zufahrt zur Firma. Dank seiner Position zwischen ländlicher und industrieller Umgebung bietet sich dieser Kreisel ideal für eine prägnante, aussagekräftige und dennoch ortsbezogene Intervention in Gestalt eines Kunstwerkes an, das den weithin sichtbaren Um- und Neubauten des Firmensitzes sowie der sie umgebenden Landschaft einen ästhetischen Akzent hinzufügt.
WIRKUNG UND SYMBOLIK
Die ringförmige Plastik verhält sich mit ihrer Neigung nach Osten gegenläufig zu dem nach Westen abfallenden Gelände des Kreisels und erzeugt somit eine ausgleichende, den Schwung des Kreisverkehrs aufnehmende Dynamik. Leicht und filigran präsentiert sich das scheinbar schwingende Objekt dem vorbeifahrenden Verkehrsteilnehmer. Er nimmt das Ringmotiv als rhythmisch gegliedertes Endlosornament wahr, durch das sein Blick, je nach Standort, auf das Areal der Firma HILTI oder auf die weitläufige, naturnahe Riet-Landschaft und die sie begrenzenden Gebirgszüge des Rheintals fällt. Die Plastik versteht sich einerseits als unmittelbar auf den Ort bezogenes und formal eigenständiges Kunstwerk, andererseits als symbolischer Hinweis auf den weltweit ebenso konstruktiv wie dynamisch agierenden HILTI-Konzern. In seiner zeitlos gültigen Gestalt veranschaulicht der Ring nicht zuletzt globale Zusammengehörigkeit und Verantwortung in offener Gemeinschaft, die der Sprache und Schrift zu ihrer Verständigung bedarf.
Entstehungsjahr: 2017
Material: Chromstahl gebürstet
Höhe: 8.5 m/Durchmesser: 12 m Rohrdurchmesser:
Motivring = 8.9 cm / Stützen = 11.4 cm.
Material: Chromstahl gebürstet
Höhe: 8.5 m/Durchmesser: 12 m Rohrdurchmesser:
Motivring = 8.9 cm / Stützen = 11.4 cm.
©2022 Martin Walch
MARTIN WALCH
WINDOWS
Die Installation nimmt Bezug auf die architektonische Vorgabe des Ausstellungsraumes, dessen vorgegebene 13 unterschiedlich großen Fenster. Die direkt in die Fensterrahmen gehängten Glaskästen thematisieren neben der Frage nach objektiver, optischer Wahrnehmung, die formale Ein- beziehungsweise Ausgrenzung als solche, ihre vom jeweiligen Lichteinfall geprägten Verspiegelungen verweben das Draußen mit dem Drinnen und umgekehrt. Die Installation visualisiert eine unscharfe Grenze, eine gewisse Zone zwischen dem Drinnen oder Draußen eines Rezipienten.
Entstehungsjahr: 1998
Werkgrösse: 10m x 9m x 2.7m
Material: 13 Glaskästen (40 cm tief), in die vorgegebenen Fenster(-rahmen) gehängt
Werkgrösse: 10m x 9m x 2.7m
Material: 13 Glaskästen (40 cm tief), in die vorgegebenen Fenster(-rahmen) gehängt
WINDOWS 1998
Die Installation nimmt Bezug auf die architektonische Vorgabe des Ausstellungsraumes, dessen vorgegebene 13 unterschiedlich großen Fenster. Die direkt in die Fensterrahmen gehängten Glaskästen thematisieren neben der Frage nach objektiver, optischer Wahrnehmung, die formale Ein- beziehungsweise Ausgrenzung als solche, ihre vom jeweiligen Lichteinfall geprägten Verspiegelungen verweben das Draußen mit dem Drinnen und umgekehrt. Die Installation visualisiert eine unscharfe Grenze, eine gewisse Zone zwischen dem Drinnen oder Draußen eines Rezipienten.
Entstehungsjahr: 1998
Werkgrösse: 10m x 9m x 2.7m
Material: 13 Glaskästen (40 cm tief), in die vorgegebenen Fenster(-rahmen) gehängt
Werkgrösse: 10m x 9m x 2.7m
Material: 13 Glaskästen (40 cm tief), in die vorgegebenen Fenster(-rahmen) gehängt
©2022 Martin Walch
MARTIN WALCH
Fadenspiele
Kunst & Bauprojekt:
Neubau Kindergarten Ruggell /Li
Im geschützten, zurückversetzten Eingangsbereich des Kindergartens wurden an der nordseitigen Wand sowie an der darüber liegenden Decke (drei) verschieden farbige LED-Lichtlinien bündig mit dem Verputz in vorgefertigte Rinnen eingebaut. Diese sog. Lichtlinien verteilen sich gemäss gespannten Fäden (Fadenspielen) über die weiss verputzten, im rechten Winkel aufeinandertreffende Decken- und Wandfläche.
Das Kunst am Bau-Vorhaben greift ebenfalls die bereits bei sämtlichen Lüftungsfenstern des Gebäudes verwendete Idee von Fadenspielen auf. Doch werden hier anstatt mit gespannten Drähten, mit verschieden farbigen Lichtlinien ähnliche Fadenmuster u./od. -knoten angedeutet. Der gut geschützte, doch relativ dunkle Eingangsbereich zwischen den zwei Schulhäusern (Primarschule u. Kindergarten) erfährt mit dieser Intervention eine optische Betonung und Aufwertung, die einerseits auf das unbedarfte Spiel des Kindes verweist, andererseits aber auch aufgrund ihres formal (dekonstruktivistischen) Gebahrens dem gesamten Eingangsbereich ein modernes, zeitgenössisches Outfit verleiht und ihn in den Blickfang rückt.
Neubau Kindergarten Ruggell /Li
Im geschützten, zurückversetzten Eingangsbereich des Kindergartens wurden an der nordseitigen Wand sowie an der darüber liegenden Decke (drei) verschieden farbige LED-Lichtlinien bündig mit dem Verputz in vorgefertigte Rinnen eingebaut. Diese sog. Lichtlinien verteilen sich gemäss gespannten Fäden (Fadenspielen) über die weiss verputzten, im rechten Winkel aufeinandertreffende Decken- und Wandfläche.
Das Kunst am Bau-Vorhaben greift ebenfalls die bereits bei sämtlichen Lüftungsfenstern des Gebäudes verwendete Idee von Fadenspielen auf. Doch werden hier anstatt mit gespannten Drähten, mit verschieden farbigen Lichtlinien ähnliche Fadenmuster u./od. -knoten angedeutet. Der gut geschützte, doch relativ dunkle Eingangsbereich zwischen den zwei Schulhäusern (Primarschule u. Kindergarten) erfährt mit dieser Intervention eine optische Betonung und Aufwertung, die einerseits auf das unbedarfte Spiel des Kindes verweist, andererseits aber auch aufgrund ihres formal (dekonstruktivistischen) Gebahrens dem gesamten Eingangsbereich ein modernes, zeitgenössisches Outfit verleiht und ihn in den Blickfang rückt.
Entstehungsjahr: 2015
Material: verschieden farbige LED-Lichtlinien
Masse: 150 x 640 x 280 cm
Material: verschieden farbige LED-Lichtlinien
Masse: 150 x 640 x 280 cm
FADENSPIELE
Kunst & Bauprojekt:
Neubau Kindergarten Ruggell /Li
Im geschützten, zurückversetzten Eingangsbereich des Kindergartens wurden an der nordseitigen Wand sowie an der darüber liegenden Decke (drei) verschieden farbige LED-Lichtlinien bündig mit dem Verputz in vorgefertigte Rinnen eingebaut. Diese sog. Lichtlinien verteilen sich gemäss gespannten Fäden (Fadenspielen) über die weiss verputzten, im rechten Winkel aufeinandertreffende Decken- und Wandfläche.
Das Kunst am Bau-Vorhaben greift ebenfalls die bereits bei sämtlichen Lüftungsfenstern des Gebäudes verwendete Idee von Fadenspielen auf. Doch werden hier anstatt mit gespannten Drähten, mit verschieden farbigen Lichtlinien ähnliche Fadenmuster u./od. -knoten angedeutet. Der gut geschützte, doch relativ dunkle Eingangsbereich zwischen den zwei Schulhäusern (Primarschule u. Kindergarten) erfährt mit dieser Intervention eine optische Betonung und Aufwertung, die einerseits auf das unbedarfte Spiel des Kindes verweist, andererseits aber auch aufgrund ihres formal (dekonstruktivistischen) Gebahrens dem gesamten Eingangsbereich ein modernes, zeitgenössisches Outfit verleiht und ihn in den Blickfang rückt.
Neubau Kindergarten Ruggell /Li
Im geschützten, zurückversetzten Eingangsbereich des Kindergartens wurden an der nordseitigen Wand sowie an der darüber liegenden Decke (drei) verschieden farbige LED-Lichtlinien bündig mit dem Verputz in vorgefertigte Rinnen eingebaut. Diese sog. Lichtlinien verteilen sich gemäss gespannten Fäden (Fadenspielen) über die weiss verputzten, im rechten Winkel aufeinandertreffende Decken- und Wandfläche.
Das Kunst am Bau-Vorhaben greift ebenfalls die bereits bei sämtlichen Lüftungsfenstern des Gebäudes verwendete Idee von Fadenspielen auf. Doch werden hier anstatt mit gespannten Drähten, mit verschieden farbigen Lichtlinien ähnliche Fadenmuster u./od. -knoten angedeutet. Der gut geschützte, doch relativ dunkle Eingangsbereich zwischen den zwei Schulhäusern (Primarschule u. Kindergarten) erfährt mit dieser Intervention eine optische Betonung und Aufwertung, die einerseits auf das unbedarfte Spiel des Kindes verweist, andererseits aber auch aufgrund ihres formal (dekonstruktivistischen) Gebahrens dem gesamten Eingangsbereich ein modernes, zeitgenössisches Outfit verleiht und ihn in den Blickfang rückt.
Entstehungsjahr: 2015
Material: verschieden farbige LED-Lichtlinien
Masse: 150 x 640 x 280 cm
Material: verschieden farbige LED-Lichtlinien
Masse: 150 x 640 x 280 cm
©2022 Martin Walch
MARTIN WALCH
MANDALA
Es handelt sich um einen würfelförmigen Kubus aus übereinander gestapelten Kartonschachteln, in deren Seitenwände ein fortlaufendes Ornament eingeschnitten ist. Die Schachteln, ihre Form und Funktion eines schlichten Verpackungsmaterials beibehaltend, verdeutlichen aufgrund ihrer Materialität und Faltbarkeit eine einfache Handhabung (Transportierbarkeit) und bewahren den Charakter des zum einmaligen Gebrauch bestimmten Wegwerfgegenstandes. Eine mobile Skulptur, die in ihrer aufgebauten Form mächtig (doch in sich ruhend) Raum beansprucht, ihre Präsenz jedoch fast gänzlich mit dem Zusammenlegen der Schachteln wieder verliert, ihren Platz für «Neues» wieder freigibt – im weiteren Sinne das Reisen mit seinen spezifischen Ansprüchen und Konsequenzen thematisiert – dem «verletzlichen Frachtgut» einen Schutzraum verspricht.
Ähnlich den Gitterumzäunungen von Kinderspielplätzen, Parkanlagen, vor Fenstern oder Hauseingängen gewährt das in die Schachteln eingeschnittene Muster einen puzzleartigen Einblick ins Dahinter; hier in das «Innenleben» des Transportgutes. Das anrüchige Spiel zwischen Ausgrenzung und Einladung, der vordergründige Voyeurismus, steht im Kontrast zum mandala-meditativen Charakter des sich wiederholenden Ornaments. ©mw
Vielleicht stellt sich die Aufgabe hier, über das Verhältnis von Ornament und Kombination nachzudenken, denn Ornament ist wohl ein in der Wiederholung Ruhendes, während Kombination auf ein Regelspiel der Austauschbarkeit deutet und so der Variation nahe kommt eigen ist beiden, dass sie zu einer scheinbaren Unendlichkeit tendieren, die Wiederholung mehr noch, da die Anzahl möglicher Kombinationen auch begrenzt gedacht werden kann. Das Besondere der Verbindung beider aber ist, dass sie sich gegenseitig bereichern, dass also das Ornament um das Moment der Bewegung und die Kombination um jenes der Gleichmässigkeit bereichert wird, was heisst, dass etwas zutiefst Orientalisches und eine experimentelle Offenheit gleichsam interferieren. Doch das Besondere reicht noch weiter, denn, was da als Repetition entworfen und gleichzeitig kraft der Austauschbarkeit seiner Einsinnigkeit beraubt wird, erzählt, es erzählt vom gewinnbringenden Verlust der Herkunft beider. Denn, noch einmal, Ornament wie Kombination gehorchen allein der Art, als Schachteln mit geschnittenen Mustern gestapelt oder gereiht zu sein: die Kombination ist kein Tausch von unterschiedlichen Elementen, es gibt sie nur als Variation der Form des Ganzen, und das Ornament, es ziert nicht oder nichts als ebendiese Form. Was Architektur oder Skulptur ist, wird so nicht skelettiert, nicht durchsichtig gemacht und schon gar nicht auf einen inneren Zusammenhang hin, denn es ist gerade das Äusserliche, das Ornament hier Skelett, und jede Fügung ist nicht fest, sondern variierbar, so dass, wo nichts mehr verlässlich zu tragen scheint, gerade das Tragende sichtbar wird: das Nichts nämlich, das aller Setzung voraus ist. Doch über all dies täuscht das Dekorative, das den Schachteln, so ornamental, wie sie geschnitten sind, eigen ist, hinweg und das ist wohl noch einmal ein Besonderes, denn da wird, was gesagt wird, kaum gesagt, kaum auch gezeigt, was gezeigt wird, das heisst: fast verbirgt sich unter dem Deckmantel, nur Kunst zu sein, hier das, was als Kunst das Selbstverständliche durchsichtig macht auf jene Leere hin, welche alles, was vom Menschen ist, ob Skulptur oder Architektur, durchwirkt.
©Michael Donhauser, November 2008
Ähnlich den Gitterumzäunungen von Kinderspielplätzen, Parkanlagen, vor Fenstern oder Hauseingängen gewährt das in die Schachteln eingeschnittene Muster einen puzzleartigen Einblick ins Dahinter; hier in das «Innenleben» des Transportgutes. Das anrüchige Spiel zwischen Ausgrenzung und Einladung, der vordergründige Voyeurismus, steht im Kontrast zum mandala-meditativen Charakter des sich wiederholenden Ornaments. ©mw
Vielleicht stellt sich die Aufgabe hier, über das Verhältnis von Ornament und Kombination nachzudenken, denn Ornament ist wohl ein in der Wiederholung Ruhendes, während Kombination auf ein Regelspiel der Austauschbarkeit deutet und so der Variation nahe kommt eigen ist beiden, dass sie zu einer scheinbaren Unendlichkeit tendieren, die Wiederholung mehr noch, da die Anzahl möglicher Kombinationen auch begrenzt gedacht werden kann. Das Besondere der Verbindung beider aber ist, dass sie sich gegenseitig bereichern, dass also das Ornament um das Moment der Bewegung und die Kombination um jenes der Gleichmässigkeit bereichert wird, was heisst, dass etwas zutiefst Orientalisches und eine experimentelle Offenheit gleichsam interferieren. Doch das Besondere reicht noch weiter, denn, was da als Repetition entworfen und gleichzeitig kraft der Austauschbarkeit seiner Einsinnigkeit beraubt wird, erzählt, es erzählt vom gewinnbringenden Verlust der Herkunft beider. Denn, noch einmal, Ornament wie Kombination gehorchen allein der Art, als Schachteln mit geschnittenen Mustern gestapelt oder gereiht zu sein: die Kombination ist kein Tausch von unterschiedlichen Elementen, es gibt sie nur als Variation der Form des Ganzen, und das Ornament, es ziert nicht oder nichts als ebendiese Form. Was Architektur oder Skulptur ist, wird so nicht skelettiert, nicht durchsichtig gemacht und schon gar nicht auf einen inneren Zusammenhang hin, denn es ist gerade das Äusserliche, das Ornament hier Skelett, und jede Fügung ist nicht fest, sondern variierbar, so dass, wo nichts mehr verlässlich zu tragen scheint, gerade das Tragende sichtbar wird: das Nichts nämlich, das aller Setzung voraus ist. Doch über all dies täuscht das Dekorative, das den Schachteln, so ornamental, wie sie geschnitten sind, eigen ist, hinweg und das ist wohl noch einmal ein Besonderes, denn da wird, was gesagt wird, kaum gesagt, kaum auch gezeigt, was gezeigt wird, das heisst: fast verbirgt sich unter dem Deckmantel, nur Kunst zu sein, hier das, was als Kunst das Selbstverständliche durchsichtig macht auf jene Leere hin, welche alles, was vom Menschen ist, ob Skulptur oder Architektur, durchwirkt.
©Michael Donhauser, November 2008
Entstehungsjahr: 1997
Werkgrösse: 120 x 65 x 65 cm, 32-teilig
Installation aus 32 Faltkartonschachteln
in NYC /USA
Werkgrösse: 120 x 65 x 65 cm, 32-teilig
Installation aus 32 Faltkartonschachteln
in NYC /USA
MANDALA
Es handelt sich um einen würfelförmigen Kubus aus übereinander gestapelten Kartonschachteln, in deren Seitenwände ein fortlaufendes Ornament eingeschnitten ist. Die Schachteln, ihre Form und Funktion eines schlichten Verpackungsmaterials beibehaltend, verdeutlichen aufgrund ihrer Materialität und Faltbarkeit eine einfache Handhabung (Transportierbarkeit) und bewahren den Charakter des zum einmaligen Gebrauch bestimmten Wegwerfgegenstandes. Eine mobile Skulptur, die in ihrer aufgebauten Form mächtig (doch in sich ruhend) Raum beansprucht, ihre Präsenz jedoch fast gänzlich mit dem Zusammenlegen der Schachteln wieder verliert, ihren Platz für «Neues» wieder freigibt – im weiteren Sinne das Reisen mit seinen spezifischen Ansprüchen und Konsequenzen thematisiert – dem «verletzlichen Frachtgut» einen Schutzraum verspricht.
Ähnlich den Gitterumzäunungen von Kinderspielplätzen, Parkanlagen, vor Fenstern oder Hauseingängen gewährt das in die Schachteln eingeschnittene Muster einen puzzleartigen Einblick ins Dahinter; hier in das «Innenleben» des Transportgutes. Das anrüchige Spiel zwischen Ausgrenzung und Einladung, der vordergründige Voyeurismus, steht im Kontrast zum mandala-meditativen Charakter des sich wiederholenden Ornaments. ©mw
Vielleicht stellt sich die Aufgabe hier, über das Verhältnis von Ornament und Kombination nachzudenken, denn Ornament ist wohl ein in der Wiederholung Ruhendes, während Kombination auf ein Regelspiel der Austauschbarkeit deutet und so der Variation nahe kommt eigen ist beiden, dass sie zu einer scheinbaren Unendlichkeit tendieren, die Wiederholung mehr noch, da die Anzahl möglicher Kombinationen auch begrenzt gedacht werden kann. Das Besondere der Verbindung beider aber ist, dass sie sich gegenseitig bereichern, dass also das Ornament um das Moment der Bewegung und die Kombination um jenes der Gleichmässigkeit bereichert wird, was heisst, dass etwas zutiefst Orientalisches und eine experimentelle Offenheit gleichsam interferieren. Doch das Besondere reicht noch weiter, denn, was da als Repetition entworfen und gleichzeitig kraft der Austauschbarkeit seiner Einsinnigkeit beraubt wird, erzählt, es erzählt vom gewinnbringenden Verlust der Herkunft beider. Denn, noch einmal, Ornament wie Kombination gehorchen allein der Art, als Schachteln mit geschnittenen Mustern gestapelt oder gereiht zu sein: die Kombination ist kein Tausch von unterschiedlichen Elementen, es gibt sie nur als Variation der Form des Ganzen, und das Ornament, es ziert nicht oder nichts als ebendiese Form. Was Architektur oder Skulptur ist, wird so nicht skelettiert, nicht durchsichtig gemacht und schon gar nicht auf einen inneren Zusammenhang hin, denn es ist gerade das Äusserliche, das Ornament hier Skelett, und jede Fügung ist nicht fest, sondern variierbar, so dass, wo nichts mehr verlässlich zu tragen scheint, gerade das Tragende sichtbar wird: das Nichts nämlich, das aller Setzung voraus ist. Doch über all dies täuscht das Dekorative, das den Schachteln, so ornamental, wie sie geschnitten sind, eigen ist, hinweg und das ist wohl noch einmal ein Besonderes, denn da wird, was gesagt wird, kaum gesagt, kaum auch gezeigt, was gezeigt wird, das heisst: fast verbirgt sich unter dem Deckmantel, nur Kunst zu sein, hier das, was als Kunst das Selbstverständliche durchsichtig macht auf jene Leere hin, welche alles, was vom Menschen ist, ob Skulptur oder Architektur, durchwirkt.
©Michael Donhauser, November 2008
Ähnlich den Gitterumzäunungen von Kinderspielplätzen, Parkanlagen, vor Fenstern oder Hauseingängen gewährt das in die Schachteln eingeschnittene Muster einen puzzleartigen Einblick ins Dahinter; hier in das «Innenleben» des Transportgutes. Das anrüchige Spiel zwischen Ausgrenzung und Einladung, der vordergründige Voyeurismus, steht im Kontrast zum mandala-meditativen Charakter des sich wiederholenden Ornaments. ©mw
Vielleicht stellt sich die Aufgabe hier, über das Verhältnis von Ornament und Kombination nachzudenken, denn Ornament ist wohl ein in der Wiederholung Ruhendes, während Kombination auf ein Regelspiel der Austauschbarkeit deutet und so der Variation nahe kommt eigen ist beiden, dass sie zu einer scheinbaren Unendlichkeit tendieren, die Wiederholung mehr noch, da die Anzahl möglicher Kombinationen auch begrenzt gedacht werden kann. Das Besondere der Verbindung beider aber ist, dass sie sich gegenseitig bereichern, dass also das Ornament um das Moment der Bewegung und die Kombination um jenes der Gleichmässigkeit bereichert wird, was heisst, dass etwas zutiefst Orientalisches und eine experimentelle Offenheit gleichsam interferieren. Doch das Besondere reicht noch weiter, denn, was da als Repetition entworfen und gleichzeitig kraft der Austauschbarkeit seiner Einsinnigkeit beraubt wird, erzählt, es erzählt vom gewinnbringenden Verlust der Herkunft beider. Denn, noch einmal, Ornament wie Kombination gehorchen allein der Art, als Schachteln mit geschnittenen Mustern gestapelt oder gereiht zu sein: die Kombination ist kein Tausch von unterschiedlichen Elementen, es gibt sie nur als Variation der Form des Ganzen, und das Ornament, es ziert nicht oder nichts als ebendiese Form. Was Architektur oder Skulptur ist, wird so nicht skelettiert, nicht durchsichtig gemacht und schon gar nicht auf einen inneren Zusammenhang hin, denn es ist gerade das Äusserliche, das Ornament hier Skelett, und jede Fügung ist nicht fest, sondern variierbar, so dass, wo nichts mehr verlässlich zu tragen scheint, gerade das Tragende sichtbar wird: das Nichts nämlich, das aller Setzung voraus ist. Doch über all dies täuscht das Dekorative, das den Schachteln, so ornamental, wie sie geschnitten sind, eigen ist, hinweg und das ist wohl noch einmal ein Besonderes, denn da wird, was gesagt wird, kaum gesagt, kaum auch gezeigt, was gezeigt wird, das heisst: fast verbirgt sich unter dem Deckmantel, nur Kunst zu sein, hier das, was als Kunst das Selbstverständliche durchsichtig macht auf jene Leere hin, welche alles, was vom Menschen ist, ob Skulptur oder Architektur, durchwirkt.
©Michael Donhauser, November 2008
Entstehungsjahr: 1997
Werkgrösse: 120 x 65 x 65 cm, 32-teilig
Installation aus 32 Faltkartonschachteln
in NYC /USA
Werkgrösse: 120 x 65 x 65 cm, 32-teilig
Installation aus 32 Faltkartonschachteln
in NYC /USA
©2022 Martin Walch
MARTIN WALCH
Kalte Augen
1992
Installation im Wittgenstein-Haus, Wien /A
Optische Linsen, Gummischläuche, Metallbügel lackiert
Manchmal wünsche ich mir, jene Kegelvolumen sichtbar zu machen, die wir vor unseren Augen tragen, die bei Blickkontakt aufeinanderprallen, sich gegenseitig im Kräftevergleich messen, nach hinten ins Unbewusste ausgreifen; Sehräume, die in permanenter Kommunikation stehen, sich überlagern, schneiden, unser Empfinden prägen und eine sich laufend wandelnde, raumfüllende Plastik schaffen... Oft scheinen diese Körper luftig oder schwebend, wie tanzend, manchmal zwingen sie uns zu Boden, sind schwer wie Blei. ©M.W. 91
Installation im Wittgenstein-Haus, Wien /A
Optische Linsen, Gummischläuche, Metallbügel lackiert
Manchmal wünsche ich mir, jene Kegelvolumen sichtbar zu machen, die wir vor unseren Augen tragen, die bei Blickkontakt aufeinanderprallen, sich gegenseitig im Kräftevergleich messen, nach hinten ins Unbewusste ausgreifen; Sehräume, die in permanenter Kommunikation stehen, sich überlagern, schneiden, unser Empfinden prägen und eine sich laufend wandelnde, raumfüllende Plastik schaffen... Oft scheinen diese Körper luftig oder schwebend, wie tanzend, manchmal zwingen sie uns zu Boden, sind schwer wie Blei. ©M.W. 91
1994
Installation im Künstlerhaus Thurn & Taxis, Bregenz Optische Linsen, Gummischläuche, Metall lackiert (3 od. 4 Bilder (?), siehe Anhang)
Zu leicht scheint da lesbar, was ich gerne in die Nicht-Selbstverständlichkeit zurückholen möchte, zu schnell sind die Worte da zur Stelle, welche das Gegebene in Gegebenheiten der interaktiven Raumkunst auflösen, so dass sich die Frage stellt, was darüber hinaus bleibt, nicht nachdem, sondern bevor die Begriffe die Sache in einen Raster gebracht haben. Dies zu fragen heisst, zu zögern, an der Schwelle, den Raum vorerst nicht zu betreten, was widersinnig scheint, doch in dieser Widersinnigkeit ist vielleicht der Ansatz zu einem anderen Lesen. Denn es kommt dann, allmählich, etwas auf, was ähnlich sonderbar berührt, wie wenn wir einen stillgelegten Bauhof oder Spielplatz sehen, eine leere Bahnhofshalle, einen verlassenen Kirchenraum: die Schläuche mit den Linsen, filigranen Säulen ähnlich, erzeugen so lotrecht und in Reihen oder verteilt etwas Gotisches, eine Höhe als Mass, das uns übersteigt, ein Ertönen könnte man es auch nennen, dieses Hohe, das selber masslos einst Mass war für unser Menschsein. Und ich denke, dass man, so an der Schwelle zögernd, durch die Gummisäulen an jenes verlorene Mass der Masslosigkeit erinnert sein muss, will man den Raum nicht nur als interaktive Spielwiese betreten, was einem zudem immer noch offen bleibt denn erst jene Höhe erinnernd und also in Bezug zu ihr wird, was da als Linsen in unterschiedlichem Abstand zum Boden angebracht ist, auch Kritik, das heisst: jede Augenhöhe ist als jene der Linsen nicht nur verschieden, sondern ebenso nivellierbar, indem man die Linse im jeweiligen Schlauch auf die eigene Augenhöhe bringt. Und dies ist nun, noch einmal, nicht nur ein lustiges Spiel, sondern macht auch deutlich, wie heillos subjektiv nicht allein die je eigene Blickhöhe ist, sondern wie mühelos sich jede andere auch aneignen lässt, und zwar nicht mehr, indem man sich streckt oder bückt, sondern indem man den anderen Blick zu sich herunter oder hoch zieht: eine Erfahrung des Anderen in seiner Andersheit, ob nun als Mensch oder, fundamentaler, im Verhältnis zu jenem masslosen Mass scheint so nicht mehr möglich. Damit aber ist auch die Erfahrung eines Ichs als eines nicht nur beliebig nivellierbarem in Frage gestellt.
@ Michael Donhauser, November 2008
Installation im Künstlerhaus Thurn & Taxis, Bregenz Optische Linsen, Gummischläuche, Metall lackiert (3 od. 4 Bilder (?), siehe Anhang)
Zu leicht scheint da lesbar, was ich gerne in die Nicht-Selbstverständlichkeit zurückholen möchte, zu schnell sind die Worte da zur Stelle, welche das Gegebene in Gegebenheiten der interaktiven Raumkunst auflösen, so dass sich die Frage stellt, was darüber hinaus bleibt, nicht nachdem, sondern bevor die Begriffe die Sache in einen Raster gebracht haben. Dies zu fragen heisst, zu zögern, an der Schwelle, den Raum vorerst nicht zu betreten, was widersinnig scheint, doch in dieser Widersinnigkeit ist vielleicht der Ansatz zu einem anderen Lesen. Denn es kommt dann, allmählich, etwas auf, was ähnlich sonderbar berührt, wie wenn wir einen stillgelegten Bauhof oder Spielplatz sehen, eine leere Bahnhofshalle, einen verlassenen Kirchenraum: die Schläuche mit den Linsen, filigranen Säulen ähnlich, erzeugen so lotrecht und in Reihen oder verteilt etwas Gotisches, eine Höhe als Mass, das uns übersteigt, ein Ertönen könnte man es auch nennen, dieses Hohe, das selber masslos einst Mass war für unser Menschsein. Und ich denke, dass man, so an der Schwelle zögernd, durch die Gummisäulen an jenes verlorene Mass der Masslosigkeit erinnert sein muss, will man den Raum nicht nur als interaktive Spielwiese betreten, was einem zudem immer noch offen bleibt denn erst jene Höhe erinnernd und also in Bezug zu ihr wird, was da als Linsen in unterschiedlichem Abstand zum Boden angebracht ist, auch Kritik, das heisst: jede Augenhöhe ist als jene der Linsen nicht nur verschieden, sondern ebenso nivellierbar, indem man die Linse im jeweiligen Schlauch auf die eigene Augenhöhe bringt. Und dies ist nun, noch einmal, nicht nur ein lustiges Spiel, sondern macht auch deutlich, wie heillos subjektiv nicht allein die je eigene Blickhöhe ist, sondern wie mühelos sich jede andere auch aneignen lässt, und zwar nicht mehr, indem man sich streckt oder bückt, sondern indem man den anderen Blick zu sich herunter oder hoch zieht: eine Erfahrung des Anderen in seiner Andersheit, ob nun als Mensch oder, fundamentaler, im Verhältnis zu jenem masslosen Mass scheint so nicht mehr möglich. Damit aber ist auch die Erfahrung eines Ichs als eines nicht nur beliebig nivellierbarem in Frage gestellt.
@ Michael Donhauser, November 2008
1991
Installation in der Aula der Hochschule für Angewandte Kunst, Wien /A Optische Linsen, Gummischläuche, Siebdruck auf Plastikfolie (1 od. 2 Bilder, siehe Anhang)
Exemplarisch für Martin Walchs Schaffen steht die frühe Installation Kalte Augen. Optische Linsen, in vertikal gespannten Gummischläuchen befestigt, variieren den Blick, verändern, verzerren oder korrigieren ihn. Vormals fraglos als feststehend Betrachtetes bewegt sich unerwartet. Welcher Blick ist der Richtige? Welche Wahrnehmung deckt sich mit dem Realen? Fragen, die sich manchem Brillenträger stellen, bemächtigen sich des Schauenden, der im Bestreben, die Linse auf seine Augenhöhe zu ziehen, die Ordnung der Gummischläuche ins Wanken gebracht hat: was wie Stäbe, ein streng gebautes geometrisches Gerüst erschien, wird als labil erfahrbar, schwankend wie die aus dem Tritt der Gewohnheit gebrachte Wahrnehmung, Ambivalenz, Gegensätzlichkeit vibriert in einer scheinbar einfachen, feststehenden Ordnung. ©2007 /Thomas G. Brunner
Installation in der Aula der Hochschule für Angewandte Kunst, Wien /A Optische Linsen, Gummischläuche, Siebdruck auf Plastikfolie (1 od. 2 Bilder, siehe Anhang)
Exemplarisch für Martin Walchs Schaffen steht die frühe Installation Kalte Augen. Optische Linsen, in vertikal gespannten Gummischläuchen befestigt, variieren den Blick, verändern, verzerren oder korrigieren ihn. Vormals fraglos als feststehend Betrachtetes bewegt sich unerwartet. Welcher Blick ist der Richtige? Welche Wahrnehmung deckt sich mit dem Realen? Fragen, die sich manchem Brillenträger stellen, bemächtigen sich des Schauenden, der im Bestreben, die Linse auf seine Augenhöhe zu ziehen, die Ordnung der Gummischläuche ins Wanken gebracht hat: was wie Stäbe, ein streng gebautes geometrisches Gerüst erschien, wird als labil erfahrbar, schwankend wie die aus dem Tritt der Gewohnheit gebrachte Wahrnehmung, Ambivalenz, Gegensätzlichkeit vibriert in einer scheinbar einfachen, feststehenden Ordnung. ©2007 /Thomas G. Brunner
Kalte Augen
1992
Installation im Wittgenstein-Haus, Wien /A
Optische Linsen, Gummischläuche, Metallbügel lackiert
Manchmal wünsche ich mir, jene Kegelvolumen sichtbar zu machen, die wir vor unseren Augen tragen, die bei Blickkontakt aufeinanderprallen, sich gegenseitig im Kräftevergleich messen, nach hinten ins Unbewusste ausgreifen; Sehräume, die in permanenter Kommunikation stehen, sich überlagern, schneiden, unser Empfinden prägen und eine sich laufend wandelnde, raumfüllende Plastik schaffen...
Oft scheinen diese Körper luftig oder schwebend, wie tanzend, manchmal zwingen sie uns zu Boden, sind schwer wie Blei. ©M.W. 91
Installation im Wittgenstein-Haus, Wien /A
Optische Linsen, Gummischläuche, Metallbügel lackiert
Manchmal wünsche ich mir, jene Kegelvolumen sichtbar zu machen, die wir vor unseren Augen tragen, die bei Blickkontakt aufeinanderprallen, sich gegenseitig im Kräftevergleich messen, nach hinten ins Unbewusste ausgreifen; Sehräume, die in permanenter Kommunikation stehen, sich überlagern, schneiden, unser Empfinden prägen und eine sich laufend wandelnde, raumfüllende Plastik schaffen...
Oft scheinen diese Körper luftig oder schwebend, wie tanzend, manchmal zwingen sie uns zu Boden, sind schwer wie Blei. ©M.W. 91
1994
Installation im Künstlerhaus Thurn & Taxis, Bregenz Optische Linsen, Gummischläuche, Metall lackiert (3 od. 4 Bilder (?), siehe Anhang)
Zu leicht scheint da lesbar, was ich gerne in die Nicht-Selbstverständlichkeit zurückholen möchte, zu schnell sind die Worte da zur Stelle, welche das Gegebene in Gegebenheiten der interaktiven Raumkunst auflösen, so dass sich die Frage stellt, was darüber hinaus bleibt, nicht nachdem, sondern bevor die Begriffe die Sache in einen Raster gebracht haben. Dies zu fragen heisst, zu zögern, an der Schwelle, den Raum vorerst nicht zu betreten, was widersinnig scheint, doch in dieser Widersinnigkeit ist vielleicht der Ansatz zu einem anderen Lesen. Denn es kommt dann, allmählich, etwas auf, was ähnlich sonderbar berührt, wie wenn wir einen stillgelegten Bauhof oder Spielplatz sehen, eine leere Bahnhofshalle, einen verlassenen Kirchenraum: die Schläuche mit den Linsen, filigranen Säulen ähnlich, erzeugen so lotrecht und in Reihen oder verteilt etwas Gotisches, eine Höhe als Mass, das uns übersteigt, ein Ertönen könnte man es auch nennen, dieses Hohe, das selber masslos einst Mass war für unser Menschsein. Und ich denke, dass man, so an der Schwelle zögernd, durch die Gummisäulen an jenes verlorene Mass der Masslosigkeit erinnert sein muss, will man den Raum nicht nur als interaktive Spielwiese betreten, was einem zudem immer noch offen bleibt denn erst jene Höhe erinnernd und also in Bezug zu ihr wird, was da als Linsen in unterschiedlichem Abstand zum Boden angebracht ist, auch Kritik, das heisst: jede Augenhöhe ist als jene der Linsen nicht nur verschieden, sondern ebenso nivellierbar, indem man die Linse im jeweiligen Schlauch auf die eigene Augenhöhe bringt. Und dies ist nun, noch einmal, nicht nur ein lustiges Spiel, sondern macht auch deutlich, wie heillos subjektiv nicht allein die je eigene Blickhöhe ist, sondern wie mühelos sich jede andere auch aneignen lässt, und zwar nicht mehr, indem man sich streckt oder bückt, sondern indem man den anderen Blick zu sich herunter oder hoch zieht: eine Erfahrung des Anderen in seiner Andersheit, ob nun als Mensch oder, fundamentaler, im Verhältnis zu jenem masslosen Mass scheint so nicht mehr möglich. Damit aber ist auch die Erfahrung eines Ichs als eines nicht nur beliebig nivellierbarem in Frage gestellt.
@ Michael Donhauser, November 2008
Installation im Künstlerhaus Thurn & Taxis, Bregenz Optische Linsen, Gummischläuche, Metall lackiert (3 od. 4 Bilder (?), siehe Anhang)
Zu leicht scheint da lesbar, was ich gerne in die Nicht-Selbstverständlichkeit zurückholen möchte, zu schnell sind die Worte da zur Stelle, welche das Gegebene in Gegebenheiten der interaktiven Raumkunst auflösen, so dass sich die Frage stellt, was darüber hinaus bleibt, nicht nachdem, sondern bevor die Begriffe die Sache in einen Raster gebracht haben. Dies zu fragen heisst, zu zögern, an der Schwelle, den Raum vorerst nicht zu betreten, was widersinnig scheint, doch in dieser Widersinnigkeit ist vielleicht der Ansatz zu einem anderen Lesen. Denn es kommt dann, allmählich, etwas auf, was ähnlich sonderbar berührt, wie wenn wir einen stillgelegten Bauhof oder Spielplatz sehen, eine leere Bahnhofshalle, einen verlassenen Kirchenraum: die Schläuche mit den Linsen, filigranen Säulen ähnlich, erzeugen so lotrecht und in Reihen oder verteilt etwas Gotisches, eine Höhe als Mass, das uns übersteigt, ein Ertönen könnte man es auch nennen, dieses Hohe, das selber masslos einst Mass war für unser Menschsein. Und ich denke, dass man, so an der Schwelle zögernd, durch die Gummisäulen an jenes verlorene Mass der Masslosigkeit erinnert sein muss, will man den Raum nicht nur als interaktive Spielwiese betreten, was einem zudem immer noch offen bleibt denn erst jene Höhe erinnernd und also in Bezug zu ihr wird, was da als Linsen in unterschiedlichem Abstand zum Boden angebracht ist, auch Kritik, das heisst: jede Augenhöhe ist als jene der Linsen nicht nur verschieden, sondern ebenso nivellierbar, indem man die Linse im jeweiligen Schlauch auf die eigene Augenhöhe bringt. Und dies ist nun, noch einmal, nicht nur ein lustiges Spiel, sondern macht auch deutlich, wie heillos subjektiv nicht allein die je eigene Blickhöhe ist, sondern wie mühelos sich jede andere auch aneignen lässt, und zwar nicht mehr, indem man sich streckt oder bückt, sondern indem man den anderen Blick zu sich herunter oder hoch zieht: eine Erfahrung des Anderen in seiner Andersheit, ob nun als Mensch oder, fundamentaler, im Verhältnis zu jenem masslosen Mass scheint so nicht mehr möglich. Damit aber ist auch die Erfahrung eines Ichs als eines nicht nur beliebig nivellierbarem in Frage gestellt.
@ Michael Donhauser, November 2008
1991
Installation in der Aula der Hochschule für Angewandte Kunst, Wien /A Optische Linsen, Gummischläuche, Siebdruck auf Plastikfolie (1 od. 2 Bilder, siehe Anhang)
Exemplarisch für Martin Walchs Schaffen steht die frühe Installation Kalte Augen. Optische Linsen, in vertikal gespannten Gummischläuchen befestigt, variieren den Blick, verändern, verzerren oder korrigieren ihn. Vormals fraglos als feststehend Betrachtetes bewegt sich unerwartet. Welcher Blick ist der Richtige? Welche Wahrnehmung deckt sich mit dem Realen? Fragen, die sich manchem Brillenträger stellen, bemächtigen sich des Schauenden, der im Bestreben, die Linse auf seine Augenhöhe zu ziehen, die Ordnung der Gummischläuche ins Wanken gebracht hat: was wie Stäbe, ein streng gebautes geometrisches Gerüst erschien, wird als labil erfahrbar, schwankend wie die aus dem Tritt der Gewohnheit gebrachte Wahrnehmung, Ambivalenz, Gegensätzlichkeit vibriert in einer scheinbar einfachen, feststehenden Ordnung. ©2007 /Thomas G. Brunner
Installation in der Aula der Hochschule für Angewandte Kunst, Wien /A Optische Linsen, Gummischläuche, Siebdruck auf Plastikfolie (1 od. 2 Bilder, siehe Anhang)
Exemplarisch für Martin Walchs Schaffen steht die frühe Installation Kalte Augen. Optische Linsen, in vertikal gespannten Gummischläuchen befestigt, variieren den Blick, verändern, verzerren oder korrigieren ihn. Vormals fraglos als feststehend Betrachtetes bewegt sich unerwartet. Welcher Blick ist der Richtige? Welche Wahrnehmung deckt sich mit dem Realen? Fragen, die sich manchem Brillenträger stellen, bemächtigen sich des Schauenden, der im Bestreben, die Linse auf seine Augenhöhe zu ziehen, die Ordnung der Gummischläuche ins Wanken gebracht hat: was wie Stäbe, ein streng gebautes geometrisches Gerüst erschien, wird als labil erfahrbar, schwankend wie die aus dem Tritt der Gewohnheit gebrachte Wahrnehmung, Ambivalenz, Gegensätzlichkeit vibriert in einer scheinbar einfachen, feststehenden Ordnung. ©2007 /Thomas G. Brunner
©2022 Martin Walch
PIER
Das Prinzip von Wiederholung und Variation wiederholt und variiert sich hier, denn es sind wiederum Schachteln, welche gestapelt und gereiht werden, doch das Ornament ist ein nahezu unornamentales, es erinnert eher an Gitterstäbe und Tiertransporte denn an orientalische Trennwände und doch hat die Reihung der Stäbe etwas, was das Auge auch zur Ruhe kommen lässt, während die Bewegung innerhalb der Arbeit wiederum durch die kombinatorischen Möglichkeiten gegeben ist. Doch hier ist nicht nur eine werkimmanente Ausdehnung, sondern wesentlich diesem Hier ist, dass es bald da, bald dort realisiert werden kann, und so wurden die Schachteln auch an unterschiedlichen Orten in unterschiedlicher Form aufgestellt, also dass sich jedes Hier je mit einem Nun als einer zeitlichen Umgebung oder Dauer verband und tageszeitliche Veränderungen erfuhr, wobei die Orte eher Ödflächen waren, Brachen, Randzonen, eine Verkehrsinsel oder ein Strand. Das dokumentieren die Photos, die nicht schlichtweg nur Dokumentationen sind, sondern Teil der Realisation, selbst wenn die Schachteln, einmal aufgestellt und photographiert, nicht zerstört werden, sondern gefaltet, um anderswo wieder entfaltet eine andere Form zu bilden, welche sich wiederum anders zu der Umgebung verhält doch verhält sie sich? Ist es nicht eher so, dass sie fremdartig in der Fremdartigkeit bleibt, etwas hausförmig, doch ohne die fremde Fremdartigkeit zu besetzen oder sich zu assimilieren, in jener Weile, da sie von Verkehr und Stille oder einem Sandtreiben, einem Blättertreiben umgeben ist und gestreift wird oder berührt auch vom Abendtau? Doch es geht hier nicht um das echte Bild an seinem wahren Ort, wohl aber um den richtigen Platz für die Dauer eines Hier und Nun: um den in seiner Fremdartigkeit verwandten Platz und so um eine Art Heimat der Heimatlosigkeit, unter einem Himmel ohnegleichen. ©Michael Donhauser, November 2008
Entstehungsjahr: 1997
Werkgrösse: 120 x 65 x 65 cm, 40-teilig
Installation aus 40 beschnittenen Faltkartonschachteln in NYC und
Coney Island /USA
Werkgrösse: 120 x 65 x 65 cm, 40-teilig
Installation aus 40 beschnittenen Faltkartonschachteln in NYC und
Coney Island /USA
PIER
Das Prinzip von Wiederholung und Variation wiederholt und variiert sich hier, denn es sind wiederum Schachteln, welche gestapelt und gereiht werden, doch das Ornament ist ein nahezu unornamentales, es erinnert eher an Gitterstäbe und Tiertransporte denn an orientalische Trennwände und doch hat die Reihung der Stäbe etwas, was das Auge auch zur Ruhe kommen lässt, während die Bewegung innerhalb der Arbeit wiederum durch die kombinatorischen Möglichkeiten gegeben ist. Doch hier ist nicht nur eine werkimmanente Ausdehnung, sondern wesentlich diesem Hier ist, dass es bald da, bald dort realisiert werden kann, und so wurden die Schachteln auch an unterschiedlichen Orten in unterschiedlicher Form aufgestellt, also dass sich jedes Hier je mit einem Nun als einer zeitlichen Umgebung oder Dauer verband und tageszeitliche Veränderungen erfuhr, wobei die Orte eher Ödflächen waren, Brachen, Randzonen, eine Verkehrsinsel oder ein Strand. Das dokumentieren die Photos, die nicht schlichtweg nur Dokumentationen sind, sondern Teil der Realisation, selbst wenn die Schachteln, einmal aufgestellt und photographiert, nicht zerstört werden, sondern gefaltet, um anderswo wieder entfaltet eine andere Form zu bilden, welche sich wiederum anders zu der Umgebung verhält doch verhält sie sich? Ist es nicht eher so, dass sie fremdartig in der Fremdartigkeit bleibt, etwas hausförmig, doch ohne die fremde Fremdartigkeit zu besetzen oder sich zu assimilieren, in jener Weile, da sie von Verkehr und Stille oder einem Sandtreiben, einem Blättertreiben umgeben ist und gestreift wird oder berührt auch vom Abendtau? Doch es geht hier nicht um das echte Bild an seinem wahren Ort, wohl aber um den richtigen Platz für die Dauer eines Hier und Nun: um den in seiner Fremdartigkeit verwandten Platz und so um eine Art Heimat der Heimatlosigkeit, unter einem Himmel ohnegleichen. ©Michael Donhauser, November 2008
Entstehungsjahr: 1997
Werkgrösse: 120 x 65 x 65 cm, 40-teilig
Installation aus 40 beschnittenen Faltkartonschachteln in NYC und
Coney Island /USA
Werkgrösse: 120 x 65 x 65 cm, 40-teilig
Installation aus 40 beschnittenen Faltkartonschachteln in NYC und
Coney Island /USA
©2022 Martin Walch
Success I, II und III
Während das Ornament im allgemeinen als schmückende Zutat und in diesem Sinne bedeutungsfrei und ausschliesslich ästhetisch aufzufassen ist, wird es im Werk von Martin Walch zum Träger eines gedanklichen Prinzips. Mit ornamentalen Mustern setzt der Künstler seine Reflexionen über alltägliche Ordnungsstrukturen und deren Wirkung auf gesellschaftliches Zusammenleben formal um. Ein zentraler Gedanke kreist um die Gratwanderung zwischen schönem Schein und realem Sein. Die Ästhetik der Ornamente, mit denen beispielsweise geschmiedete Zäune, Tore oder Fenstergitter gestaltet sind, haben eine zwiespältige Wirkung: Obwohl sie Blick und Zutritt verwehren sollen, verführen sie zum Hin- und Durchschauen, regen voyeuristisches Verhalten an. Sie wollen einerseits Dekoration sein und andererseits begrenzen und ein Gefühl der Sicherheit vermitteln. Begrenzung und Sicherheit bewegen sich aber gewissermassen nur im symbolischen Bereich, denn meist sind die Gitter sowohl mit dem Auge als auch körperlich leicht zu überwinden. Es entsteht somit ein Vexierspiel zwischen oberflächlichem Geschehen und inhaltlichem Hintergrund. Dies wird auch in den Motivtafeln für die LGT Bank in Liechtenstein wirksam.
Martin Walch hat für diese Arbeiten das gleiche Material gewählt, welches für die Möblierung der Räume verwendet wurde. Die Tafeln schliessen jeweils direkt an einen Schrank oder einen Türrahmen an und integrieren durch exakten Ausschnitt die Wandleuchten; sie sind breiter als die von Aluminiumschienen begrenzten Wandsegmente. Indem die künstlerische Arbeit das gleiche edle Material verwendet, sich aber mit ihren Massen nicht an die Wandstruktur hält, entsteht das erste Moment der Irritation. Was zunächst als Dekorationselement begriffen werden mag, weist bei näherem Hinsehen scheinbare qualitative Schwächen auf:
Die Wandschiene ist durch das Ornament sichtbar und stört die Ästhetik; dieser Eindruck wird verstärkt, wenn man aus der Nähe die Unregelmässigkeit der Ornamentränder gewahrt. Zudem wird das Innenleben der kostbar furnierten Holztafeln sichtbar, die auf diese Weise ihre Wertigkeit offenbaren. Der Künstler sägt die Motive mit der Stichsäge manuell aus und kalkuliert bewusst leichte Unebenheiten und unsaubere Ränder ein. Edles Material und Ornament vermitteln oberflächlich – ähnlich wie die erwähnten geschmiedeten Gitter – den Eindruck von Solidität und Sicherheit; durch den künstlerischen Eingriff soll auf die Verletzlichkeit und Fragwürdigkeit von Ordnungsstrukturen und Wertvorstellungen aufmerksam gemacht werden. Für eine der Arbeiten wählt Martin Walch ein Zitat aus Samuel Becketts Roman "Watt" und erreicht damit eine zusätzliche Irritation, da man ohne Kenntnis der literarischen Quelle keinen Sinnzusammenhang herstellen kann. Die Buchstaben begreift er ebenfalls als Ornamente und die sprachlichen Strukturen Becketts folgen bisweilen einem Rhythmus, welcher den Künstler an andere Ordnungsprinzipien erinnert. Das Erzählte in Becketts Roman ist bruchstückhaft und wird ständig in Frage gestellt, was sich bereits im Namen des Titelhelden (Watt = what = was?) andeutet. Auch Mr. Knott (Knott = not = nicht) spielt seine Rolle und steht für die Sprachlosigkeit des Menschen. Martin Walch greift dieses Spiel mit Worten und ihrer Doppeldeutigkeit auf und setzt den Text in seinem Werk so, dass neue Bedeutungen und Wertungen entstehen können. ©Cornelia Wieczorek
Martin Walch hat für diese Arbeiten das gleiche Material gewählt, welches für die Möblierung der Räume verwendet wurde. Die Tafeln schliessen jeweils direkt an einen Schrank oder einen Türrahmen an und integrieren durch exakten Ausschnitt die Wandleuchten; sie sind breiter als die von Aluminiumschienen begrenzten Wandsegmente. Indem die künstlerische Arbeit das gleiche edle Material verwendet, sich aber mit ihren Massen nicht an die Wandstruktur hält, entsteht das erste Moment der Irritation. Was zunächst als Dekorationselement begriffen werden mag, weist bei näherem Hinsehen scheinbare qualitative Schwächen auf:
Die Wandschiene ist durch das Ornament sichtbar und stört die Ästhetik; dieser Eindruck wird verstärkt, wenn man aus der Nähe die Unregelmässigkeit der Ornamentränder gewahrt. Zudem wird das Innenleben der kostbar furnierten Holztafeln sichtbar, die auf diese Weise ihre Wertigkeit offenbaren. Der Künstler sägt die Motive mit der Stichsäge manuell aus und kalkuliert bewusst leichte Unebenheiten und unsaubere Ränder ein. Edles Material und Ornament vermitteln oberflächlich – ähnlich wie die erwähnten geschmiedeten Gitter – den Eindruck von Solidität und Sicherheit; durch den künstlerischen Eingriff soll auf die Verletzlichkeit und Fragwürdigkeit von Ordnungsstrukturen und Wertvorstellungen aufmerksam gemacht werden. Für eine der Arbeiten wählt Martin Walch ein Zitat aus Samuel Becketts Roman "Watt" und erreicht damit eine zusätzliche Irritation, da man ohne Kenntnis der literarischen Quelle keinen Sinnzusammenhang herstellen kann. Die Buchstaben begreift er ebenfalls als Ornamente und die sprachlichen Strukturen Becketts folgen bisweilen einem Rhythmus, welcher den Künstler an andere Ordnungsprinzipien erinnert. Das Erzählte in Becketts Roman ist bruchstückhaft und wird ständig in Frage gestellt, was sich bereits im Namen des Titelhelden (Watt = what = was?) andeutet. Auch Mr. Knott (Knott = not = nicht) spielt seine Rolle und steht für die Sprachlosigkeit des Menschen. Martin Walch greift dieses Spiel mit Worten und ihrer Doppeldeutigkeit auf und setzt den Text in seinem Werk so, dass neue Bedeutungen und Wertungen entstehen können. ©Cornelia Wieczorek
Entstehungsjahr: 1999
Material: Elsbeer furniert, mit Stichsäge gesägt
3 Kundenraumgestaltungen
i.d. LGT-Bank, Vaduz /FL
Material: Elsbeer furniert, mit Stichsäge gesägt
3 Kundenraumgestaltungen
i.d. LGT-Bank, Vaduz /FL
Success I, II und III
Während das Ornament im allgemeinen als schmückende Zutat und in diesem Sinne bedeutungsfrei und ausschliesslich ästhetisch aufzufassen ist, wird es im Werk von Martin Walch zum Träger eines gedanklichen Prinzips. Mit ornamentalen Mustern setzt der Künstler seine Reflexionen über alltägliche Ordnungsstrukturen und deren Wirkung auf gesellschaftliches Zusammenleben formal um. Ein zentraler Gedanke kreist um die Gratwanderung zwischen schönem Schein und realem Sein. Die Ästhetik der Ornamente, mit denen beispielsweise geschmiedete Zäune, Tore oder Fenstergitter gestaltet sind, haben eine zwiespältige Wirkung: Obwohl sie Blick und Zutritt verwehren sollen, verführen sie zum Hin- und Durchschauen, regen voyeuristisches Verhalten an. Sie wollen einerseits Dekoration sein und andererseits begrenzen und ein Gefühl der Sicherheit vermitteln. Begrenzung und Sicherheit bewegen sich aber gewissermassen nur im symbolischen Bereich, denn meist sind die Gitter sowohl mit dem Auge als auch körperlich leicht zu überwinden. Es entsteht somit ein Vexierspiel zwischen oberflächlichem Geschehen und inhaltlichem Hintergrund. Dies wird auch in den Motivtafeln für die LGT Bank in Liechtenstein wirksam.
Martin Walch hat für diese Arbeiten das gleiche Material gewählt, welches für die Möblierung der Räume verwendet wurde. Die Tafeln schliessen jeweils direkt an einen Schrank oder einen Türrahmen an und integrieren durch exakten Ausschnitt die Wandleuchten; sie sind breiter als die von Aluminiumschienen begrenzten Wandsegmente. Indem die künstlerische Arbeit das gleiche edle Material verwendet, sich aber mit ihren Massen nicht an die Wandstruktur hält, entsteht das erste Moment der Irritation. Was zunächst als Dekorationselement begriffen werden mag, weist bei näherem Hinsehen scheinbare qualitative Schwächen auf:
Die Wandschiene ist durch das Ornament sichtbar und stört die Ästhetik; dieser Eindruck wird verstärkt, wenn man aus der Nähe die Unregelmässigkeit der Ornamentränder gewahrt. Zudem wird das Innenleben der kostbar furnierten Holztafeln sichtbar, die auf diese Weise ihre Wertigkeit offenbaren. Der Künstler sägt die Motive mit der Stichsäge manuell aus und kalkuliert bewusst leichte Unebenheiten und unsaubere Ränder ein. Edles Material und Ornament vermitteln oberflächlich – ähnlich wie die erwähnten geschmiedeten Gitter – den Eindruck von Solidität und Sicherheit; durch den künstlerischen Eingriff soll auf die Verletzlichkeit und Fragwürdigkeit von Ordnungsstrukturen und Wertvorstellungen aufmerksam gemacht werden. Für eine der Arbeiten wählt Martin Walch ein Zitat aus Samuel Becketts Roman "Watt" und erreicht damit eine zusätzliche Irritation, da man ohne Kenntnis der literarischen Quelle keinen Sinnzusammenhang herstellen kann. Die Buchstaben begreift er ebenfalls als Ornamente und die sprachlichen Strukturen Becketts folgen bisweilen einem Rhythmus, welcher den Künstler an andere Ordnungsprinzipien erinnert. Das Erzählte in Becketts Roman ist bruchstückhaft und wird ständig in Frage gestellt, was sich bereits im Namen des Titelhelden (Watt = what = was?) andeutet. Auch Mr. Knott (Knott = not = nicht) spielt seine Rolle und steht für die Sprachlosigkeit des Menschen. Martin Walch greift dieses Spiel mit Worten und ihrer Doppeldeutigkeit auf und setzt den Text in seinem Werk so, dass neue Bedeutungen und Wertungen entstehen können. ©Cornelia Wieczorek
Martin Walch hat für diese Arbeiten das gleiche Material gewählt, welches für die Möblierung der Räume verwendet wurde. Die Tafeln schliessen jeweils direkt an einen Schrank oder einen Türrahmen an und integrieren durch exakten Ausschnitt die Wandleuchten; sie sind breiter als die von Aluminiumschienen begrenzten Wandsegmente. Indem die künstlerische Arbeit das gleiche edle Material verwendet, sich aber mit ihren Massen nicht an die Wandstruktur hält, entsteht das erste Moment der Irritation. Was zunächst als Dekorationselement begriffen werden mag, weist bei näherem Hinsehen scheinbare qualitative Schwächen auf:
Die Wandschiene ist durch das Ornament sichtbar und stört die Ästhetik; dieser Eindruck wird verstärkt, wenn man aus der Nähe die Unregelmässigkeit der Ornamentränder gewahrt. Zudem wird das Innenleben der kostbar furnierten Holztafeln sichtbar, die auf diese Weise ihre Wertigkeit offenbaren. Der Künstler sägt die Motive mit der Stichsäge manuell aus und kalkuliert bewusst leichte Unebenheiten und unsaubere Ränder ein. Edles Material und Ornament vermitteln oberflächlich – ähnlich wie die erwähnten geschmiedeten Gitter – den Eindruck von Solidität und Sicherheit; durch den künstlerischen Eingriff soll auf die Verletzlichkeit und Fragwürdigkeit von Ordnungsstrukturen und Wertvorstellungen aufmerksam gemacht werden. Für eine der Arbeiten wählt Martin Walch ein Zitat aus Samuel Becketts Roman "Watt" und erreicht damit eine zusätzliche Irritation, da man ohne Kenntnis der literarischen Quelle keinen Sinnzusammenhang herstellen kann. Die Buchstaben begreift er ebenfalls als Ornamente und die sprachlichen Strukturen Becketts folgen bisweilen einem Rhythmus, welcher den Künstler an andere Ordnungsprinzipien erinnert. Das Erzählte in Becketts Roman ist bruchstückhaft und wird ständig in Frage gestellt, was sich bereits im Namen des Titelhelden (Watt = what = was?) andeutet. Auch Mr. Knott (Knott = not = nicht) spielt seine Rolle und steht für die Sprachlosigkeit des Menschen. Martin Walch greift dieses Spiel mit Worten und ihrer Doppeldeutigkeit auf und setzt den Text in seinem Werk so, dass neue Bedeutungen und Wertungen entstehen können. ©Cornelia Wieczorek
Entstehungsjahr: 1999
Material: Elsbeer furniert, mit Stichsäge gesägt
3 Kundenraumgestaltungen
i.d. LGT-Bank, Vaduz /FL
Material: Elsbeer furniert, mit Stichsäge gesägt
3 Kundenraumgestaltungen
i.d. LGT-Bank, Vaduz /FL
©2022 Martin Walch
TRAUMFÄNGER
Werkgrösse: 260 x 150 cm
Installation, Primarschule Planken /FL 6 Motivgitter, Stahlrohr verzinkt
Installation, Primarschule Planken /FL 6 Motivgitter, Stahlrohr verzinkt
TRAUMFÄNGER
Werkgrösse: 260 x 150 cm
Installation, Primarschule Planken /FL 6 Motivgitter, Stahlrohr verzinkt
Installation, Primarschule Planken /FL 6 Motivgitter, Stahlrohr verzinkt
©2022 Martin Walch
KREIDE
Im neuen Schulhaus in Balzers wurden in die Verglasung des Pausenganges in jedes zweite Fenster grosse, glattgeschliffene Schiefertafeln anstatt des vorgesehenen Glases eingesetzt. Alle Fenster und Tafeln sind frei verschiebbar. In die Sitzstufen des seitlich am Pausengang liegenden Treppenabganges zum Hartplatz (Spielplatz) wurden über die gesamte Stufenlänge ebenso geschliffene Schieferplatten gelegt. Diese Installation versucht einerseits formal wie räumlich ein integrierender Bestandteil der Gesamtanlage zu sein und andererseits ureigene Elemente der Schule in Form grossformatiger Schieferplatten symbolhaft einzusetzen.
Die gestalterisch formalen Qualitäten des architektonisch schlichten Schulhaus Neubaus liegen in seiner Einfachheit und Rhythmik, wie auch in der zurückhaltenden Zahl der sichtbaren Baumaterialien (Beton, Glas und Holz) und dem hohen Glasanteil, der viel Durchblick bietet. Darin entspricht er gegenwärtigen Ansichten einer offenen, transparenten Schule, die Lehrer, Schüler und Eltern als gleichwertige Partner anerkennt und die der permanenten Veränderung innerhalb unseres modernen Lebens, das eine lebenslange Lernbereitschaft voraussetzt, nahe kommen will. Die Wandtafel (Schiefertafel), als ein auch heute noch zentrales Element der Schule, in den Außen- oder Zwischenraum gestellt, unterstreicht diesen Gedanken der Transparenz. Die Gestaltung und Anordnung der Schiefertafeln nimmt direkten Bezug auf den Schulbau und gliedert sich optisch unterstützend in die vorgegebene architektonische Strukturierung. Ihr gelingt jedoch, diese regelmäßige, serielle Bauform aufgrund der Verschiebbarkeit der Glas- und Schieferelemente, sowie durch früher oder später wahrscheinlich auf den Tafeln und Sitzstufen hinterlassenen Spuren: spontane Kritzeleien, Gezeichnetes, Geschriebenes oder Kalkuliertes, ... etwas aufzulösen eine prozesshafte, einer permanenten Veränderung unterworfene, dennoch bescheidene soziale Plastik mag erwachsen; Schulzeit wird lesbar. Die auf den Sitzstufen befestigten Schieferplatten stellen eine wichtige horizontale Ergänzung zu den vertikalen Tafeln dar, sie tragen obige Assoziationen weiter in den Außenraum, wo klimatische Einflüsse den zeitlichen prozesshaften Kreislauf noch unterstreichen: Zeichengrund, Zeichenstift (Kreide) und (Regen-) Wasser, das reinigend den Prozess in Gang hält, als drei gleichwertige Faktoren. Es zeigen sich allmählich Spuren, die Vergänglichkeit und Zerstörung markieren, Vielschichtigkeit und Erinnerung visualisieren, vom Lauf der Zeit berichten. Neben den oben erwähnten Inhalten, welche diese Installation von Wandtafeln ansprechen mag, es handelt sich hier ja in erster Linie um ein Einfügen von Wandelementen in eine Glasfensterfront verweist in diesem Zusammenhang Vilém Flusser auf einen interessanten Gedankengang: „Die Ambivalenz von Wänden im Psychologischen vor Augen zu führen, ist relativ leicht. Eingrenzung und Schutz, Widerstand und Zuflucht, Gefängnis und Wohnung, Angst und Geborgenheit, ... sind wohl einige der psychologischen Gegensätze, die bei einer Betrachtung von Wänden hervorgerufen werden. Ergänzend dazu kann aber auch ein ethischer Standpunkt eingenommen werden. Dann erweisen sich die Wände als Grenze aber auch als Brennpunkt, des Politischen und des Privaten. Sie teilen die Welt in zwei Reiche: das große äußere, in dem das Leben geschieht und das kleine innere, in dem es sich ereignet und zugleich ermöglichen sie überhaupt erst beides. Gäbe es keine Wände, so könnte das Leben weder geschehen noch sich ereignen. Darum stellen sie uns vor die Wahl, die eine Entscheidung ausschließt: entweder aus ihnen herauszutreten, um die Welt zu erobern und sich dabei selbst zu verlieren, oder in ihnen zu verharren, um sich selbst zu finden und dabei die Welt zu verlieren.“ Der Mittelweg bleibt ein Dilemma mit dem schließlich die Schule nicht zufriedenstellend fertig wird und auch die Kunst mit ihrem Anspruch visionär bleibt. In ihrem Streben nach zutiefst individuellem, doch gleichzeitig universellem Ausdruck nach einer ganz persönlichen Sprache, die dennoch jedermann in aktivem Prozess verstehen kann, fusst die Kunst wohl zuallererst im Kind, im jungen unbedarften Menschen. Die Schule vermag das Kind zu bilden, seine Talente zu fördern, sie (ver-)führt den Schüler in eine weite Welt des geistigen, körperlichen und sozialen Lernens und Erfahrens. Die Schule will dem Kind den Weg zu einem lebenslangen, offenen Lernprozess weisen, es einem verantwortungsvollen und selbstbewusstem Handeln entgegenführen... Kunstwerke machen immer wieder neu die Grenzen unserer Mitteilbarkeit, unserer Verständigung sichtbar, loten diese aus und erweitern sie. Kunst lässt sich nie einfach konsumieren, sie verlangt eine aktive Auseinandersetzung; das Werk versteht sich als unerlässliches Instrument zur Entfaltung und Erfahrbarmachung seiner Idee. © mw
Die gestalterisch formalen Qualitäten des architektonisch schlichten Schulhaus Neubaus liegen in seiner Einfachheit und Rhythmik, wie auch in der zurückhaltenden Zahl der sichtbaren Baumaterialien (Beton, Glas und Holz) und dem hohen Glasanteil, der viel Durchblick bietet. Darin entspricht er gegenwärtigen Ansichten einer offenen, transparenten Schule, die Lehrer, Schüler und Eltern als gleichwertige Partner anerkennt und die der permanenten Veränderung innerhalb unseres modernen Lebens, das eine lebenslange Lernbereitschaft voraussetzt, nahe kommen will. Die Wandtafel (Schiefertafel), als ein auch heute noch zentrales Element der Schule, in den Außen- oder Zwischenraum gestellt, unterstreicht diesen Gedanken der Transparenz. Die Gestaltung und Anordnung der Schiefertafeln nimmt direkten Bezug auf den Schulbau und gliedert sich optisch unterstützend in die vorgegebene architektonische Strukturierung. Ihr gelingt jedoch, diese regelmäßige, serielle Bauform aufgrund der Verschiebbarkeit der Glas- und Schieferelemente, sowie durch früher oder später wahrscheinlich auf den Tafeln und Sitzstufen hinterlassenen Spuren: spontane Kritzeleien, Gezeichnetes, Geschriebenes oder Kalkuliertes, ... etwas aufzulösen eine prozesshafte, einer permanenten Veränderung unterworfene, dennoch bescheidene soziale Plastik mag erwachsen; Schulzeit wird lesbar. Die auf den Sitzstufen befestigten Schieferplatten stellen eine wichtige horizontale Ergänzung zu den vertikalen Tafeln dar, sie tragen obige Assoziationen weiter in den Außenraum, wo klimatische Einflüsse den zeitlichen prozesshaften Kreislauf noch unterstreichen: Zeichengrund, Zeichenstift (Kreide) und (Regen-) Wasser, das reinigend den Prozess in Gang hält, als drei gleichwertige Faktoren. Es zeigen sich allmählich Spuren, die Vergänglichkeit und Zerstörung markieren, Vielschichtigkeit und Erinnerung visualisieren, vom Lauf der Zeit berichten. Neben den oben erwähnten Inhalten, welche diese Installation von Wandtafeln ansprechen mag, es handelt sich hier ja in erster Linie um ein Einfügen von Wandelementen in eine Glasfensterfront verweist in diesem Zusammenhang Vilém Flusser auf einen interessanten Gedankengang: „Die Ambivalenz von Wänden im Psychologischen vor Augen zu führen, ist relativ leicht. Eingrenzung und Schutz, Widerstand und Zuflucht, Gefängnis und Wohnung, Angst und Geborgenheit, ... sind wohl einige der psychologischen Gegensätze, die bei einer Betrachtung von Wänden hervorgerufen werden. Ergänzend dazu kann aber auch ein ethischer Standpunkt eingenommen werden. Dann erweisen sich die Wände als Grenze aber auch als Brennpunkt, des Politischen und des Privaten. Sie teilen die Welt in zwei Reiche: das große äußere, in dem das Leben geschieht und das kleine innere, in dem es sich ereignet und zugleich ermöglichen sie überhaupt erst beides. Gäbe es keine Wände, so könnte das Leben weder geschehen noch sich ereignen. Darum stellen sie uns vor die Wahl, die eine Entscheidung ausschließt: entweder aus ihnen herauszutreten, um die Welt zu erobern und sich dabei selbst zu verlieren, oder in ihnen zu verharren, um sich selbst zu finden und dabei die Welt zu verlieren.“ Der Mittelweg bleibt ein Dilemma mit dem schließlich die Schule nicht zufriedenstellend fertig wird und auch die Kunst mit ihrem Anspruch visionär bleibt. In ihrem Streben nach zutiefst individuellem, doch gleichzeitig universellem Ausdruck nach einer ganz persönlichen Sprache, die dennoch jedermann in aktivem Prozess verstehen kann, fusst die Kunst wohl zuallererst im Kind, im jungen unbedarften Menschen. Die Schule vermag das Kind zu bilden, seine Talente zu fördern, sie (ver-)führt den Schüler in eine weite Welt des geistigen, körperlichen und sozialen Lernens und Erfahrens. Die Schule will dem Kind den Weg zu einem lebenslangen, offenen Lernprozess weisen, es einem verantwortungsvollen und selbstbewusstem Handeln entgegenführen... Kunstwerke machen immer wieder neu die Grenzen unserer Mitteilbarkeit, unserer Verständigung sichtbar, loten diese aus und erweitern sie. Kunst lässt sich nie einfach konsumieren, sie verlangt eine aktive Auseinandersetzung; das Werk versteht sich als unerlässliches Instrument zur Entfaltung und Erfahrbarmachung seiner Idee. © mw
Entstehungsjahr: 2001
Installation, Primarschule Iramali, Balzers /FL
Installation, Primarschule Iramali, Balzers /FL
KREIDE
Im neuen Schulhaus in Balzers wurden in die Verglasung des Pausenganges in jedes zweite Fenster grosse, glattgeschliffene Schiefertafeln anstatt des vorgesehenen Glases eingesetzt. Alle Fenster und Tafeln sind frei verschiebbar. In die Sitzstufen des seitlich am Pausengang liegenden Treppenabganges zum Hartplatz (Spielplatz) wurden über die gesamte Stufenlänge ebenso geschliffene Schieferplatten gelegt. Diese Installation versucht einerseits formal wie räumlich ein integrierender Bestandteil der Gesamtanlage zu sein und andererseits ureigene Elemente der Schule in Form grossformatiger Schieferplatten symbolhaft einzusetzen.
Die gestalterisch formalen Qualitäten des architektonisch schlichten Schulhaus Neubaus liegen in seiner Einfachheit und Rhythmik, wie auch in der zurückhaltenden Zahl der sichtbaren Baumaterialien (Beton, Glas und Holz) und dem hohen Glasanteil, der viel Durchblick bietet. Darin entspricht er gegenwärtigen Ansichten einer offenen, transparenten Schule, die Lehrer, Schüler und Eltern als gleichwertige Partner anerkennt und die der permanenten Veränderung innerhalb unseres modernen Lebens, das eine lebenslange Lernbereitschaft voraussetzt, nahe kommen will. Die Wandtafel (Schiefertafel), als ein auch heute noch zentrales Element der Schule, in den Außen- oder Zwischenraum gestellt, unterstreicht diesen Gedanken der Transparenz. Die Gestaltung und Anordnung der Schiefertafeln nimmt direkten Bezug auf den Schulbau und gliedert sich optisch unterstützend in die vorgegebene architektonische Strukturierung. Ihr gelingt jedoch, diese regelmäßige, serielle Bauform aufgrund der Verschiebbarkeit der Glas- und Schieferelemente, sowie durch früher oder später wahrscheinlich auf den Tafeln und Sitzstufen hinterlassenen Spuren: spontane Kritzeleien, Gezeichnetes, Geschriebenes oder Kalkuliertes, ... etwas aufzulösen eine prozesshafte, einer permanenten Veränderung unterworfene, dennoch bescheidene soziale Plastik mag erwachsen; Schulzeit wird lesbar. Die auf den Sitzstufen befestigten Schieferplatten stellen eine wichtige horizontale Ergänzung zu den vertikalen Tafeln dar, sie tragen obige Assoziationen weiter in den Außenraum, wo klimatische Einflüsse den zeitlichen prozesshaften Kreislauf noch unterstreichen: Zeichengrund, Zeichenstift (Kreide) und (Regen-) Wasser, das reinigend den Prozess in Gang hält, als drei gleichwertige Faktoren. Es zeigen sich allmählich Spuren, die Vergänglichkeit und Zerstörung markieren, Vielschichtigkeit und Erinnerung visualisieren, vom Lauf der Zeit berichten. Neben den oben erwähnten Inhalten, welche diese Installation von Wandtafeln ansprechen mag, es handelt sich hier ja in erster Linie um ein Einfügen von Wandelementen in eine Glasfensterfront verweist in diesem Zusammenhang Vilém Flusser auf einen interessanten Gedankengang: „Die Ambivalenz von Wänden im Psychologischen vor Augen zu führen, ist relativ leicht. Eingrenzung und Schutz, Widerstand und Zuflucht, Gefängnis und Wohnung, Angst und Geborgenheit, ... sind wohl einige der psychologischen Gegensätze, die bei einer Betrachtung von Wänden hervorgerufen werden. Ergänzend dazu kann aber auch ein ethischer Standpunkt eingenommen werden. Dann erweisen sich die Wände als Grenze aber auch als Brennpunkt, des Politischen und des Privaten. Sie teilen die Welt in zwei Reiche: das große äußere, in dem das Leben geschieht und das kleine innere, in dem es sich ereignet und zugleich ermöglichen sie überhaupt erst beides. Gäbe es keine Wände, so könnte das Leben weder geschehen noch sich ereignen. Darum stellen sie uns vor die Wahl, die eine Entscheidung ausschließt: entweder aus ihnen herauszutreten, um die Welt zu erobern und sich dabei selbst zu verlieren, oder in ihnen zu verharren, um sich selbst zu finden und dabei die Welt zu verlieren.“ Der Mittelweg bleibt ein Dilemma mit dem schließlich die Schule nicht zufriedenstellend fertig wird und auch die Kunst mit ihrem Anspruch visionär bleibt. In ihrem Streben nach zutiefst individuellem, doch gleichzeitig universellem Ausdruck nach einer ganz persönlichen Sprache, die dennoch jedermann in aktivem Prozess verstehen kann, fusst die Kunst wohl zuallererst im Kind, im jungen unbedarften Menschen. Die Schule vermag das Kind zu bilden, seine Talente zu fördern, sie (ver-)führt den Schüler in eine weite Welt des geistigen, körperlichen und sozialen Lernens und Erfahrens. Die Schule will dem Kind den Weg zu einem lebenslangen, offenen Lernprozess weisen, es einem verantwortungsvollen und selbstbewusstem Handeln entgegenführen... Kunstwerke machen immer wieder neu die Grenzen unserer Mitteilbarkeit, unserer Verständigung sichtbar, loten diese aus und erweitern sie. Kunst lässt sich nie einfach konsumieren, sie verlangt eine aktive Auseinandersetzung; das Werk versteht sich als unerlässliches Instrument zur Entfaltung und Erfahrbarmachung seiner Idee. ©mw
Die gestalterisch formalen Qualitäten des architektonisch schlichten Schulhaus Neubaus liegen in seiner Einfachheit und Rhythmik, wie auch in der zurückhaltenden Zahl der sichtbaren Baumaterialien (Beton, Glas und Holz) und dem hohen Glasanteil, der viel Durchblick bietet. Darin entspricht er gegenwärtigen Ansichten einer offenen, transparenten Schule, die Lehrer, Schüler und Eltern als gleichwertige Partner anerkennt und die der permanenten Veränderung innerhalb unseres modernen Lebens, das eine lebenslange Lernbereitschaft voraussetzt, nahe kommen will. Die Wandtafel (Schiefertafel), als ein auch heute noch zentrales Element der Schule, in den Außen- oder Zwischenraum gestellt, unterstreicht diesen Gedanken der Transparenz. Die Gestaltung und Anordnung der Schiefertafeln nimmt direkten Bezug auf den Schulbau und gliedert sich optisch unterstützend in die vorgegebene architektonische Strukturierung. Ihr gelingt jedoch, diese regelmäßige, serielle Bauform aufgrund der Verschiebbarkeit der Glas- und Schieferelemente, sowie durch früher oder später wahrscheinlich auf den Tafeln und Sitzstufen hinterlassenen Spuren: spontane Kritzeleien, Gezeichnetes, Geschriebenes oder Kalkuliertes, ... etwas aufzulösen eine prozesshafte, einer permanenten Veränderung unterworfene, dennoch bescheidene soziale Plastik mag erwachsen; Schulzeit wird lesbar. Die auf den Sitzstufen befestigten Schieferplatten stellen eine wichtige horizontale Ergänzung zu den vertikalen Tafeln dar, sie tragen obige Assoziationen weiter in den Außenraum, wo klimatische Einflüsse den zeitlichen prozesshaften Kreislauf noch unterstreichen: Zeichengrund, Zeichenstift (Kreide) und (Regen-) Wasser, das reinigend den Prozess in Gang hält, als drei gleichwertige Faktoren. Es zeigen sich allmählich Spuren, die Vergänglichkeit und Zerstörung markieren, Vielschichtigkeit und Erinnerung visualisieren, vom Lauf der Zeit berichten. Neben den oben erwähnten Inhalten, welche diese Installation von Wandtafeln ansprechen mag, es handelt sich hier ja in erster Linie um ein Einfügen von Wandelementen in eine Glasfensterfront verweist in diesem Zusammenhang Vilém Flusser auf einen interessanten Gedankengang: „Die Ambivalenz von Wänden im Psychologischen vor Augen zu führen, ist relativ leicht. Eingrenzung und Schutz, Widerstand und Zuflucht, Gefängnis und Wohnung, Angst und Geborgenheit, ... sind wohl einige der psychologischen Gegensätze, die bei einer Betrachtung von Wänden hervorgerufen werden. Ergänzend dazu kann aber auch ein ethischer Standpunkt eingenommen werden. Dann erweisen sich die Wände als Grenze aber auch als Brennpunkt, des Politischen und des Privaten. Sie teilen die Welt in zwei Reiche: das große äußere, in dem das Leben geschieht und das kleine innere, in dem es sich ereignet und zugleich ermöglichen sie überhaupt erst beides. Gäbe es keine Wände, so könnte das Leben weder geschehen noch sich ereignen. Darum stellen sie uns vor die Wahl, die eine Entscheidung ausschließt: entweder aus ihnen herauszutreten, um die Welt zu erobern und sich dabei selbst zu verlieren, oder in ihnen zu verharren, um sich selbst zu finden und dabei die Welt zu verlieren.“ Der Mittelweg bleibt ein Dilemma mit dem schließlich die Schule nicht zufriedenstellend fertig wird und auch die Kunst mit ihrem Anspruch visionär bleibt. In ihrem Streben nach zutiefst individuellem, doch gleichzeitig universellem Ausdruck nach einer ganz persönlichen Sprache, die dennoch jedermann in aktivem Prozess verstehen kann, fusst die Kunst wohl zuallererst im Kind, im jungen unbedarften Menschen. Die Schule vermag das Kind zu bilden, seine Talente zu fördern, sie (ver-)führt den Schüler in eine weite Welt des geistigen, körperlichen und sozialen Lernens und Erfahrens. Die Schule will dem Kind den Weg zu einem lebenslangen, offenen Lernprozess weisen, es einem verantwortungsvollen und selbstbewusstem Handeln entgegenführen... Kunstwerke machen immer wieder neu die Grenzen unserer Mitteilbarkeit, unserer Verständigung sichtbar, loten diese aus und erweitern sie. Kunst lässt sich nie einfach konsumieren, sie verlangt eine aktive Auseinandersetzung; das Werk versteht sich als unerlässliches Instrument zur Entfaltung und Erfahrbarmachung seiner Idee. ©mw
Entstehungsjahr: 2001
Installation, Primarschule Iramali, Balzers /FL
Installation, Primarschule Iramali, Balzers /FL
©2022 Martin Walch
UNI.LI
Entstehungsjahr: 2002
Material: Steinkörbe gefüllt mit rotem Gneis
Kunst & Bau-Intervention auf dem Universitätscampus:
"Relikte einer prähistorischen Textilfabrik?"
Material: Steinkörbe gefüllt mit rotem Gneis
Kunst & Bau-Intervention auf dem Universitätscampus:
"Relikte einer prähistorischen Textilfabrik?"
UNI.LI
Entstehungsjahr: 2002
Material: Steinkörbe gefüllt mit rotem Gneis
Kunst & Bau-Intervention auf dem Universitätscampus:
"Relikte einer prähistorischen Textilfabrik?"
Material: Steinkörbe gefüllt mit rotem Gneis
Kunst & Bau-Intervention auf dem Universitätscampus:
"Relikte einer prähistorischen Textilfabrik?"
©2022 Martin Walch
WANDERSMANN
Vom Gipfelkreuz zum Kirchturm, vom Kirchturm zum Gipfelkreuz, vom Gipfel hinab ins Tal, vom Kreuz im Tal hinauf in die Höhe, bergauf und bergab in einem schwindelerregenden Tempo. Kaum angekommen, geht es schon wieder los. Im Hintergrund ist ein leichtfüssig klingender Pfeifton "Mein Vater war ein Wandersmann" zu hören. Lange und anstrengende Wanderungen, die den Zeitraum von Frühjahr bis Herbst umfassen, liegen dieser Arbeit zugrunde. Einzig ausgerüstet mit einer Videokamera, ohne weitere Hilfsmittel zog Martin Walch bergauf und bergab. Das flüchtige Pfeifen scheint die Mühe des Gehens zu kaschieren, und zugleich treibt es voran, beschleunigt durch Zeitsprünge und Zooms. Zudem unterstreicht das windähnliche, zischende Geräusch, verursacht vom überhöht abgespielten Tempo des Originaltons der Umgebung, als auch der Zoomgeräusche der Kamera noch einmal mehr die Schnelligkeit. Der Videoloop WANDERSMANN, entstanden aus einem zeitintensiven und langsamen Prozess, wird zu einem medialen Rundlauf im Liechtensteiner Rheintal und seinem Alpenland. Er schafft eine Komprimierung von Raum und Zeit, von Berg und Tal, zoomt sich mit kaum fassbaren Zeitsprüngen durch die Luft. In der zur Arbeit gehörenden Landkarte zeichnen die roten Markierungen die Luftlinien nach, lassen den Weg erahnen, und bilden zugleich eine abstrahierte Figur. Die Romantik der Gipfelersteigung, die Erhabenheit der Berge wird in WANDERSMANN von rasanten Zooms und schnellen Schnitten konterkariert. Es entsteht eine humorvolle und zugleich symbolhafte Collage über die Schnelllebigkeit unseres Daseins, die die Dimensionen unserer Erlebnis- und Wahrnehmungsfähigkeit anspricht. © Christiane Meyer-Stoll /Oktober 2010
Entstehungsjahr: 2002
Ein Film von Martin Walch
Ein Film von Martin Walch
WANDERSMANN
Vom Gipfelkreuz zum Kirchturm, vom Kirchturm zum Gipfelkreuz, vom Gipfel hinab ins Tal, vom Kreuz im Tal hinauf in die Höhe, bergauf und bergab in einem schwindelerregenden Tempo. Kaum angekommen, geht es schon wieder los. Im Hintergrund ist ein leichtfüssig klingender Pfeifton "Mein Vater war ein Wandersmann" zu hören. Lange und anstrengende Wanderungen, die den Zeitraum von Frühjahr bis Herbst umfassen, liegen dieser Arbeit zugrunde. Einzig ausgerüstet mit einer Videokamera, ohne weitere Hilfsmittel zog Martin Walch bergauf und bergab. Das flüchtige Pfeifen scheint die Mühe des Gehens zu kaschieren, und zugleich treibt es voran, beschleunigt durch Zeitsprünge und Zooms. Zudem unterstreicht das windähnliche, zischende Geräusch, verursacht vom überhöht abgespielten Tempo des Originaltons der Umgebung, als auch der Zoomgeräusche der Kamera noch einmal mehr die Schnelligkeit. Der Videoloop WANDERSMANN, entstanden aus einem zeitintensiven und langsamen Prozess, wird zu einem medialen Rundlauf im Liechtensteiner Rheintal und seinem Alpenland. Er schafft eine Komprimierung von Raum und Zeit, von Berg und Tal, zoomt sich mit kaum fassbaren Zeitsprüngen durch die Luft. In der zur Arbeit gehörenden Landkarte zeichnen die roten Markierungen die Luftlinien nach, lassen den Weg erahnen, und bilden zugleich eine abstrahierte Figur. Die Romantik der Gipfelersteigung, die Erhabenheit der Berge wird in WANDERSMANN von rasanten Zooms und schnellen Schnitten konterkariert. Es entsteht eine humorvolle und zugleich symbolhafte Collage über die Schnelllebigkeit unseres Daseins, die die Dimensionen unserer Erlebnis- und Wahrnehmungsfähigkeit anspricht. © Christiane Meyer-Stoll /Oktober 2010
Entstehungsjahr: 2002
Ein Film von Martin Walch
Ein Film von Martin Walch
©2022 Martin Walch
Heilpädagogisches Zentrum, Schaan /FL
Das Kunst & Bau-Projekt besteht aus mehreren unterschiedlichen Interventionen an diversen Orten der Neu- und Umbauten des Heilpädagogischen Zentrums in Schaan. Die Umsetzungen verstehen sich als architektonisch integrale und zusammengehörende Elemente und verweisen in ihrer Gesamtheit auf die vorgesehene Funktion und Nutzung der Neubauten sowie deren eigentliche Benutzer. Nicht zuletzt zielen sie brückenschlagend auf Gäste und Anwohner einzuwirken.
FENSTERGUCKER – Die zu öffnenden Flügel der Fensterfronten in den HPZ-Neubauten wurden nach aussen hin, farblich entsprechend dem Fensterrahmen, mit Aluminium-Bildtafeln bestückt. Dafür wurde eine Zeichnung eines Atelier-Klienten als Vorlage verwendet. Die Zeichnung wurde entsprechend ornamental aufbereitet und aus den Aluminiumtafeln herausgeschnitten. Nachts sind die Bildtafeln von innen beleuchtet. Diese seriell verwendeten, weithin sichtbaren Elemente heben die Zusammengehörigkeit der unterschiedlich genutzten Häuser hervor und betonen die Neubauten. Das ornamentale Motiv der Aluminiumtafeln wirkt stimulierend und einladend auf Gäste und Bewohner des Hauses.
FARBBLICKE – Die gestalterischen, formalen Qualitäten der architektonisch schlichten Neubauten liegen in ihrer Einfachheit und Rhythmik, wie auch in der zurückhaltenden Zahl der sichtbaren Baumaterialien (Beton, Glas und Holz), insbesondere dem hohen Glasanteil, der viele Licht- und Einblicke bietet, ein vielfältiges Licht und Schattenspiel gewährt. Die in diesem Kontext entwickelte Kunst&Bau-Maßnahme setzt eingefärbtes Glas ein, um unsere visuelle und die daran gekoppelte emotionale Wahrnehmung zu stimulieren. In sämtlichen Neubauten wurden einzelne ausgesuchte, ausschliesslich in Innenräume weisende, ganze Glaselemente durch monochrom eingefärbte Glasscheiben ersetzt.
GOLDTALER – Jeweils im Eingangsbereich bzw. im Stiegenhaus der HPZ-Neubauten wurden die Schalungslöcher einzelner Sichtbetonwände mit Betonbolzen gefüllt, die von Schülern des HPZ sowie von den verschiedenen Werkstätten des HPZ bemalt wurden. Diese aus der Distanz als Farbpunkte, doch aus der Nähe als kleine, kreisrund wahrgenommenen Gemälde wecken womöglich spontane Erinnerungen, rufen vielleicht so genannte Gedankenblitze hervor oder erfreuen aufgrund ihrer Vielfalt, ihrer liebevollen Ausgestaltung und markieren, kontrastierend zur monotonen Anordnung derselben, die Vielfalt in der Einfalt – das Grosse im Kleinen – das Besondere im Alltag ...
FENSTERGUCKER – Die zu öffnenden Flügel der Fensterfronten in den HPZ-Neubauten wurden nach aussen hin, farblich entsprechend dem Fensterrahmen, mit Aluminium-Bildtafeln bestückt. Dafür wurde eine Zeichnung eines Atelier-Klienten als Vorlage verwendet. Die Zeichnung wurde entsprechend ornamental aufbereitet und aus den Aluminiumtafeln herausgeschnitten. Nachts sind die Bildtafeln von innen beleuchtet. Diese seriell verwendeten, weithin sichtbaren Elemente heben die Zusammengehörigkeit der unterschiedlich genutzten Häuser hervor und betonen die Neubauten. Das ornamentale Motiv der Aluminiumtafeln wirkt stimulierend und einladend auf Gäste und Bewohner des Hauses.
FARBBLICKE – Die gestalterischen, formalen Qualitäten der architektonisch schlichten Neubauten liegen in ihrer Einfachheit und Rhythmik, wie auch in der zurückhaltenden Zahl der sichtbaren Baumaterialien (Beton, Glas und Holz), insbesondere dem hohen Glasanteil, der viele Licht- und Einblicke bietet, ein vielfältiges Licht und Schattenspiel gewährt. Die in diesem Kontext entwickelte Kunst&Bau-Maßnahme setzt eingefärbtes Glas ein, um unsere visuelle und die daran gekoppelte emotionale Wahrnehmung zu stimulieren. In sämtlichen Neubauten wurden einzelne ausgesuchte, ausschliesslich in Innenräume weisende, ganze Glaselemente durch monochrom eingefärbte Glasscheiben ersetzt.
GOLDTALER – Jeweils im Eingangsbereich bzw. im Stiegenhaus der HPZ-Neubauten wurden die Schalungslöcher einzelner Sichtbetonwände mit Betonbolzen gefüllt, die von Schülern des HPZ sowie von den verschiedenen Werkstätten des HPZ bemalt wurden. Diese aus der Distanz als Farbpunkte, doch aus der Nähe als kleine, kreisrund wahrgenommenen Gemälde wecken womöglich spontane Erinnerungen, rufen vielleicht so genannte Gedankenblitze hervor oder erfreuen aufgrund ihrer Vielfalt, ihrer liebevollen Ausgestaltung und markieren, kontrastierend zur monotonen Anordnung derselben, die Vielfalt in der Einfalt – das Grosse im Kleinen – das Besondere im Alltag ...
KUNST & BAU-Projekt 2012
Heilpädagogisches Zentrum, Schaan /FL
Das Kunst & Bau-Projekt besteht aus mehreren unterschiedlichen Interventionen an diversen Orten der Neu- und Umbauten des Heilpädagogischen Zentrums in Schaan. Die Umsetzungen verstehen sich als architektonisch integrale und zusammengehörende Elemente und verweisen in ihrer Gesamtheit auf die vorgesehene Funktion und Nutzung der Neubauten sowie deren eigentliche Benutzer. Nicht zuletzt zielen sie brückenschlagend auf Gäste und Anwohner einzuwirken.
FENSTERGUCKER – Die zu öffnenden Flügel der Fensterfronten in den HPZ-Neubauten wurden nach aussen hin, farblich entsprechend dem Fensterrahmen, mit Aluminium-Bildtafeln bestückt. Dafür wurde eine Zeichnung eines Atelier-Klienten als Vorlage verwendet. Die Zeichnung wurde entsprechend ornamental aufbereitet und aus den Aluminiumtafeln herausgeschnitten. Nachts sind die Bildtafeln von innen beleuchtet. Diese seriell verwendeten, weithin sichtbaren Elemente heben die Zusammengehörigkeit der unterschiedlich genutzten Häuser hervor und betonen die Neubauten. Das ornamentale Motiv der Aluminiumtafeln wirkt stimulierend und einladend auf Gäste und Bewohner des Hauses.
FARBBLICKE – Die gestalterischen, formalen Qualitäten der architektonisch schlichten Neubauten liegen in ihrer Einfachheit und Rhythmik, wie auch in der zurückhaltenden Zahl der sichtbaren Baumaterialien (Beton, Glas und Holz), insbesondere dem hohen Glasanteil, der viele Licht- und Einblicke bietet, ein vielfältiges Licht und Schattenspiel gewährt. Die in diesem Kontext entwickelte Kunst&Bau-Maßnahme setzt eingefärbtes Glas ein, um unsere visuelle und die daran gekoppelte emotionale Wahrnehmung zu stimulieren. In sämtlichen Neubauten wurden einzelne ausgesuchte, ausschliesslich in Innenräume weisende, ganze Glaselemente durch monochrom eingefärbte Glasscheiben ersetzt.
GOLDTALER – Jeweils im Eingangsbereich bzw. im Stiegenhaus der HPZ-Neubauten wurden die Schalungslöcher einzelner Sichtbetonwände mit Betonbolzen gefüllt, die von Schülern des HPZ sowie von den verschiedenen Werkstätten des HPZ bemalt wurden. Diese aus der Distanz als Farbpunkte, doch aus der Nähe als kleine, kreisrund wahrgenommenen Gemälde wecken womöglich spontane Erinnerungen, rufen vielleicht so genannte Gedankenblitze hervor oder erfreuen aufgrund ihrer Vielfalt, ihrer liebevollen Ausgestaltung und markieren, kontrastierend zur monotonen Anordnung derselben, die Vielfalt in der Einfalt – das Grosse im Kleinen – das Besondere im Alltag ...
FENSTERGUCKER – Die zu öffnenden Flügel der Fensterfronten in den HPZ-Neubauten wurden nach aussen hin, farblich entsprechend dem Fensterrahmen, mit Aluminium-Bildtafeln bestückt. Dafür wurde eine Zeichnung eines Atelier-Klienten als Vorlage verwendet. Die Zeichnung wurde entsprechend ornamental aufbereitet und aus den Aluminiumtafeln herausgeschnitten. Nachts sind die Bildtafeln von innen beleuchtet. Diese seriell verwendeten, weithin sichtbaren Elemente heben die Zusammengehörigkeit der unterschiedlich genutzten Häuser hervor und betonen die Neubauten. Das ornamentale Motiv der Aluminiumtafeln wirkt stimulierend und einladend auf Gäste und Bewohner des Hauses.
FARBBLICKE – Die gestalterischen, formalen Qualitäten der architektonisch schlichten Neubauten liegen in ihrer Einfachheit und Rhythmik, wie auch in der zurückhaltenden Zahl der sichtbaren Baumaterialien (Beton, Glas und Holz), insbesondere dem hohen Glasanteil, der viele Licht- und Einblicke bietet, ein vielfältiges Licht und Schattenspiel gewährt. Die in diesem Kontext entwickelte Kunst&Bau-Maßnahme setzt eingefärbtes Glas ein, um unsere visuelle und die daran gekoppelte emotionale Wahrnehmung zu stimulieren. In sämtlichen Neubauten wurden einzelne ausgesuchte, ausschliesslich in Innenräume weisende, ganze Glaselemente durch monochrom eingefärbte Glasscheiben ersetzt.
GOLDTALER – Jeweils im Eingangsbereich bzw. im Stiegenhaus der HPZ-Neubauten wurden die Schalungslöcher einzelner Sichtbetonwände mit Betonbolzen gefüllt, die von Schülern des HPZ sowie von den verschiedenen Werkstätten des HPZ bemalt wurden. Diese aus der Distanz als Farbpunkte, doch aus der Nähe als kleine, kreisrund wahrgenommenen Gemälde wecken womöglich spontane Erinnerungen, rufen vielleicht so genannte Gedankenblitze hervor oder erfreuen aufgrund ihrer Vielfalt, ihrer liebevollen Ausgestaltung und markieren, kontrastierend zur monotonen Anordnung derselben, die Vielfalt in der Einfalt – das Grosse im Kleinen – das Besondere im Alltag ...
KUNST & BAU-Projekt 2012
©2022 Martin Walch
Liechtensteiner Sagenhaus
Akzentuiert wird die Fassade des neuen Bürogebäudes durch verschiedene Bildtafeln, die mit Beginn der Dämmerung hinterleuchtet werden. Die Motive der Bildtafeln illustrieren 16 verschiedene Sagen und Legenden aus Liechtenstein. Die Illustrationen ergeben sich aus einheitlich runden Lochungen, die aus dem bronzefarbenen Aluminiumblech gestanzt wurden. Integriert in die massive Rahmung der Fensterzeilen, verteilen sich die Motivtafeln in rhythmischer Folge auf die süd- und westseitige Fassade des neuen Bürogebäudes.
Die stark abstrahierten Bildmotive betonen die klare, geometrische Formensprache der Architektur und verweisen insbesondere auf das reiche inhaltliche Gedankengut zahlreicher Volkserzählungen: Dämonische oder Glaubens-Sagen berichten von der Auseinandersetzung mit dem Jenseitigen, vielfach von Riesen und Zwergen, Zauberern oder Menschen mit übernatürlichen Kräften. Historische Sagen erzählen von ausserordentlichen Gestalten und Ereignissen von Menschen, die Furcht, Grauen oder Bewunderung erregten. Es geht in dieser Gruppe häufig um Helden, Kriege und Notzeiten, „harte Herren“, Mörder und Räuber. Schliesslich widmen sich weitere Sagen dem Woher der Dinge. In diesen Erzählungen sind Deutungen eigenartiger Bildungen der Natur, der Tier- und Pflanzenwelt enthalten. Im Eingangsbereich des Bürogebäudes sowie an der Theke des Empfangsbüros nehmen mehrere, scheinbar willkürlich angeordnete, „klingende“ Namen liechtensteinischer Sagen, wie beispielsweise Tobelhocker, Riese von Guflina oder Verwunschene Tränen direkten Bezug auf die Bildmotive an der Fassade. Ebenso echoartig erinnern die runden, semitransparenten Punkte an der Glaswand, die den Eingangsbereich vom Empfangsbüro trennt, an die Motive der Gebäudefassade. In leichtfüssiger, assoziativer Manier wird somit auch im Entrée des Gebäudes bis hin zu den Sitzungszimmern das Sagenthema weitergeführt.
Die stark abstrahierten Bildmotive betonen die klare, geometrische Formensprache der Architektur und verweisen insbesondere auf das reiche inhaltliche Gedankengut zahlreicher Volkserzählungen: Dämonische oder Glaubens-Sagen berichten von der Auseinandersetzung mit dem Jenseitigen, vielfach von Riesen und Zwergen, Zauberern oder Menschen mit übernatürlichen Kräften. Historische Sagen erzählen von ausserordentlichen Gestalten und Ereignissen von Menschen, die Furcht, Grauen oder Bewunderung erregten. Es geht in dieser Gruppe häufig um Helden, Kriege und Notzeiten, „harte Herren“, Mörder und Räuber. Schliesslich widmen sich weitere Sagen dem Woher der Dinge. In diesen Erzählungen sind Deutungen eigenartiger Bildungen der Natur, der Tier- und Pflanzenwelt enthalten. Im Eingangsbereich des Bürogebäudes sowie an der Theke des Empfangsbüros nehmen mehrere, scheinbar willkürlich angeordnete, „klingende“ Namen liechtensteinischer Sagen, wie beispielsweise Tobelhocker, Riese von Guflina oder Verwunschene Tränen direkten Bezug auf die Bildmotive an der Fassade. Ebenso echoartig erinnern die runden, semitransparenten Punkte an der Glaswand, die den Eingangsbereich vom Empfangsbüro trennt, an die Motive der Gebäudefassade. In leichtfüssiger, assoziativer Manier wird somit auch im Entrée des Gebäudes bis hin zu den Sitzungszimmern das Sagenthema weitergeführt.
Entstehungsjahr: 2013
Kunst & Bauprojekt:
Bürogebäude an der Zollstrasse, 9490 Vaduz /LI
Kunst & Bauprojekt:
Bürogebäude an der Zollstrasse, 9490 Vaduz /LI
Liechtensteiner Sagenhaus
Akzentuiert wird die Fassade des neuen Bürogebäudes durch verschiedene Bildtafeln, die mit Beginn der Dämmerung hinterleuchtet werden. Die Motive der Bildtafeln illustrieren 16 verschiedene Sagen und Legenden aus Liechtenstein. Die Illustrationen ergeben sich aus einheitlich runden Lochungen, die aus dem bronzefarbenen Aluminiumblech gestanzt wurden. Integriert in die massive Rahmung der Fensterzeilen, verteilen sich die Motivtafeln in rhythmischer Folge auf die süd- und westseitige Fassade des neuen Bürogebäudes.
Die stark abstrahierten Bildmotive betonen die klare, geometrische Formensprache der Architektur und verweisen insbesondere auf das reiche inhaltliche Gedankengut zahlreicher Volkserzählungen: Dämonische oder Glaubens-Sagen berichten von der Auseinandersetzung mit dem Jenseitigen, vielfach von Riesen und Zwergen, Zauberern oder Menschen mit übernatürlichen Kräften. Historische Sagen erzählen von ausserordentlichen Gestalten und Ereignissen von Menschen, die Furcht, Grauen oder Bewunderung erregten. Es geht in dieser Gruppe häufig um Helden, Kriege und Notzeiten, „harte Herren“, Mörder und Räuber. Schliesslich widmen sich weitere Sagen dem Woher der Dinge. In diesen Erzählungen sind Deutungen eigenartiger Bildungen der Natur, der Tier- und Pflanzenwelt enthalten. Im Eingangsbereich des Bürogebäudes sowie an der Theke des Empfangsbüros nehmen mehrere, scheinbar willkürlich angeordnete, „klingende“ Namen liechtensteinischer Sagen, wie beispielsweise Tobelhocker, Riese von Guflina oder Verwunschene Tränen direkten Bezug auf die Bildmotive an der Fassade. Ebenso echoartig erinnern die runden, semitransparenten Punkte an der Glaswand, die den Eingangsbereich vom Empfangsbüro trennt, an die Motive der Gebäudefassade. In leichtfüssiger, assoziativer Manier wird somit auch im Entrée des Gebäudes bis hin zu den Sitzungszimmern das Sagenthema weitergeführt.
Die stark abstrahierten Bildmotive betonen die klare, geometrische Formensprache der Architektur und verweisen insbesondere auf das reiche inhaltliche Gedankengut zahlreicher Volkserzählungen: Dämonische oder Glaubens-Sagen berichten von der Auseinandersetzung mit dem Jenseitigen, vielfach von Riesen und Zwergen, Zauberern oder Menschen mit übernatürlichen Kräften. Historische Sagen erzählen von ausserordentlichen Gestalten und Ereignissen von Menschen, die Furcht, Grauen oder Bewunderung erregten. Es geht in dieser Gruppe häufig um Helden, Kriege und Notzeiten, „harte Herren“, Mörder und Räuber. Schliesslich widmen sich weitere Sagen dem Woher der Dinge. In diesen Erzählungen sind Deutungen eigenartiger Bildungen der Natur, der Tier- und Pflanzenwelt enthalten. Im Eingangsbereich des Bürogebäudes sowie an der Theke des Empfangsbüros nehmen mehrere, scheinbar willkürlich angeordnete, „klingende“ Namen liechtensteinischer Sagen, wie beispielsweise Tobelhocker, Riese von Guflina oder Verwunschene Tränen direkten Bezug auf die Bildmotive an der Fassade. Ebenso echoartig erinnern die runden, semitransparenten Punkte an der Glaswand, die den Eingangsbereich vom Empfangsbüro trennt, an die Motive der Gebäudefassade. In leichtfüssiger, assoziativer Manier wird somit auch im Entrée des Gebäudes bis hin zu den Sitzungszimmern das Sagenthema weitergeführt.
Entstehungsjahr: 2013
Kunst & Bauprojekt:
Bürogebäude an der Zollstrasse, 9490 Vaduz /LI
Kunst & Bauprojekt:
Bürogebäude an der Zollstrasse, 9490 Vaduz /LI
©2022 Martin Walch
FLOSS
Einerseits will der sprudelnde Brunnen vor dem neuen Betagtenheim in Azmoos als eine Art Bindeglied zwischen dem geschichtlich gewachsenen Dorfbild und dem Neubau, der aufgrund seiner markanten, strukturellen Architektur sich als gelungenes, zeitgenössisches Manifest mächtig in das bauliche Umfeld einbringt, verstanden werden. Auch in früheren Zeiten stand im Zentrum eines Dorfes meist ein großer, stattlicher Brunnen, der neben seiner Funktion als Wasserlieferant für Mensch und Tier, stets auch als harmonisches Bindeglied zum Umfeld verstanden wurde...
Andererseits schlägt der Brunnen mit seinen formalen, aber auch seinen augenfälligen, inhaltlichen Qualitäten (z.B. dem Neben- und Miteinander von Wasser, naturbelassenem Holz, das den ökologischen Kreislauf andeutet und kontrastierendem, glattem Sichtbeton, als ein Zeichen des zivilisatorischen Fortschritts,...) jene erwünschte Brücke zwischen Tradition und Moderne in gehaltvoller, doch heiterer Manier. Nicht zuletzt wird auch die geschichtliche, wie gegenwärtige Bedeutung von Holz in Wald- /Forstwirtschaft und Wasser für die Gemeinde Wartau im Projekt FLOSS angesprochen. Die lose treibenden Baumstämme im überlaufenden Becken wecken mannigfaltige Assoziationen und lenken auch aufgrund ihrer Beschaffenheit die Gedanken auf die Vergänglichkeit alles Organischen, dem die kleinen, eitlen Wasserfontänen aus den Ästen der Stämme kokett und heiter ein Schnippchen schlagen... ©mw
Andererseits schlägt der Brunnen mit seinen formalen, aber auch seinen augenfälligen, inhaltlichen Qualitäten (z.B. dem Neben- und Miteinander von Wasser, naturbelassenem Holz, das den ökologischen Kreislauf andeutet und kontrastierendem, glattem Sichtbeton, als ein Zeichen des zivilisatorischen Fortschritts,...) jene erwünschte Brücke zwischen Tradition und Moderne in gehaltvoller, doch heiterer Manier. Nicht zuletzt wird auch die geschichtliche, wie gegenwärtige Bedeutung von Holz in Wald- /Forstwirtschaft und Wasser für die Gemeinde Wartau im Projekt FLOSS angesprochen. Die lose treibenden Baumstämme im überlaufenden Becken wecken mannigfaltige Assoziationen und lenken auch aufgrund ihrer Beschaffenheit die Gedanken auf die Vergänglichkeit alles Organischen, dem die kleinen, eitlen Wasserfontänen aus den Ästen der Stämme kokett und heiter ein Schnippchen schlagen... ©mw
Entstehungsjahr: 2004
Brunnen vor dem Betagtenheim
Haus im Bongert in Azmoos/CH
Brunnen vor dem Betagtenheim
Haus im Bongert in Azmoos/CH
FLOSS
Einerseits will der sprudelnde Brunnen vor dem neuen Betagtenheim in Azmoos als eine Art Bindeglied zwischen dem geschichtlich gewachsenen Dorfbild und dem Neubau, der aufgrund seiner markanten, strukturellen Architektur sich als gelungenes, zeitgenössisches Manifest mächtig in das bauliche Umfeld einbringt, verstanden werden. Auch in früheren Zeiten stand im Zentrum eines Dorfes meist ein großer, stattlicher Brunnen, der neben seiner Funktion als Wasserlieferant für Mensch und Tier, stets auch als harmonisches Bindeglied zum Umfeld verstanden wurde...
Andererseits schlägt der Brunnen mit seinen formalen, aber auch seinen augenfälligen, inhaltlichen Qualitäten (z.B. dem Neben- und Miteinander von Wasser, naturbelassenem Holz, das den ökologischen Kreislauf andeutet und kontrastierendem, glattem Sichtbeton, als ein Zeichen des zivilisatorischen Fortschritts,...) jene erwünschte Brücke zwischen Tradition und Moderne in gehaltvoller, doch heiterer Manier. Nicht zuletzt wird auch die geschichtliche, wie gegenwärtige Bedeutung von Holz in Wald- /Forstwirtschaft und Wasser für die Gemeinde Wartau im Projekt FLOSS angesprochen. Die lose treibenden Baumstämme im überlaufenden Becken wecken mannigfaltige Assoziationen und lenken auch aufgrund ihrer Beschaffenheit die Gedanken auf die Vergänglichkeit alles Organischen, dem die kleinen, eitlen Wasserfontänen aus den Ästen der Stämme kokett und heiter ein Schnippchen schlagen... ©mw
Andererseits schlägt der Brunnen mit seinen formalen, aber auch seinen augenfälligen, inhaltlichen Qualitäten (z.B. dem Neben- und Miteinander von Wasser, naturbelassenem Holz, das den ökologischen Kreislauf andeutet und kontrastierendem, glattem Sichtbeton, als ein Zeichen des zivilisatorischen Fortschritts,...) jene erwünschte Brücke zwischen Tradition und Moderne in gehaltvoller, doch heiterer Manier. Nicht zuletzt wird auch die geschichtliche, wie gegenwärtige Bedeutung von Holz in Wald- /Forstwirtschaft und Wasser für die Gemeinde Wartau im Projekt FLOSS angesprochen. Die lose treibenden Baumstämme im überlaufenden Becken wecken mannigfaltige Assoziationen und lenken auch aufgrund ihrer Beschaffenheit die Gedanken auf die Vergänglichkeit alles Organischen, dem die kleinen, eitlen Wasserfontänen aus den Ästen der Stämme kokett und heiter ein Schnippchen schlagen... ©mw
Entstehungsjahr: 2004
Brunnen vor dem Betagtenheim
Haus im Bongert in Azmoos/CH
Brunnen vor dem Betagtenheim
Haus im Bongert in Azmoos/CH
©2022 Martin Walch
MARTIN WALCH
Martin Walch
Seit August 2015 Direktor der Kunstschule Liechtenstein. Rege Ausstellungs- sowie Lehrtätigkeit im In- und Ausland. Diverse Preise für themenbezogene künstlerische Wettbewerbsbeiträge und Kunst und Bau-Projekte sowie Preisträger der Sussmann Stiftung, Wien. Auslandstipendien des österreichischen Bundeskanzleramtes für Kunst und der Regierung des Fürstentums Liechtenstein nach Tokio/Japan (2000 | 6 Monate), New York City/USA (1997 | 12 Monate) und Jekaterinburg/Ru (1993 | 3 Monate). Seit 1992 als freischaffender Künstler tätig. 1988-1992 Hochschule für Angewandte Kunst, Wien, Studienfächer Visuelle Kommunikation, Malerei und Grafik (Mag.art.).
Eines der Hauptanliegen der Arbeit von Martin Walch ist die phänomenologische Beeinflussung von Wahrnehmung. Er sieht Kunst als einen grundlegend kommunikativen Prozess an. Der interaktive Austausch zwischen Menschen und deren Abhängigkeitsverhältnisse vom Dinglichen und Situativen stehen dabei im Vordergrund.
AUSDRUCKSMITTEL
Installation, Fotografie, Video, Grafik, Plastik
GET IN TOUCHEines der Hauptanliegen der Arbeit von Martin Walch ist die phänomenologische Beeinflussung von Wahrnehmung. Er sieht Kunst als einen grundlegend kommunikativen Prozess an. Der interaktive Austausch zwischen Menschen und deren Abhängigkeitsverhältnisse vom Dinglichen und Situativen stehen dabei im Vordergrund.
AUSDRUCKSMITTEL
Installation, Fotografie, Video, Grafik, Plastik
Artographie
2021
AUF EIGENE GEFAHR im vorarlberg museum, Bregenz /A, Ausstellungseröffnung: 28.05.
25 JAHRE Kunstforum Montafon, Schruns /A, 18.06.-08.08.
TRIENNALE visarte.li, Pfrundbauten, Eschen /LI, 22.08.-03.10.
2020
BORDER AND MOVEMENT - Kunstraum Engländerbau Vaduz /FL, 26.05.-26.07., Gruppenausstellung
2019
FINALEMINIMALE aktuelle Mikrokunst in der Alpineum Produzentengalerie Luzern, CH-6003 Luzern, Hirschmattstrasse 30a, 13.12.2019-25.01.2020
INFORM; ZEITGEN. NARRATIVE AUS LIECHTENSTEIN Gruppenausstellung im QuadrART, Dornbirn/A, 23.11.-19.02.2020
SAG MIR WO DIE BLUMEN SIND Gruppenausstellung im Landweibels-Huus, Schaan/FL, 25.05.-05.10.
BERN - LIECHTENSTEIN - BERN Gruppenausstellung im Depot 2, Bern /CH, 13.-30.06.
2018
2. TRIENNALE visarte.liechtenstein, Aktuelle, zeitgenössische Kunst aus Liechtenstein, Gruppenausstellung, 26. August - 6. Oktober
PETER TRACHSEL - MUSEUM IN BEWEGUNG, Bündner Kunstmuseum Chur. Im Rahmen der Ausstellung wird Walch's Videoloop "Prättigauer Wandersmann" aus dem Jahr 2010 gezeigt.
2017
FREUNDE, Galerie hollabolla, Eschen /FL, gemeinsam mit W.Casty und K.Heinzelmaier
2016
LICHTBLICKE, Johanniterkirche Feldkirch /A, 24.09. - 10.12. 2016, Eröffnung: 23.09., 20.00 Uhr. Die Kunsthistorikerin Cornelia Wieczorek, Vaduz /FL führt in die raumbezogene Arbeit ein.
Zur Ausstellung LICHTBLICKE: M.Walch im Gespräch mit S.Fend (RTV Vorarlberg Kulturkapsel Oktober 2016, 4. Beitrag der Sendung)- NOMADIC ART 2016; Gruppenausstellung im National Museum of Fine Arts, Bishkek /Kirgistan - 15.07. - 18.09.- ART|JOG|9 mandiri - Jogia National Museum, Yogiakarta /Indonesien - 27.05. - 27.06. (Internationale Ausstellung mit Beteiligung aus Liechtenstein durch H.Quaderer u. M.Walch)
2015
HEIMSPIEL 2015; Kunstschaffen aus AR,AI,SG,TG,FL und Vlbg., jurierte Gruppenausstellung im Kunstmuseum Liechtenstein, Kunstmuseum SG, Kunst Halle SG, Kunstraum Engländerbau /LI und Projektraum NEXTEX /SG. 10.12.-21.02.2016- BBKL-TRIENNALE; Zeitgenössisches Kunstschaffen aus Liechtenstein, 27.09.-25.10.
Gruppenausstellung im DOMUS Schaan /Li, gemeinsam mit Barbara Bühler, Hermy Geissmann und Arno Oehri
2014
UNSETTLING THE SETTING. Bespielen, Besitzen, Besetzen“ oder Ideen, Strategien, Vorschläge, Konzepte für eine (un)mögliche Ausstellungssituation. (Gruppenausstellung: Walch's präsentiertes Videoloop: "Prättigauer Wandersmann" ist Teil von Michael Hiltbrunners Ausstellungsbeitrag zu obigem Thema.) 25.10.-23.11. im Gasthaus zum Bären/Museum Bärengasse, Zürich /CH
KUNST AUF AUGENHÃHE, Galerie Hollabolla, Eschen /Li 15.10.-16.11.
TUCH; 05.09.-19.10. im Kulturzentrum Gasometer in Triesen /Li Gruppenausstellung mit M.Büchel-Hilti (Li), B.Geyer (Li), M.Hubinger (A), R.Menzel (A), K.Sooja (Korea), M.Walch (Li), B.Whitehead (J/Can) u. S.Wollwage (Li)
Die Ausstellung schlägt einen Bogen zur textilen Vergangenheit in Liechtenstein, thematisiert und vergleicht Traditionen aus verschiedenen Kulturkreisen und bietet einen Einblick in die Bedeutung des Tuches in der zeitgenössischen Kunst. Unterschiedliche künstlerische Positionen aus Liechtenstein treten in Dialog mit textiler Kunst und traditionellen Techniken aus anderen Ländern und Kontinenten.
MOVE! Werke aus der Sammlung des Kunstmuseum Liechtenstein im Gasometer Triesen /LI- DOWN THE RABBIT HOLE: 17.06.-15.08. im Kunstraum Engländerbau, Vaduz (Gruppenausstellung mit A.Zumbühl, A.Hilti, K.Fromherz, M.Geel und Freunden)
(mehr)- HOTEL ARTHUR - ein Projekt des Kunstverein: kunsthallen-toggenburg.ch, vom 6.-13.06. im ehemaligen Hotel Post in Ebnet Kappel /CH, Gruppenausstellung
2013
FREUNDE I., gemeinsam mit Werner Casty, Atelierausstellung, Wetzikon /ZH, 28.11.-30.11.
WEITBLICK_KULTUR IM KELLER, Kulturkeller d. Gemeinde Planken, 14.03.-28.04.
HORROR VACUI, Künstlerhaus Wien /A, 14.03.-18.03., Gruppenausstellung
SUBJECTIVE MAPS /DISAPPEARANCES, National Gallery of Iceland, Reykjavik, 17.05.-06.07., Gruppenausstellung
2012
THE LAND SEEN FROM THE SEA, Museum of Contemporary Art - Villa Croce, Genua /I,04.02.-04.05. /www.littleconstellation.org
SWISS BLISS 2, Galerie der Bethel Universität in St. Paul, Minnesota /USA, 13.09.-12.12. (Gruppenausstellungen)
2011
EXPO-MONACO 2011, 1.12.-16.12. /BBKL zu Gast beim COMITE MONEGASQUE DES ARTS PLASTIQUES
DRECK HÄLT WARM /GRÜSSE AUS DEM UNTERHOLZ, 15.10.-30.10. Am lediga Rank, Schaan (LI)
SWISS BLISS, 16.09.-21.10. in der Nycams-Galerie, New York /USA (Gruppenausstellungen)
2010
DIALOG LIECHTENSTEIN, Kunstmuseum Liechtenstein, 22.10.-27.02.11
VATER, MUTTER, KIND - die Familie in der zeitgenössischen Kunst Stadtmuseum Neuötting /D
LITTLE CONSTELLATION / Sala delle Colonne, DOCVA Careof, Fabbrica del Vapore, Mailand, Italien / Eine Ausstellung zeitgenössischer Kunst aus geo-kulturellen Micro-Areas und Kleinstaaten Europas. (Gruppenausstellungen)
2009
FAMILY AFFAIRS, Kunstverein Mistelbach, Niederösterreich /A
(Gruppenausstellung)
THROUGH THE LOOKING-GLASS, Kunstraum Engländerbau, Vaduz /FL (Ausstellungsbeteiligung)
PICCOLO STATO in NEON CAMPOBASE, Bologna (I) via Zanardi 2/5 (Ausstellungsbeteiligung)
KONKRET POETISCH *** Martin Walch / Hanna Roeckle / Roberto Altmann
in Berlin TREPTOW-KÖPENICK, Kulturzentrum Adlershof A.S.
PROJECTION AND REALITY - Liechtenstein Contemporary: MARTIN WALCH und ARNO OEHRI
Galerie: artnews projects, Berlin/D
2008
TRANSFORMATOR: Rauminstallation, gemeinsam mit alien productions und starsky /Wien, im Kunstraum Engländerbau, Vaduz /FL
BBKL-Labor im Kunstraum Engländerbau, Vaduz /FL
Initiator der Laboridee; Realisation und Organisation im Team (L.Hilti & BBKL-Vorstand)
2007
IM TIERGARTEN DER KUNST: Kulturzentrum Gasometer, Triesen /FL (Gruppenausstellung)
2006
KYRGYZ-STEIN: drei geladene kirgisische Künstler reagieren auf Liechtenstein: eine Visite & Begegnung wird Kunstform und Intervention. Martin Walch ist Projektinitiator und Pate dieser "Schichtwechsel-Veranstaltung" im Kulturzentrum Gasometer, Triesen /FL. Organisation und Realisation gemeinsam mit Hansjörg Quaderer (Verein Schichtwechsel) und Petra Büchel (Gasometer).
2005
GENESIS: Galerie Stein Egerta, Schaan /FL
IM RAUM DAZWISCHEN: Installation im LG-Vaduz /FL und im Fabriggli, Buchs /CH
2004
DIALOG LIECHTENSTEIN: Videoinstallation: "Wandersmann" im Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz /FL
AND OTHERS: National Museum of Fine Arts, Bishkek /KG, Zentralasien (Gruppenausstellung)
LAWINE: Kunstforum Montafon, Schruns /A (Gruppenausstellung)
GSTAADFILM FESTIVAL: Nominierung des Filmes "Wandersmann"
2003
IN EINEM ANDEREN LICHT: Galerie Hrobsky, Wien /A
2002
STAND.PUNKT: Forum Schloss Wolkersdorf, Niederösterreich /A
SOHO-OTTAKRING: flüchtig daheim, Galerie Hrobsky, Wien /A
JUBILÄUM: Kunstmuseum St. Gallen /CH (Gruppenausstellung)
KUNSTFORUM MONTAFON: Preisträger-Ausstellung des KfM-Wettbewerbes zum Internationalen Jahr der Berge in Schruns /A
HÖHENRAUSCH UND FERNSICHT: Internat. Wettbewerb zum Jahr der Berge (1.PREIS). Ausstellungen in Liechtenstein, Österreich und der Schweiz
STADT.ORTE: Kulturtage in Wetzikon /CH, Kunstcontainer mit W. Casty
2001
YUNIKU: "Austria-Japan", Forum Stadtpark Graz /A
SILVRETT'ATELIER:Palais Liechtenstein, Feldkirch /A und Wittgensteinhaus, Wien /A (Gruppenausstellungen)
MAIGRÜN: Installation im expo-shop, Wien /A
SIGNS OF ETERNITY: National Museum of Fine Art in Bishkek, Kyrgyzstan, Zentralasien (Gruppenausstellung)
UNSICHTBARE STÃDTE: Forum Schloss Wolkersdorf, NÖ /A
2000
OCHA: Galerie der Österreichischen Botschaft in Tokio /Japan, gemeinsam mit B.E.Geyer
ALTE BÄCKEREI II.: Gruppenausstellung anlässlich des Art Amusements 2000 in Wien /A
1999
MANDALA: Kulturzentrum Minoriten, Graz /A
Kunstforum Montafon, Schruns /A (Gruppenausstellung)
ALTE BÄCKEREI I.: Gruppenausstellung anlässlich des Art Amusements 99 in Wien /A
1998
Galerie ALTE SCHMIEDE, Wien /A
CROSSING: Klinik, Zürich /CH /3. Morphing /Installation (Gruppenausstellung)
WINDOWS: Installation im Aktionsraum für Neue Kunst & Kommunikation des Schichtwechsel-Vereins, Vaduz /FL
1997
RHEIN ART: Internat. Skulptur im Rheinvorland zwischen Lustenau /A und Widnau /CH (Gruppenausstellung)
MANDALA: Multimediale Installation im Studio FIVE BEEKMAN, New York City /USA
Austrian Cultural Institute, New York City /USA
INVADING SPACE: White Box Galerie, Philadelphia /USA
LANDSCHAFT: L.L.B.-Galerie, Vaduz /FL (Gruppenausstellung)
1995
8. INTERNATIONALE TEXTIL-TRIENNALE: Lodz /Polen (Gruppenausstellung)
1994
IM AUGENBLICK: Installation im Künstlerhaus Thurn & Taxis, Bregenz /A
1993
FIRST LOVE: Stadtgalerie Dübendorf /CH
STADTGESPRÄCHE: Installation, gemeinsam mit S.Wollwage im Schauplatz zeitgenössischer Kunst, Wien /A
MACHWERK: Galerie ESTER, Jekaterinburg /Russland
1992
SPARKLING FIRE SHOW: Szene Wien /A
IM AUGENBLICK: Installation im Wittgensteinhaus, Wien /A (Gruppenausstellung)
UNTER DRUCK: Galerie tangente /FL und Galerie Lindner, Wien /A
1991
1. INTERNAT. BODENSEE-KÜNSTLERBEGEGNUNG: Kunsthalle Wil /Schweiz
1989
WALDZEICHEN: Galerie Tangente /FL und im Kulturpanorama Luzern /CH, gemeinsam mit S. Wollwage /FL
AUF EIGENE GEFAHR im vorarlberg museum, Bregenz /A, Ausstellungseröffnung: 28.05.
25 JAHRE Kunstforum Montafon, Schruns /A, 18.06.-08.08.
TRIENNALE visarte.li, Pfrundbauten, Eschen /LI, 22.08.-03.10.
2020
BORDER AND MOVEMENT - Kunstraum Engländerbau Vaduz /FL, 26.05.-26.07., Gruppenausstellung
2019
FINALEMINIMALE aktuelle Mikrokunst in der Alpineum Produzentengalerie Luzern, CH-6003 Luzern, Hirschmattstrasse 30a, 13.12.2019-25.01.2020
INFORM; ZEITGEN. NARRATIVE AUS LIECHTENSTEIN Gruppenausstellung im QuadrART, Dornbirn/A, 23.11.-19.02.2020
SAG MIR WO DIE BLUMEN SIND Gruppenausstellung im Landweibels-Huus, Schaan/FL, 25.05.-05.10.
BERN - LIECHTENSTEIN - BERN Gruppenausstellung im Depot 2, Bern /CH, 13.-30.06.
2018
2. TRIENNALE visarte.liechtenstein, Aktuelle, zeitgenössische Kunst aus Liechtenstein, Gruppenausstellung, 26. August - 6. Oktober
PETER TRACHSEL - MUSEUM IN BEWEGUNG, Bündner Kunstmuseum Chur. Im Rahmen der Ausstellung wird Walch's Videoloop "Prättigauer Wandersmann" aus dem Jahr 2010 gezeigt.
2017
FREUNDE, Galerie hollabolla, Eschen /FL, gemeinsam mit W.Casty und K.Heinzelmaier
2016
LICHTBLICKE, Johanniterkirche Feldkirch /A, 24.09. - 10.12. 2016, Eröffnung: 23.09., 20.00 Uhr. Die Kunsthistorikerin Cornelia Wieczorek, Vaduz /FL führt in die raumbezogene Arbeit ein.
Zur Ausstellung LICHTBLICKE: M.Walch im Gespräch mit S.Fend (RTV Vorarlberg Kulturkapsel Oktober 2016, 4. Beitrag der Sendung)- NOMADIC ART 2016; Gruppenausstellung im National Museum of Fine Arts, Bishkek /Kirgistan - 15.07. - 18.09.- ART|JOG|9 mandiri - Jogia National Museum, Yogiakarta /Indonesien - 27.05. - 27.06. (Internationale Ausstellung mit Beteiligung aus Liechtenstein durch H.Quaderer u. M.Walch)
2015
HEIMSPIEL 2015; Kunstschaffen aus AR,AI,SG,TG,FL und Vlbg., jurierte Gruppenausstellung im Kunstmuseum Liechtenstein, Kunstmuseum SG, Kunst Halle SG, Kunstraum Engländerbau /LI und Projektraum NEXTEX /SG. 10.12.-21.02.2016- BBKL-TRIENNALE; Zeitgenössisches Kunstschaffen aus Liechtenstein, 27.09.-25.10.
Gruppenausstellung im DOMUS Schaan /Li, gemeinsam mit Barbara Bühler, Hermy Geissmann und Arno Oehri
2014
UNSETTLING THE SETTING. Bespielen, Besitzen, Besetzen“ oder Ideen, Strategien, Vorschläge, Konzepte für eine (un)mögliche Ausstellungssituation. (Gruppenausstellung: Walch's präsentiertes Videoloop: "Prättigauer Wandersmann" ist Teil von Michael Hiltbrunners Ausstellungsbeitrag zu obigem Thema.) 25.10.-23.11. im Gasthaus zum Bären/Museum Bärengasse, Zürich /CH
KUNST AUF AUGENHÃHE, Galerie Hollabolla, Eschen /Li 15.10.-16.11.
TUCH; 05.09.-19.10. im Kulturzentrum Gasometer in Triesen /Li Gruppenausstellung mit M.Büchel-Hilti (Li), B.Geyer (Li), M.Hubinger (A), R.Menzel (A), K.Sooja (Korea), M.Walch (Li), B.Whitehead (J/Can) u. S.Wollwage (Li)
Die Ausstellung schlägt einen Bogen zur textilen Vergangenheit in Liechtenstein, thematisiert und vergleicht Traditionen aus verschiedenen Kulturkreisen und bietet einen Einblick in die Bedeutung des Tuches in der zeitgenössischen Kunst. Unterschiedliche künstlerische Positionen aus Liechtenstein treten in Dialog mit textiler Kunst und traditionellen Techniken aus anderen Ländern und Kontinenten.
MOVE! Werke aus der Sammlung des Kunstmuseum Liechtenstein im Gasometer Triesen /LI- DOWN THE RABBIT HOLE: 17.06.-15.08. im Kunstraum Engländerbau, Vaduz (Gruppenausstellung mit A.Zumbühl, A.Hilti, K.Fromherz, M.Geel und Freunden)
(mehr)- HOTEL ARTHUR - ein Projekt des Kunstverein: kunsthallen-toggenburg.ch, vom 6.-13.06. im ehemaligen Hotel Post in Ebnet Kappel /CH, Gruppenausstellung
2013
FREUNDE I., gemeinsam mit Werner Casty, Atelierausstellung, Wetzikon /ZH, 28.11.-30.11.
WEITBLICK_KULTUR IM KELLER, Kulturkeller d. Gemeinde Planken, 14.03.-28.04.
HORROR VACUI, Künstlerhaus Wien /A, 14.03.-18.03., Gruppenausstellung
SUBJECTIVE MAPS /DISAPPEARANCES, National Gallery of Iceland, Reykjavik, 17.05.-06.07., Gruppenausstellung
2012
THE LAND SEEN FROM THE SEA, Museum of Contemporary Art - Villa Croce, Genua /I,04.02.-04.05. /www.littleconstellation.org
SWISS BLISS 2, Galerie der Bethel Universität in St. Paul, Minnesota /USA, 13.09.-12.12. (Gruppenausstellungen)
2011
EXPO-MONACO 2011, 1.12.-16.12. /BBKL zu Gast beim COMITE MONEGASQUE DES ARTS PLASTIQUES
DRECK HÄLT WARM /GRÜSSE AUS DEM UNTERHOLZ, 15.10.-30.10. Am lediga Rank, Schaan (LI)
SWISS BLISS, 16.09.-21.10. in der Nycams-Galerie, New York /USA (Gruppenausstellungen)
2010
DIALOG LIECHTENSTEIN, Kunstmuseum Liechtenstein, 22.10.-27.02.11
VATER, MUTTER, KIND - die Familie in der zeitgenössischen Kunst Stadtmuseum Neuötting /D
LITTLE CONSTELLATION / Sala delle Colonne, DOCVA Careof, Fabbrica del Vapore, Mailand, Italien / Eine Ausstellung zeitgenössischer Kunst aus geo-kulturellen Micro-Areas und Kleinstaaten Europas. (Gruppenausstellungen)
2009
FAMILY AFFAIRS, Kunstverein Mistelbach, Niederösterreich /A
(Gruppenausstellung)
THROUGH THE LOOKING-GLASS, Kunstraum Engländerbau, Vaduz /FL (Ausstellungsbeteiligung)
PICCOLO STATO in NEON CAMPOBASE, Bologna (I) via Zanardi 2/5 (Ausstellungsbeteiligung)
KONKRET POETISCH *** Martin Walch / Hanna Roeckle / Roberto Altmann
in Berlin TREPTOW-KÖPENICK, Kulturzentrum Adlershof A.S.
PROJECTION AND REALITY - Liechtenstein Contemporary: MARTIN WALCH und ARNO OEHRI
Galerie: artnews projects, Berlin/D
2008
TRANSFORMATOR: Rauminstallation, gemeinsam mit alien productions und starsky /Wien, im Kunstraum Engländerbau, Vaduz /FL
BBKL-Labor im Kunstraum Engländerbau, Vaduz /FL
Initiator der Laboridee; Realisation und Organisation im Team (L.Hilti & BBKL-Vorstand)
2007
IM TIERGARTEN DER KUNST: Kulturzentrum Gasometer, Triesen /FL (Gruppenausstellung)
2006
KYRGYZ-STEIN: drei geladene kirgisische Künstler reagieren auf Liechtenstein: eine Visite & Begegnung wird Kunstform und Intervention. Martin Walch ist Projektinitiator und Pate dieser "Schichtwechsel-Veranstaltung" im Kulturzentrum Gasometer, Triesen /FL. Organisation und Realisation gemeinsam mit Hansjörg Quaderer (Verein Schichtwechsel) und Petra Büchel (Gasometer).
2005
GENESIS: Galerie Stein Egerta, Schaan /FL
IM RAUM DAZWISCHEN: Installation im LG-Vaduz /FL und im Fabriggli, Buchs /CH
2004
DIALOG LIECHTENSTEIN: Videoinstallation: "Wandersmann" im Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz /FL
AND OTHERS: National Museum of Fine Arts, Bishkek /KG, Zentralasien (Gruppenausstellung)
LAWINE: Kunstforum Montafon, Schruns /A (Gruppenausstellung)
GSTAADFILM FESTIVAL: Nominierung des Filmes "Wandersmann"
2003
IN EINEM ANDEREN LICHT: Galerie Hrobsky, Wien /A
2002
STAND.PUNKT: Forum Schloss Wolkersdorf, Niederösterreich /A
SOHO-OTTAKRING: flüchtig daheim, Galerie Hrobsky, Wien /A
JUBILÄUM: Kunstmuseum St. Gallen /CH (Gruppenausstellung)
KUNSTFORUM MONTAFON: Preisträger-Ausstellung des KfM-Wettbewerbes zum Internationalen Jahr der Berge in Schruns /A
HÖHENRAUSCH UND FERNSICHT: Internat. Wettbewerb zum Jahr der Berge (1.PREIS). Ausstellungen in Liechtenstein, Österreich und der Schweiz
STADT.ORTE: Kulturtage in Wetzikon /CH, Kunstcontainer mit W. Casty
2001
YUNIKU: "Austria-Japan", Forum Stadtpark Graz /A
SILVRETT'ATELIER:Palais Liechtenstein, Feldkirch /A und Wittgensteinhaus, Wien /A (Gruppenausstellungen)
MAIGRÜN: Installation im expo-shop, Wien /A
SIGNS OF ETERNITY: National Museum of Fine Art in Bishkek, Kyrgyzstan, Zentralasien (Gruppenausstellung)
UNSICHTBARE STÃDTE: Forum Schloss Wolkersdorf, NÖ /A
2000
OCHA: Galerie der Österreichischen Botschaft in Tokio /Japan, gemeinsam mit B.E.Geyer
ALTE BÄCKEREI II.: Gruppenausstellung anlässlich des Art Amusements 2000 in Wien /A
1999
MANDALA: Kulturzentrum Minoriten, Graz /A
Kunstforum Montafon, Schruns /A (Gruppenausstellung)
ALTE BÄCKEREI I.: Gruppenausstellung anlässlich des Art Amusements 99 in Wien /A
1998
Galerie ALTE SCHMIEDE, Wien /A
CROSSING: Klinik, Zürich /CH /3. Morphing /Installation (Gruppenausstellung)
WINDOWS: Installation im Aktionsraum für Neue Kunst & Kommunikation des Schichtwechsel-Vereins, Vaduz /FL
1997
RHEIN ART: Internat. Skulptur im Rheinvorland zwischen Lustenau /A und Widnau /CH (Gruppenausstellung)
MANDALA: Multimediale Installation im Studio FIVE BEEKMAN, New York City /USA
Austrian Cultural Institute, New York City /USA
INVADING SPACE: White Box Galerie, Philadelphia /USA
LANDSCHAFT: L.L.B.-Galerie, Vaduz /FL (Gruppenausstellung)
1995
8. INTERNATIONALE TEXTIL-TRIENNALE: Lodz /Polen (Gruppenausstellung)
1994
IM AUGENBLICK: Installation im Künstlerhaus Thurn & Taxis, Bregenz /A
1993
FIRST LOVE: Stadtgalerie Dübendorf /CH
STADTGESPRÄCHE: Installation, gemeinsam mit S.Wollwage im Schauplatz zeitgenössischer Kunst, Wien /A
MACHWERK: Galerie ESTER, Jekaterinburg /Russland
1992
SPARKLING FIRE SHOW: Szene Wien /A
IM AUGENBLICK: Installation im Wittgensteinhaus, Wien /A (Gruppenausstellung)
UNTER DRUCK: Galerie tangente /FL und Galerie Lindner, Wien /A
1991
1. INTERNAT. BODENSEE-KÜNSTLERBEGEGNUNG: Kunsthalle Wil /Schweiz
1989
WALDZEICHEN: Galerie Tangente /FL und im Kulturpanorama Luzern /CH, gemeinsam mit S. Wollwage /FL
+423 375 05 03
©2022 Martin Walch
2022
O.T.
Ehemalige Christbaumspitzen erhalten durch ihre Bearbeitung eine neue Funktion. Antennen oder Sensoren gleich verweisen sie beiläufig auf Zusammenhänge – und wer weiss, vielleicht auch auf gesellschaftspolitische Herausforderungen in Zeiten eines äusserst schnelllebigen Alltags und der rasanten Veränderung von Lebensbereichen.
WÜNSCHELRUTEN
Ehemalige Christbaumspitzen erhalten durch ihre Bearbeitung eine neue Funktion. Antennen oder Sensoren gleich verweisen sie beiläufig auf Zusammenhänge – und wer weiss, vielleicht auch auf gesellschaftspolitische Herausforderungen in Zeiten eines äusserst schnelllebigen Alltags und der rasanten Veränderung von Lebensbereichen.
LICHTBLICKE
Gitterornamente wirken im doppelten Sinn; als Filter von individuell geprägter Weltsicht und gerastertem Blick. Blickmuster - Gedankenmuster - Weltsicht. Unbewusst und freiwillig akzeptieren wir die ständige Einschränkung unseres Blickfeldes, Trennungen werden gewohnheitsbedingt, gezwungenermassen nicht mehr wahrgenommen.
2020
BORDER AND MOVEMENT
Rauminstallation im Kunstraum Engländerbau, Vaduz /LI
Die für den Kunstraum Engländerbau in Vaduz /FL konzipierte Rauminstallation besteht aus 8 mobilen Staubsaugrobotern und 32 Nationen-Fähnchen von Flüchtlingsländern und Aufnahmeländern der Welt.
70.8 Millionen Menschen auf der Flucht
„Welchen Massstab man auch nimmt, diese Zahl ist nicht zu akzeptieren. Und aus ihr spricht lauter als jemals zuvor die Notwendigkeit zur Solidarität und zu gemeinsamen Zielen bei der Prävention und Lösung von Krisen. Gemeinsam muss sichergestellt werden, dass die Flüchtlinge, Binnenvertriebenen und Asylsuchenden weltweit angemessen geschützt und versorgt werden, während zugleich Lösungen angestrebt werden.“ Zitat: UN-Flüchtlingshochkommissar Filippo Grandi.
Ende des Jahres 2018 waren 70,8 Millionen Menschen weltweit auf der Flucht. 25,9 Millionen dieser Menschen sind Flüchtlinge, die vor Konflikten, Verfolgung oder schweren Menschenrechtsverletzungen aus ihrer Heimat flohen. Mehr als die Hälfte der Flüchtlinge weltweit sind Kinder unter 18 Jahren. 41,3 Millionen Menschen sind Binnenvertriebene, Menschen, die innerhalb ihres Landes auf der Flucht sind. 3,5 Millionen Menschen unter den 70,8 Millionen sind Asylsuchende.
Willkürlich scheinen die 8 Saugroboter, die mit je 4 Nationen-Fähnchen zahlreicher Flüchtlings- und Aufnahmeländer bestückt sind, im Ausstellungsraum zwischen den präzis positionierten Kunstwerken herumzuirren, immer wieder anzustossen oder anzuecken bzw. im Weg zu stehen, unliebsam für Ausstellungsbesucher zwischen ihren Beinen zu kurven... und säubern, putzen (technologisch dem Aufnahmeland angepasst und - mit erstaunlichem Nationalstolz oder eher erzwungener Landeszugehörigkeit?) den reinweissen Boden des Kunstraums! Arbeitsgenehmigung vorhanden? Oder holen sie sich vielleicht bloss das Übriggebliebene, das Liegengelassene, das Weggeworfene, ... in der Hoffnung etwas zu finden, das ihnen ihr Überleben sichert?
Die für den Kunstraum Engländerbau in Vaduz /FL konzipierte Rauminstallation besteht aus 8 mobilen Staubsaugrobotern und 32 Nationen-Fähnchen von Flüchtlingsländern und Aufnahmeländern der Welt.
70.8 Millionen Menschen auf der Flucht
„Welchen Massstab man auch nimmt, diese Zahl ist nicht zu akzeptieren. Und aus ihr spricht lauter als jemals zuvor die Notwendigkeit zur Solidarität und zu gemeinsamen Zielen bei der Prävention und Lösung von Krisen. Gemeinsam muss sichergestellt werden, dass die Flüchtlinge, Binnenvertriebenen und Asylsuchenden weltweit angemessen geschützt und versorgt werden, während zugleich Lösungen angestrebt werden.“ Zitat: UN-Flüchtlingshochkommissar Filippo Grandi.
Ende des Jahres 2018 waren 70,8 Millionen Menschen weltweit auf der Flucht. 25,9 Millionen dieser Menschen sind Flüchtlinge, die vor Konflikten, Verfolgung oder schweren Menschenrechtsverletzungen aus ihrer Heimat flohen. Mehr als die Hälfte der Flüchtlinge weltweit sind Kinder unter 18 Jahren. 41,3 Millionen Menschen sind Binnenvertriebene, Menschen, die innerhalb ihres Landes auf der Flucht sind. 3,5 Millionen Menschen unter den 70,8 Millionen sind Asylsuchende.
Willkürlich scheinen die 8 Saugroboter, die mit je 4 Nationen-Fähnchen zahlreicher Flüchtlings- und Aufnahmeländer bestückt sind, im Ausstellungsraum zwischen den präzis positionierten Kunstwerken herumzuirren, immer wieder anzustossen oder anzuecken bzw. im Weg zu stehen, unliebsam für Ausstellungsbesucher zwischen ihren Beinen zu kurven... und säubern, putzen (technologisch dem Aufnahmeland angepasst und - mit erstaunlichem Nationalstolz oder eher erzwungener Landeszugehörigkeit?) den reinweissen Boden des Kunstraums! Arbeitsgenehmigung vorhanden? Oder holen sie sich vielleicht bloss das Übriggebliebene, das Liegengelassene, das Weggeworfene, ... in der Hoffnung etwas zu finden, das ihnen ihr Überleben sichert?
2019
REGENTAG & TRANSFORMATOR
.jpg)
REGENTAG
Das helle, gelegentlich schillernde Grau eines nieselnden Regentages hüllt unsere Umwelt und unser Dasein in lasierende bis pastose Farbigkeit – Pflanzen verharren reglos still.
TRANSFORMATOR
Feuer wandelt Holz in (unsichtbare) Energie. Holz und Kohle im unmittelbaren Nebeneinander dokumentieren kontrastreiche Spannung und Zeit. Vielleicht ist es der Geruch von Verbranntem, der im entstandenen Hohlraum für neues Leben wirbt?
Das helle, gelegentlich schillernde Grau eines nieselnden Regentages hüllt unsere Umwelt und unser Dasein in lasierende bis pastose Farbigkeit – Pflanzen verharren reglos still.
TRANSFORMATOR
Feuer wandelt Holz in (unsichtbare) Energie. Holz und Kohle im unmittelbaren Nebeneinander dokumentieren kontrastreiche Spannung und Zeit. Vielleicht ist es der Geruch von Verbranntem, der im entstandenen Hohlraum für neues Leben wirbt?
2018
WUNDER 2018
10-teilig
2017
WACHSWERK 2017
Mikrowachs auf weiss grundiertem Sperrholz (Enkaustik)
2016
LICHTBLICKE
Die Wahrnehmung des Menschen steht im Zentrum der Arbeiten von Martin Walch. Wie verläuft der Blickkontakt, wenn sich Menschen begegnen? Mit diesem Phänomen beschäftigt sich der Liechtensteiner Künstler in der Johanniterkirche in Feldkirch. Meterhohe luftgefüllte Plastikskulpturen machen die Sehräume unserer Augen sichtbar. Zu sehen und zu begehen ist die Ausstellung „Lichtblicke“ vom 24. September bis 10. Dezember 2016.
Mit seinen Plastiken erweitert Martin Walch den naturwissenschaftlichen Begriff des Sehraums, der unser visuelles Bild von der Welt beschreibt, um eine soziale Dimension. Auf poetische Weise thematisiert der Künstler unterschiedliche Konstellationen menschlichen Zusammentreffens. Die kegelförmigen Gebilde aus durchsichtiger und eingefärbter Folie markieren die individuellen Sehräume und die Schnittstellen mit anderen. Unterschiedliche Farben deuten bewusst klischeehaft die Emotionen an. Das Thema beschäftigt den Künstler, seit er mit 18 Jahren zum Brillenträger wurde: „Diese zunächst befremdende Situation der Wahrnehmung mit der Sehhilfe war für mich Anstoß, der Frage nachzugehen, was wir wirklich sehen. Der Sehraum ist vorstellbar als kegelförmige Skulptur, die wir vor den Augen tragen. Diese Plastik wollte ich sichtbar machen. Mich interessiert dabei nicht die Einzelperspektive, sondern das Zwischenmenschliche.“
Viele Jahre lang zeichnete Martin Walch Skizzen dieser Sehräume, bis 2008 die ersten Plastiken entstanden. In der Johanniterkirche werden die Skulpturen erstmals in einer Einzelausstellung gezeigt. Die Installation konzentriert sich auf stereotype Situationen. Die Skulpturen sind als Standbilder kommunikativer Momente zu verstehen. Der „Voyeur“, der eine intime Begegnung beobachtet, die „Betrachter“ eines Kunstwerks, die „Familie“ im Dialog, die „Konferenz“ mit Referent und Zuhörenden, der „Kuss“ ohne direkten Blickkontakt usw.
Der Betrachter wird angeregt, sich anzunähern, die Plastiken im wahrsten Sinne des Wortes zu „durchschauen“. Was er sieht, wird von ihm selbst, den anderen und vom Ort beeinflusst. Die spontanen Interaktionen überlagern die in den Skulpturen visualisierten Blickwinkel durch neue, unsichtbare Sehräume. Martin Walch: „Als funktional besetzter Raum ist die Johanniterkirche eine Herausforderung. Der Raum ist aber spannend für meine Arbeit, weil eine Kirche ein Gemeinschaftraum ist, wo Menschen zusammenkommen, um das Licht, das Göttliche und das Erhabene zu suchen.“ © Karin Guldenschuh
Mit seinen Plastiken erweitert Martin Walch den naturwissenschaftlichen Begriff des Sehraums, der unser visuelles Bild von der Welt beschreibt, um eine soziale Dimension. Auf poetische Weise thematisiert der Künstler unterschiedliche Konstellationen menschlichen Zusammentreffens. Die kegelförmigen Gebilde aus durchsichtiger und eingefärbter Folie markieren die individuellen Sehräume und die Schnittstellen mit anderen. Unterschiedliche Farben deuten bewusst klischeehaft die Emotionen an. Das Thema beschäftigt den Künstler, seit er mit 18 Jahren zum Brillenträger wurde: „Diese zunächst befremdende Situation der Wahrnehmung mit der Sehhilfe war für mich Anstoß, der Frage nachzugehen, was wir wirklich sehen. Der Sehraum ist vorstellbar als kegelförmige Skulptur, die wir vor den Augen tragen. Diese Plastik wollte ich sichtbar machen. Mich interessiert dabei nicht die Einzelperspektive, sondern das Zwischenmenschliche.“
Viele Jahre lang zeichnete Martin Walch Skizzen dieser Sehräume, bis 2008 die ersten Plastiken entstanden. In der Johanniterkirche werden die Skulpturen erstmals in einer Einzelausstellung gezeigt. Die Installation konzentriert sich auf stereotype Situationen. Die Skulpturen sind als Standbilder kommunikativer Momente zu verstehen. Der „Voyeur“, der eine intime Begegnung beobachtet, die „Betrachter“ eines Kunstwerks, die „Familie“ im Dialog, die „Konferenz“ mit Referent und Zuhörenden, der „Kuss“ ohne direkten Blickkontakt usw.
Der Betrachter wird angeregt, sich anzunähern, die Plastiken im wahrsten Sinne des Wortes zu „durchschauen“. Was er sieht, wird von ihm selbst, den anderen und vom Ort beeinflusst. Die spontanen Interaktionen überlagern die in den Skulpturen visualisierten Blickwinkel durch neue, unsichtbare Sehräume. Martin Walch: „Als funktional besetzter Raum ist die Johanniterkirche eine Herausforderung. Der Raum ist aber spannend für meine Arbeit, weil eine Kirche ein Gemeinschaftraum ist, wo Menschen zusammenkommen, um das Licht, das Göttliche und das Erhabene zu suchen.“ © Karin Guldenschuh
2015
BORDERS
5-teilig
In doppeltem Sinn wirken auch Gitterornamente; als Filter von individuell geprägter Weltsicht und gerastertem Blick. Blickmuster - Gedankenmuster - Weltsicht. Unbewusst und freiwillig akzeptieren wir die ständige Einschränkung unseres Blickfeldes, Begrenzungen, Trennungen werden gewohnheitsbedingt, gezwungenermassen nicht mehr wahrgenommen: stattdessen der Blick hindurch oder darüber hinweg. Normierung und vermeintliche Sicherheit, Schützendes wird zum Begrenzenden, Trennenden und umgekehrt.
Dass sie auch trennen können, zeigt die Arbeit „BORDERS“. 150 x 250 cm grosse Metallgitter aus perlmuttfarben lackiertem Eisenrohr verwenden das Format der Schweizer Jasskarten und einladende Motive wie Herz und Sonne, stehen aber im Raum wie mobile Wände. In Jekaterinenburg im Ural und andernorts im Osten fand Martin Walch einfache, aus Armierungseisen geschweisste Fenstergitter, die in verwandter scheinbarer Widersprüchlichkeit mit der Symbolsprache der Motive Liebe einladen und in ihrer Funktion als Gitter Grenzen schaffen.
In doppeltem Sinn wirken auch Gitterornamente; als Filter von individuell geprägter Weltsicht und gerastertem Blick. Blickmuster - Gedankenmuster - Weltsicht. Unbewusst und freiwillig akzeptieren wir die ständige Einschränkung unseres Blickfeldes, Begrenzungen, Trennungen werden gewohnheitsbedingt, gezwungenermassen nicht mehr wahrgenommen: stattdessen der Blick hindurch oder darüber hinweg. Normierung und vermeintliche Sicherheit, Schützendes wird zum Begrenzenden, Trennenden und umgekehrt.
Dass sie auch trennen können, zeigt die Arbeit „BORDERS“. 150 x 250 cm grosse Metallgitter aus perlmuttfarben lackiertem Eisenrohr verwenden das Format der Schweizer Jasskarten und einladende Motive wie Herz und Sonne, stehen aber im Raum wie mobile Wände. In Jekaterinenburg im Ural und andernorts im Osten fand Martin Walch einfache, aus Armierungseisen geschweisste Fenstergitter, die in verwandter scheinbarer Widersprüchlichkeit mit der Symbolsprache der Motive Liebe einladen und in ihrer Funktion als Gitter Grenzen schaffen.
KAABA
Kaaba wirkt als stiller Speicher, fungiert als Informationsträger und Transformator. Kaaba prägt seinen Umraum und verlangt daher eine Art Konzentrationsort. Aus dem Arabischen übersetzt heisst Kaaba: Würfel, Kubus.
LUNGE
Enkaustik (Microwachs auf MDF-Platte)
2014
FIRST LOVE
2-teilig
FRAGMENT Nr. IX
Mikrowachs, Farbe und Klebeband auf Spanplatten
MR. KNOTT
12 Herrentaschentücher, bedruckt mit Textfragmenten aus "Watt" von Samuel Beckett
FASS/ZINATION
Ja gewiss, ich hätte lieber ein volles Fass zur künstlerischen Bearbeitung erhalten. Bestimmt hätte sein Inhalt meine geistigen Höhenflüge massgeblich gesteigert.
Im Atelier auf seine Bearbeitung wartend, verlor das leere Fass zudem noch kontinuierlich an seiner formalen Klarheit. Bald zeigten sich zwischen den Fassdauben kleine Spalten – das harte Eichenholz verlor an Feuchtigkeit, der zu erwartende Materialschwund (eines leeren Holzfasses) raubte dem Gefäss nicht nur seine formale Spannung, sondern zudem auch seine ursprüngliche Funktionstüchtigkeit.
Etwas ratlos stand ich vor dem nutzlos gewordenen Ding: Wie konnte ein überflüssig gewordener Gegenstand künstlerisch aufbereitet, (wert-)optimiert, zu einer qualitativ, aussagekräfigen und zeitgemässen Plastik umgeformt werden?
Schliesslich wurde eben diese Leere zum intentionierten Motiv. Ein Fass stellt ein Behältnis dar, ist ein Gefäss, also Archetyp einer Skulptur; ein dreidimensionaler Gegenstand, eine Art Rohmaterial der Plastik. Ich denke an Lebensmittel-Amphoren zahlreicher vergangener Kulturen, an antike griechische Vasen, etc., die kunstvoll gestaltet bis in die heutige Zeit wertvolle Hinweise zu Leben und Kultur vergangener Völker liefern. Im bildnerischen Schaffen stellt das Gegenstück zur (dreidimensionalen) Plastik die (zweidimensionale) Grafik dar, das Arbeiten auf der Fläche, bspw. auf Leinwand, Papier oder anderen flächigen Materialien. Papier wird aus Holz gefertigt, dasselbe Material, das ebenso für skulpturale Zwecke seine Dienste leistet. So entschied ich mich, die zwei sich kontrastierenden, jedoch nahe verwandten Rohmaterialien: Eichenholz und Zeichenpapier zusammenzuführen und daraus einen Gegenstand zu schaffen, der die grafische sowie die skulpturale Weiterbearbeitung erlaubt. Naheliegend war, dem funktionslos gewordenen Fass die A3-formatigen Leerpapiere zwischen seine Dauben zu stellen. Dadurch sollte einerseits die angesprochene, verlorene Spannung und Kompaktheit wiederhergestellt werden, andererseits wollte dem Objekt, wie erwähnt, zusätzlich zur bildhauerischen auch die grafische Nutzung zuteil werden. Das entstandene, windmühlenartig skurrile Objekt vereint somit Plastik und Grafik und hofft nun auf seine kreative Nutzung: seine Leere in Fülle zu verwandeln.
mw / 07.2014
Im Atelier auf seine Bearbeitung wartend, verlor das leere Fass zudem noch kontinuierlich an seiner formalen Klarheit. Bald zeigten sich zwischen den Fassdauben kleine Spalten – das harte Eichenholz verlor an Feuchtigkeit, der zu erwartende Materialschwund (eines leeren Holzfasses) raubte dem Gefäss nicht nur seine formale Spannung, sondern zudem auch seine ursprüngliche Funktionstüchtigkeit.
Etwas ratlos stand ich vor dem nutzlos gewordenen Ding: Wie konnte ein überflüssig gewordener Gegenstand künstlerisch aufbereitet, (wert-)optimiert, zu einer qualitativ, aussagekräfigen und zeitgemässen Plastik umgeformt werden?
Schliesslich wurde eben diese Leere zum intentionierten Motiv. Ein Fass stellt ein Behältnis dar, ist ein Gefäss, also Archetyp einer Skulptur; ein dreidimensionaler Gegenstand, eine Art Rohmaterial der Plastik. Ich denke an Lebensmittel-Amphoren zahlreicher vergangener Kulturen, an antike griechische Vasen, etc., die kunstvoll gestaltet bis in die heutige Zeit wertvolle Hinweise zu Leben und Kultur vergangener Völker liefern. Im bildnerischen Schaffen stellt das Gegenstück zur (dreidimensionalen) Plastik die (zweidimensionale) Grafik dar, das Arbeiten auf der Fläche, bspw. auf Leinwand, Papier oder anderen flächigen Materialien. Papier wird aus Holz gefertigt, dasselbe Material, das ebenso für skulpturale Zwecke seine Dienste leistet. So entschied ich mich, die zwei sich kontrastierenden, jedoch nahe verwandten Rohmaterialien: Eichenholz und Zeichenpapier zusammenzuführen und daraus einen Gegenstand zu schaffen, der die grafische sowie die skulpturale Weiterbearbeitung erlaubt. Naheliegend war, dem funktionslos gewordenen Fass die A3-formatigen Leerpapiere zwischen seine Dauben zu stellen. Dadurch sollte einerseits die angesprochene, verlorene Spannung und Kompaktheit wiederhergestellt werden, andererseits wollte dem Objekt, wie erwähnt, zusätzlich zur bildhauerischen auch die grafische Nutzung zuteil werden. Das entstandene, windmühlenartig skurrile Objekt vereint somit Plastik und Grafik und hofft nun auf seine kreative Nutzung: seine Leere in Fülle zu verwandeln.
mw / 07.2014
2013
LIECHTENSTEINER SAGENHAUS
Kunst & Bauprojekt:
Bürogebäude an der Zollstrasse, 9490 Vaduz /LI
Akzentuiert wird die Fassade des neuen Bürogebäudes durch verschiedene Bildtafeln, die mit Beginn der Dämmerung hinterleuchtet werden. Die Motive der Bildtafeln illustrieren 16 verschiedene Sagen und Legenden aus Liechtenstein. Die Illustrationen ergeben sich aus einheitlich runden Lochungen, die aus dem bronzefarbenen Aluminiumblech gestanzt wurden. Integriert in die massive Rahmung der Fensterzeilen, verteilen sich die Motivtafeln in rhythmischer Folge auf die süd- und westseitige Fassade des neuen Bürogebäudes. Die stark abstrahierten Bildmotive betonen die klare, geometrische Formensprache der Architektur und verweisen insbesondere auf das reiche inhaltliche Gedankengut zahlreicher Volkserzählungen: Dämonische oder Glaubens-Sagen berichten von der Auseinandersetzung mit dem Jenseitigen, vielfach von Riesen und Zwergen, Zauberern oder Menschen mit übernatürlichen Kräften. Historische Sagen erzählen von ausserordentlichen Gestalten und Ereignissen von Menschen, die Furcht, Grauen oder Bewunderung erregten. Es geht in dieser Gruppe häufig um Helden, Kriege und Notzeiten, „harte Herren“, Mörder und Räuber. Schliesslich widmen sich weitere Sagen dem Woher der Dinge. In diesen Erzählungen sind Deutungen eigenartiger Bildungen der Natur, der Tier- und Pflanzenwelt enthalten.
Im Eingangsbereich des Bürogebäudes sowie an der Theke des Empfangsbüros nehmen mehrere, scheinbar willkürlich angeordnete, „klingende“ Namen liechtensteinischer Sagen, wie beispielsweise Tobelhocker, Riese von Guflina oder Verwunschene Tränen direkten Bezug auf die Bildmotive an der Fassade. Ebenso echoartig erinnern die runden, semitransparenten Punkte an der Glaswand, die den Eingangsbereich vom Empfangsbüro trennt, an die Motive der Gebäudefassade. In leichtfüssiger, assoziativer Manier wird somit auch im Entrée des Gebäudes bis hin zu den Sitzungszimmern das Sagenthema weitergeführt.
Bürogebäude an der Zollstrasse, 9490 Vaduz /LI
Akzentuiert wird die Fassade des neuen Bürogebäudes durch verschiedene Bildtafeln, die mit Beginn der Dämmerung hinterleuchtet werden. Die Motive der Bildtafeln illustrieren 16 verschiedene Sagen und Legenden aus Liechtenstein. Die Illustrationen ergeben sich aus einheitlich runden Lochungen, die aus dem bronzefarbenen Aluminiumblech gestanzt wurden. Integriert in die massive Rahmung der Fensterzeilen, verteilen sich die Motivtafeln in rhythmischer Folge auf die süd- und westseitige Fassade des neuen Bürogebäudes. Die stark abstrahierten Bildmotive betonen die klare, geometrische Formensprache der Architektur und verweisen insbesondere auf das reiche inhaltliche Gedankengut zahlreicher Volkserzählungen: Dämonische oder Glaubens-Sagen berichten von der Auseinandersetzung mit dem Jenseitigen, vielfach von Riesen und Zwergen, Zauberern oder Menschen mit übernatürlichen Kräften. Historische Sagen erzählen von ausserordentlichen Gestalten und Ereignissen von Menschen, die Furcht, Grauen oder Bewunderung erregten. Es geht in dieser Gruppe häufig um Helden, Kriege und Notzeiten, „harte Herren“, Mörder und Räuber. Schliesslich widmen sich weitere Sagen dem Woher der Dinge. In diesen Erzählungen sind Deutungen eigenartiger Bildungen der Natur, der Tier- und Pflanzenwelt enthalten.
Im Eingangsbereich des Bürogebäudes sowie an der Theke des Empfangsbüros nehmen mehrere, scheinbar willkürlich angeordnete, „klingende“ Namen liechtensteinischer Sagen, wie beispielsweise Tobelhocker, Riese von Guflina oder Verwunschene Tränen direkten Bezug auf die Bildmotive an der Fassade. Ebenso echoartig erinnern die runden, semitransparenten Punkte an der Glaswand, die den Eingangsbereich vom Empfangsbüro trennt, an die Motive der Gebäudefassade. In leichtfüssiger, assoziativer Manier wird somit auch im Entrée des Gebäudes bis hin zu den Sitzungszimmern das Sagenthema weitergeführt.
FRAGMENT Nr. I
Enkaustik (Mikrowachs), Dispersion und Klebeband auf Spanplatte
FRAGMENT Nr. II
Mikrowachs, Farbe und Klebeband auf Spanplatten
FRAGMENT Nr. III
Mikrowachs, Farbe und Klebeband auf Spanplatten
FRAGMENT Nr. IV
Mikrowachs, Farbe und Klebeband auf Spanplatten
FRAGMENT Nr. V
Mikrowachs, Farbe und Klebeband auf Spanplatten
FRAGMENT Nr. VI
Mikrowachs, Farbe und Klebeband auf Spanplatten
FRAGMENT Nr. VII
Mikrowachs, Farbe und Klebeband auf Spanplatten
ALLMEIND
Kompaktprojekt, 09. – 14.09.13
LAND ART (?) auf der Wiese, unterhalb der Universität Liechtenstein, in Zusammenarbeit mit Studenten der Universität.(…)
Somit stand im Zentrum unserer Auseinandersetzung während den folgenden vier wetterlaunigen Spätsommertagen ein v.a. schweisstreibendes Gemeinschaftsprojekt: Unser zu gestaltendes Terrain war die Allmeind, jene grosse, westseitig gelegene Wiese unterhalb der Universität. Analog den (vorwiegend amerikanischen) Land Art-KünstlerInnen der 70/80iger Jahre, die ihren Arbeiten Elementarformen zugrunde legten, mit denen sie Ordnungssysteme schufen, die u.a. an prähistorische Kulturen erinnerten und nicht selten in ihrer Art an Monumentalität kaum noch zu überbieten waren, peilten wir ebenso eine Gestaltung der Allmeind an, die verdeutlichen mochte, welche Bedeutung und welchen Ort im Universum die Erde im (bzw. nach dem) Zeitalter der Weltraumfahrt (noch) haben kann...!
LAND ART (?) auf der Wiese, unterhalb der Universität Liechtenstein, in Zusammenarbeit mit Studenten der Universität.(…)
Somit stand im Zentrum unserer Auseinandersetzung während den folgenden vier wetterlaunigen Spätsommertagen ein v.a. schweisstreibendes Gemeinschaftsprojekt: Unser zu gestaltendes Terrain war die Allmeind, jene grosse, westseitig gelegene Wiese unterhalb der Universität. Analog den (vorwiegend amerikanischen) Land Art-KünstlerInnen der 70/80iger Jahre, die ihren Arbeiten Elementarformen zugrunde legten, mit denen sie Ordnungssysteme schufen, die u.a. an prähistorische Kulturen erinnerten und nicht selten in ihrer Art an Monumentalität kaum noch zu überbieten waren, peilten wir ebenso eine Gestaltung der Allmeind an, die verdeutlichen mochte, welche Bedeutung und welchen Ort im Universum die Erde im (bzw. nach dem) Zeitalter der Weltraumfahrt (noch) haben kann...!
BREAK DANCE
Aus einer Beschäftigung mit Fragen gesellschafts- und umweltpolitischen Inhalts entwickelte der Künstler Martin Walch für den Kulturkeller der Gemeinde Planken eine raumgreifende und begehbare Bodeninstallation aus handelsüblichen Baumaterialien. Martin Walch konfrontiert den Ausstellungsbesucher mit einem unsicheren, brüchigen Terrain.
2012
HEILPÄDAGOGISCHES ZENTRUM
FENSTERGUCKER
Das Kunst & Bau-Projekt besteht aus mehreren unterschiedlichen Interventionen an diversen Orten der Neu- und Umbauten des Heilpädagogischen Zentrums in Schaan. Die Umsetzungen verstehen sich als architektonisch integrale und zusammengehörende Elemente und verweisen in ihrer Gesamtheit auf die vorgesehene Funktion und Nutzung der Neubauten sowie deren eigentliche Benutzer. Nicht zuletzt zielen sie brückenschlagend auf Gäste und Anwohner einzuwirken.
Die zu öffnenden Flügel der Fensterfronten in den HPZ-Neubauten wurden nach aussen hin, farblich entsprechend dem Fensterrahmen, mit Aluminium-Bildtafeln bestückt. Dafür wurde eine Zeichnung eines Atelier-Klienten als Vorlage verwendet. Die Zeichnung wurde entsprechend ornamental aufbereitet und aus den Aluminiumtafeln herausgeschnitten.
Diese seriell verwendeten, weithin sichtbaren Elemente heben die Zusammengehörigkeit der unterschiedlich genutzten Häuser hervor und betonen die Neubauten. Das ornamentale Motiv der Aluminiumtafeln wirkt stimulierend und einladend auf Gäste und Bewohner des Hauses.
FARBBLICKE
Die gestalterischen, formalen Qualitäten der architektonisch schlichten Neubauten liegen in ihrer Einfachheit und Rhythmik, wie auch in der zurückhaltenden Zahl der sichtbaren Baumaterialien (Beton, Glas und Holz), insbesondere dem hohen Glasanteil, der viele Licht- und Einblicke bietet, ein vielfältiges Licht und Schattenspiel gewährt. Die in diesem Kontext entwickelte Kunst&Bau-Maßnahme setzt eingefärbtes Glas ein, um unsere visuelle und die daran gekoppelte emotionale Wahrnehmung zu stimulieren. In sämtlichen Neubauten wurden einzelne ausgesuchte, ausschliesslich in Innenräume weisende, ganze Glaselemente durch monochrom eingefärbte Glasscheiben ersetzt.
GOLDTALER
Jeweils im Eingangsbereich bzw. im Stiegenhaus der HPZ-Neubauten wurden die Schalungslöcher einzelner Sichtbetonwände mit Betonbolzen gefüllt, die von Schülern des HPZ sowie von den verschiedenen Werkstätten des HPZ bemalt wurden. Diese aus der Distanz als Farbpunkte, doch aus der Nähe als kleine, kreisrund wahrgenommenen Gemälde wecken womöglich spontane Erinnerungen, rufen vielleicht so genannte Gedankenblitze hervor oder erfreuen aufgrund ihrer Vielfalt, ihrer liebevollen Ausgestaltung und markieren, kontrastierend zur monotonen Anordnung derselben, die Vielfalt in der Einfalt - das Grosse im Kleinen - das Besondere im Alltag ...
Das Kunst & Bau-Projekt besteht aus mehreren unterschiedlichen Interventionen an diversen Orten der Neu- und Umbauten des Heilpädagogischen Zentrums in Schaan. Die Umsetzungen verstehen sich als architektonisch integrale und zusammengehörende Elemente und verweisen in ihrer Gesamtheit auf die vorgesehene Funktion und Nutzung der Neubauten sowie deren eigentliche Benutzer. Nicht zuletzt zielen sie brückenschlagend auf Gäste und Anwohner einzuwirken.
Die zu öffnenden Flügel der Fensterfronten in den HPZ-Neubauten wurden nach aussen hin, farblich entsprechend dem Fensterrahmen, mit Aluminium-Bildtafeln bestückt. Dafür wurde eine Zeichnung eines Atelier-Klienten als Vorlage verwendet. Die Zeichnung wurde entsprechend ornamental aufbereitet und aus den Aluminiumtafeln herausgeschnitten.
Diese seriell verwendeten, weithin sichtbaren Elemente heben die Zusammengehörigkeit der unterschiedlich genutzten Häuser hervor und betonen die Neubauten. Das ornamentale Motiv der Aluminiumtafeln wirkt stimulierend und einladend auf Gäste und Bewohner des Hauses.
FARBBLICKE
Die gestalterischen, formalen Qualitäten der architektonisch schlichten Neubauten liegen in ihrer Einfachheit und Rhythmik, wie auch in der zurückhaltenden Zahl der sichtbaren Baumaterialien (Beton, Glas und Holz), insbesondere dem hohen Glasanteil, der viele Licht- und Einblicke bietet, ein vielfältiges Licht und Schattenspiel gewährt. Die in diesem Kontext entwickelte Kunst&Bau-Maßnahme setzt eingefärbtes Glas ein, um unsere visuelle und die daran gekoppelte emotionale Wahrnehmung zu stimulieren. In sämtlichen Neubauten wurden einzelne ausgesuchte, ausschliesslich in Innenräume weisende, ganze Glaselemente durch monochrom eingefärbte Glasscheiben ersetzt.
GOLDTALER
Jeweils im Eingangsbereich bzw. im Stiegenhaus der HPZ-Neubauten wurden die Schalungslöcher einzelner Sichtbetonwände mit Betonbolzen gefüllt, die von Schülern des HPZ sowie von den verschiedenen Werkstätten des HPZ bemalt wurden. Diese aus der Distanz als Farbpunkte, doch aus der Nähe als kleine, kreisrund wahrgenommenen Gemälde wecken womöglich spontane Erinnerungen, rufen vielleicht so genannte Gedankenblitze hervor oder erfreuen aufgrund ihrer Vielfalt, ihrer liebevollen Ausgestaltung und markieren, kontrastierend zur monotonen Anordnung derselben, die Vielfalt in der Einfalt - das Grosse im Kleinen - das Besondere im Alltag ...
2010
PRÄTTIGAUER WANDERSMANN
Detailansicht, 14-teilig
Sprüche, Zeichnungen, Graffitis überlagern einander dicht auf den vierzehn Tischplatten von Schulbänken, die kürzlich eigentlich hätten entsorgt werden sollen. Erstaunlich, wie farbenprächtig Schülerinnen und Schüler die Tischplatten im Unterricht nicht nur mit Kugelschreibern beschrifteten, sondern mit veritablen Farben bemalten. Ein kollektives Kunstwerk von einer Dichte, die von einer Einzelperson so kaum zustande zu bringen wäre, ist mit der Beiläufigkeit heimlicher Kritzeleien organisch gewachsen.
Dass Martin Walch die Tischplatten vor der Fahrt in die Kehrichtverbrennung bewahrte, sie von den Bänken löste, mit Stahlhalterungen versah, die es ermöglichen, das schwere bemalte und beschriftete Holz wie das Bild eines alten Meisters leicht abgehoben von der Wand zu präsentieren, sagt uns vielleicht, dass ihm Reaktion, Interaktion so wichtig ist wie seine persönliche künstlerische Handschrift. Oft schafft er Versuchsanordnungen oder ein formales Gerüst für zwischen den Formen vibrierende Prozesse, die in ihrem Oszillieren ihrer Flüchtigkeit das Eigentliche seiner Kunst ausmachen.
Thomas G. Brunner
Sprüche, Zeichnungen, Graffitis überlagern einander dicht auf den vierzehn Tischplatten von Schulbänken, die kürzlich eigentlich hätten entsorgt werden sollen. Erstaunlich, wie farbenprächtig Schülerinnen und Schüler die Tischplatten im Unterricht nicht nur mit Kugelschreibern beschrifteten, sondern mit veritablen Farben bemalten. Ein kollektives Kunstwerk von einer Dichte, die von einer Einzelperson so kaum zustande zu bringen wäre, ist mit der Beiläufigkeit heimlicher Kritzeleien organisch gewachsen.
Dass Martin Walch die Tischplatten vor der Fahrt in die Kehrichtverbrennung bewahrte, sie von den Bänken löste, mit Stahlhalterungen versah, die es ermöglichen, das schwere bemalte und beschriftete Holz wie das Bild eines alten Meisters leicht abgehoben von der Wand zu präsentieren, sagt uns vielleicht, dass ihm Reaktion, Interaktion so wichtig ist wie seine persönliche künstlerische Handschrift. Oft schafft er Versuchsanordnungen oder ein formales Gerüst für zwischen den Formen vibrierende Prozesse, die in ihrem Oszillieren ihrer Flüchtigkeit das Eigentliche seiner Kunst ausmachen.
Thomas G. Brunner
2009
BÜGELFALTEN
Gemeinsam mit Tochter Zora zeigt Martin Walch eine Installation mit einer Kinder-Bügelstation, auf der sich Berge gebügelter Taschentücher stapeln. Diese Arbeit bedient oberflächlich gesehen ein geschlechtsspezifisches Klischee: das Mädchens wird zur Hausarbeit herangezogen, um es schon frühzeitig auf ihr zukünftiges Familienleben und ihre Rolle als Hausfrau vorzubereiten. Mädchen werden im allgemeinen nicht nur von der Mutter im eigenen Haushalt in die Techniken der Hausarbeit eingewiesen, sondern oft wird auch ihr kindliches Spiel pädagogisch genutzt, um sie in die von ihr gesellschaftlich vorgesehene Rolle zu drängen. Schaut man genauer hin, stellt sich die Installation aber als ein ironischer Kommentar zur Hausarbeit und Rolle der Frau dar. Nicht nur die absurd hoch gestapelten, präzise gebügelten Taschentücher, sondern auch das gerade in Arbeit befindliche Taschentuch mit den Faltmarkierungen und Bezeichnungen Erste, zweite und letzte Faltung verweisen auf die oft in Pedanterie ausartende Ordnungs- und Sauberkeitssucht bei der Hausarbeit. Auch im Titel Bügelfalten, ein Begriff, der sich üblicherweise nur auf Hosen und Hemden bezieht und nicht auf Taschentücher, wird das häusliche Treiben als fragwürdiges Konstrukt entlarvt, sobald es bestimmte Ausmaße annimmt.
Januar 2010 /Petra Noll
Januar 2010 /Petra Noll
2007
TABULA I. - XIV.
Detailansicht, 14-teilig
Sprüche, Zeichnungen, Graffitis überlagern einander dicht auf den vierzehn Tischplatten von Schulbänken, die kürzlich eigentlich hätten entsorgt werden sollen. Erstaunlich, wie farbenprächtig Schülerinnen und Schüler die Tischplatten im Unterricht nicht nur mit Kugelschreibern beschrifteten, sondern mit veritablen Farben bemalten. Ein kollektives Kunstwerk von einer Dichte, die von einer Einzelperson so kaum zustande zu bringen wäre, ist mit der Beiläufigkeit heimlicher Kritzeleien organisch gewachsen.
Dass Martin Walch die Tischplatten vor der Fahrt in die Kehrichtverbrennung bewahrte, sie von den Bänken löste, mit Stahlhalterungen versah, die es ermöglichen, das schwere bemalte und beschriftete Holz wie das Bild eines alten Meisters leicht abgehoben von der Wand zu präsentieren, sagt uns vielleicht, dass ihm Reaktion, Interaktion so wichtig ist wie seine persönliche künstlerische Handschrift. Oft schafft er Versuchsanordnungen oder ein formales Gerüst für zwischen den Formen vibrierende Prozesse, die in ihrem Oszillieren ihrer Flüchtigkeit das Eigentliche seiner Kunst ausmachen.
Thomas G. Brunner
Sprüche, Zeichnungen, Graffitis überlagern einander dicht auf den vierzehn Tischplatten von Schulbänken, die kürzlich eigentlich hätten entsorgt werden sollen. Erstaunlich, wie farbenprächtig Schülerinnen und Schüler die Tischplatten im Unterricht nicht nur mit Kugelschreibern beschrifteten, sondern mit veritablen Farben bemalten. Ein kollektives Kunstwerk von einer Dichte, die von einer Einzelperson so kaum zustande zu bringen wäre, ist mit der Beiläufigkeit heimlicher Kritzeleien organisch gewachsen.
Dass Martin Walch die Tischplatten vor der Fahrt in die Kehrichtverbrennung bewahrte, sie von den Bänken löste, mit Stahlhalterungen versah, die es ermöglichen, das schwere bemalte und beschriftete Holz wie das Bild eines alten Meisters leicht abgehoben von der Wand zu präsentieren, sagt uns vielleicht, dass ihm Reaktion, Interaktion so wichtig ist wie seine persönliche künstlerische Handschrift. Oft schafft er Versuchsanordnungen oder ein formales Gerüst für zwischen den Formen vibrierende Prozesse, die in ihrem Oszillieren ihrer Flüchtigkeit das Eigentliche seiner Kunst ausmachen.
Thomas G. Brunner
BAKUBA
BAKUBA - cultural synonym
der monotone, jedoch polyphone gesang der young girls from burundi unterstreicht die inhaltliche fragestellung dieses filmischen parallellaufs zweier grundverschiedener dinge. in der linken bildhälfte eilt von oben nach unten der leuchtend orange-rote, knapp 10m lange wickelrock eines ehemaligen dorfhäuptlings der uferbewohner des sankuru /kuba (zaïre /afrika). es handelt sich um eine textile komposition, aus kante an kante genähten zumeist rechteckigen stoffstücken - ein ethnologisch, aber auch gestalterisch wertvolles relikt schwindender afrikanischer stammeskultur auf der rechten hälfte des filmbildes laufen in ähnlich rascher folge, doch in entgegengesetzter richtung, also von unten nach oben, unterschiedlich grosse, ebenfalls meist rechteck-förmige asphaltausbesserungen durch das ausschnitthafte blickfeld. dieser schwimmende ritt über die graue, 5300 m lange feldstrasse von mittergoggitsch bei st. marein /graz nach st. margarethen an der raab in der steiermark (österreich) wird akustisch getragen von dem zivilisierten motorenlärm eines volvo 740 kombi...
die lange tradition notdürftiger aussbesserungen eines alltäglichen kleidungsstückes mit hilfe von kleineren und grösseren stoffresten, führte in bakuba schliesslich zu wohlgestalteten, erhaltungswürdigen ehren- und repräsentationsgewändern, die stammesführern, dorfältesten oder gar häuptlingen vorbehalten waren. Die wohl brennende fragestellung dieser filmischen gegenüberstellung basiert also auf der vermutung, dass steirische tiefbau-fachkräfte sich von der scheinbar konzeptuellen, konsequent weiterentwickelten tradition der bakuba in zaïre inspirieren liessen, in der hoffnung, einmal für könige ... ?
der monotone, jedoch polyphone gesang der young girls from burundi unterstreicht die inhaltliche fragestellung dieses filmischen parallellaufs zweier grundverschiedener dinge. in der linken bildhälfte eilt von oben nach unten der leuchtend orange-rote, knapp 10m lange wickelrock eines ehemaligen dorfhäuptlings der uferbewohner des sankuru /kuba (zaïre /afrika). es handelt sich um eine textile komposition, aus kante an kante genähten zumeist rechteckigen stoffstücken - ein ethnologisch, aber auch gestalterisch wertvolles relikt schwindender afrikanischer stammeskultur auf der rechten hälfte des filmbildes laufen in ähnlich rascher folge, doch in entgegengesetzter richtung, also von unten nach oben, unterschiedlich grosse, ebenfalls meist rechteck-förmige asphaltausbesserungen durch das ausschnitthafte blickfeld. dieser schwimmende ritt über die graue, 5300 m lange feldstrasse von mittergoggitsch bei st. marein /graz nach st. margarethen an der raab in der steiermark (österreich) wird akustisch getragen von dem zivilisierten motorenlärm eines volvo 740 kombi...
die lange tradition notdürftiger aussbesserungen eines alltäglichen kleidungsstückes mit hilfe von kleineren und grösseren stoffresten, führte in bakuba schliesslich zu wohlgestalteten, erhaltungswürdigen ehren- und repräsentationsgewändern, die stammesführern, dorfältesten oder gar häuptlingen vorbehalten waren. Die wohl brennende fragestellung dieser filmischen gegenüberstellung basiert also auf der vermutung, dass steirische tiefbau-fachkräfte sich von der scheinbar konzeptuellen, konsequent weiterentwickelten tradition der bakuba in zaïre inspirieren liessen, in der hoffnung, einmal für könige ... ?
2006
MON PETIT JARDIN
Mon petit Jardin, eine Arbeit in progress, war inspiriert von den in Japan besuchten Zengärten, ihrem geistig meditativen Gehalt, wie auch ihrer übersteigerten und doch naturverpflichteten Künstlichkeit. Das Kunstwerk inszenierte, eingebettet in die erhabene Naturlandschaft des Silvrettagebietes ein rituelles, meditatives Gebaren rund um Leben und Tod, entdeckte (?) oder täuschte einen Ort des geistigen und elementaren Kräfteausgleichs zwischen Mensch und Natur vor.
2004
FLOSS
Brunnen vor dem Betagtenheim Haus im Bongert in Azmoos/CH
Einerseits will der sprudelnde Brunnen vor dem neuen Betagtenheim in Azmoos als eine Art Bindeglied zwischen dem geschichtlich gewachsenen Dorfbild und dem Neubau, der aufgrund seiner markanten, strukturellen Architektur sich als gelungenes, zeitgenössisches Manifest mächtig in das bauliche Umfeld einbringt, verstanden werden. Auch in früheren Zeiten stand im Zentrum eines Dorfes meist ein großer, stattlicher Brunnen, der neben seiner Funktion als Wasserlieferant für Mensch und Tier, stets auch als harmonisches Bindeglied zum Umfeld verstanden wurde...
Andererseits schlägt der Brunnen mit seinen formalen, aber auch seinen augenfälligen, inhaltlichen Qualitäten (z.B. dem Neben- und Miteinander von Wasser, naturbelassenem Holz, das den ökologischen Kreislauf andeutet und kontrastierendem, glattem Sichtbeton, als ein Zeichen des zivilisatorischen Fortschritts,...) jene erwünschte Brücke zwischen Tradition und Moderne in gehaltvoller, doch heiterer Manier. Nicht zuletzt wird auch die geschichtliche, wie gegenwärtige Bedeutung von Holz in Wald- /Forstwirtschaft und Wasser für die Gemeinde Wartau im Projekt FLOSS angesprochen.
Die lose treibenden Baumstämme im überlaufenden Becken wecken mannigfaltige Assoziationen und lenken auch aufgrund ihrer Beschaffenheit die Gedanken auf die Vergänglichkeit alles Organischen, dem die kleinen, eitlen Wasserfontänen aus den Ästen der Stämme kokett und heiter ein Schnippchen schlagen...
Einerseits will der sprudelnde Brunnen vor dem neuen Betagtenheim in Azmoos als eine Art Bindeglied zwischen dem geschichtlich gewachsenen Dorfbild und dem Neubau, der aufgrund seiner markanten, strukturellen Architektur sich als gelungenes, zeitgenössisches Manifest mächtig in das bauliche Umfeld einbringt, verstanden werden. Auch in früheren Zeiten stand im Zentrum eines Dorfes meist ein großer, stattlicher Brunnen, der neben seiner Funktion als Wasserlieferant für Mensch und Tier, stets auch als harmonisches Bindeglied zum Umfeld verstanden wurde...
Andererseits schlägt der Brunnen mit seinen formalen, aber auch seinen augenfälligen, inhaltlichen Qualitäten (z.B. dem Neben- und Miteinander von Wasser, naturbelassenem Holz, das den ökologischen Kreislauf andeutet und kontrastierendem, glattem Sichtbeton, als ein Zeichen des zivilisatorischen Fortschritts,...) jene erwünschte Brücke zwischen Tradition und Moderne in gehaltvoller, doch heiterer Manier. Nicht zuletzt wird auch die geschichtliche, wie gegenwärtige Bedeutung von Holz in Wald- /Forstwirtschaft und Wasser für die Gemeinde Wartau im Projekt FLOSS angesprochen.
Die lose treibenden Baumstämme im überlaufenden Becken wecken mannigfaltige Assoziationen und lenken auch aufgrund ihrer Beschaffenheit die Gedanken auf die Vergänglichkeit alles Organischen, dem die kleinen, eitlen Wasserfontänen aus den Ästen der Stämme kokett und heiter ein Schnippchen schlagen...
2002
UNIVERSITÄT LIECHTENSTEIN
Kunst & Bau-Intervention auf dem Universitätscampus: "Zeugen einer prähistorischen Textilfabrik?"
WANDERSMANN
Vom Gipfelkreuz zum Kirchturm, vom Kirchturm zum Gipfelkreuz, vom Gipfel hinab ins Tal, vom Kreuz im Tal hinauf in die Höhe, bergauf und bergab in einem schwindelerregenden Tempo. Kaum angekommen, geht es schon wieder los. Im Hintergrund ist ein leichtfüssig klingender Pfeifton "Mein Vater war ein Wandersmann" zu hören. Lange und anstrengende Wanderungen, die den Zeitraum von Frühjahr bis Herbst umfassen, liegen dieser Arbeit zugrunde. Einzig ausgerüstet mit einer Videokamera, ohne weitere Hilfsmittel zog Martin Walch bergauf und bergab. Das flüchtige Pfeifen scheint die Mühe des Gehens zu kaschieren, und zugleich treibt es voran, beschleunigt durch Zeitsprünge und Zooms. Zudem unterstreicht das windähnliche, zischende Geräusch, verursacht vom überhöht abgespielten Tempo des Originaltons der Umgebung, als auch der Zoomgeräusche der Kamera noch einmal mehr die Schnelligkeit. Der Videoloop WANDERSMANN, entstanden aus einem zeitintensiven und langsamen Prozess, wird zu einem medialen Rundlauf im Liechtensteiner Rheintal und seinem Alpenland. Er schafft eine Komprimierung von Raum und Zeit, von Berg und Tal, zoomt sich mit kaum fassbaren Zeitsprüngen durch die Luft. In der zur Arbeit gehörenden Landkarte zeichnen die roten Markierungen die Luftlinien nach, lassen den Weg erahnen, und bilden zugleich eine abstrahierte Figur. Die Romantik der Gipfelersteigung, die Erhabenheit der Berge wird in WANDERSMANN von rasanten Zooms und schnellen Schnitten konterkariert. Es entsteht eine humorvolle und zugleich symbolhafte Collage über die Schnelllebigkeit unseres Daseins, die die Dimensionen unserer Erlebnis- und Wahrnehmungsfähigkeit anspricht.
Martin Walch und Christiane Meyer-Stoll /Oktober 2010
Martin Walch und Christiane Meyer-Stoll /Oktober 2010
VERLORENE IDEE
Im Krieg gegen den Terror hat selbst in unseren Breitengraden auch die zentralasiatische Republik Kyrgyzstan aufgrund ihrer Nähe zu Afganistan an Bedeutung gewonnen. Zumindest also auf politischer Ebene empfängt dieses junge, alte Land seither nun auch im Westen ein wenig Beachtung. Ist noch vor einem Jahr unser Ansuchen auf eine Unterstützung des Kunstprojektes: Art dialogue: Zentralasien - Europa vom österreichischen Bundeskanzleramt mit der Begründung einer politischen und kulturellen Irrelevanz des Vorhabens abgelehnt worden, so gibt es dieses Jahr für ein Folgeprojekt in derselben Region zumindest die Aussicht, dass den österreichischen Teilnehmern die Flüge bezahlt werden... - vielleicht eine Folge des jüngsten Krieges gegen die Achse des Bösen?
Jedenfalls verdient dieses Land gewiss die Aufmerksamkeit des Westens - wohl weniger aufgrund seiner geographischen und politischen Position, als vielmehr aufgrund seiner überaus reichen Kulturgeschichte und seiner wunderbaren, vielerorts unberührten, wertvollen Naturlandschaften... Zum Beispiel liegt rund um den Issyk-Kul, dem größten See Kirgistans, das angeblich drittgrößte Naturschutzgebiet der Welt mit dem jedoch wesentlichen Unterschied, dass dieses Land im Vergleich zu den zwei größeren, mehr oder weniger unbesiedelten Territorien von ca. vierhunderttausend Menschen bewohnt und vorwiegend landwirtschaftlich genutzt wird. Welchen immensen Aufwand allein die Aufklärungsarbeit innerhalb der betroffenen Bevölkerung und die spezifische Nutzung und Bewirtschaftung dieses Schutzgebietes mit sich bringt, ist leicht vorstellbar, besonders wenn man bedenkt, daß auf dem Lande eine Arbeitslosigkeit von bis zu 100% der Bevölkerung angegeben wird... Verpflichtungen, aber wohl auch eine große Chance für die reicheren Länder (Europas)...
Die im Zusammenhang mit einem einmonatigen Aufenthalt in diesem Land entstandenen Tiefdrucke und Fotografien werden hier vorgestellt. Es sind dies sechs Kupferplatten Radierungen (à 40 x 40 cm), sowie mehrere Farb- und Schwarzweiß - Fotografien. Inhaltlich beschränken sich die Arbeiten auf ein spezifisches Thema: die Radierungen zeigen vorwiegend Ansichten von Wohnblöcken und Industriebauten, wie sie während der kommunistischen Ära mehrheitlich gebaut wurden. Heute stehen vielerorts diese überdimensionierten mächtigen Bauten leer, sind heruntergewirtschaftet, scheinen fremdartig, gemiedenen (Tabu-) Zonen gleich, in teils wundervoller, unberührter Landschaft (auch außerhalb von Städten) selbstvergessen und übrig geblieben allmählich zu zerfallen. Oft sind solche Bauwerke auch in unfertigem Zustand (mit Baukran,...) nach dem Kollaps in einen Dornröschenschlaf verfallen, sodass sich auf den ersten Blick nicht eindeutig feststellen lässt, ob hier nun gebaut oder abgerissen wird..., bis schließlich erkannt wird, dass hier nichts von beidem geschieht. Die Radierungen tragen den Titel: Verlorene Idee / Lost Idea. Er mag ganz allgemein auf die Problematik einer (kurz- oder langlebigen, flüchtigen oder dauerhaften) Idee verweisen; die Ruine als solche, ihre Bedeutung, ihren Wert und nicht zuletzt romantischen Charme innerhalb einer postmodernen Gesellschaft möchte hinterfragt werden. Die schematische, bloß angedeutete Darstellung der Bauten, die durch den Gebrauch einer einzelnen, einfachen Ätztechnik zusätzlich betont wird, soll jenen fragilen und unbestimmten, offenen, vielleicht auch etwas verlorenen Charakter hervorheben, der einer (flüchtigen) Idee innewohnt, doch innerhalb (insbes. neuerer) Architektur kaum erwartet wird.
2002 / Martin Walch
Jedenfalls verdient dieses Land gewiss die Aufmerksamkeit des Westens - wohl weniger aufgrund seiner geographischen und politischen Position, als vielmehr aufgrund seiner überaus reichen Kulturgeschichte und seiner wunderbaren, vielerorts unberührten, wertvollen Naturlandschaften... Zum Beispiel liegt rund um den Issyk-Kul, dem größten See Kirgistans, das angeblich drittgrößte Naturschutzgebiet der Welt mit dem jedoch wesentlichen Unterschied, dass dieses Land im Vergleich zu den zwei größeren, mehr oder weniger unbesiedelten Territorien von ca. vierhunderttausend Menschen bewohnt und vorwiegend landwirtschaftlich genutzt wird. Welchen immensen Aufwand allein die Aufklärungsarbeit innerhalb der betroffenen Bevölkerung und die spezifische Nutzung und Bewirtschaftung dieses Schutzgebietes mit sich bringt, ist leicht vorstellbar, besonders wenn man bedenkt, daß auf dem Lande eine Arbeitslosigkeit von bis zu 100% der Bevölkerung angegeben wird... Verpflichtungen, aber wohl auch eine große Chance für die reicheren Länder (Europas)...
Die im Zusammenhang mit einem einmonatigen Aufenthalt in diesem Land entstandenen Tiefdrucke und Fotografien werden hier vorgestellt. Es sind dies sechs Kupferplatten Radierungen (à 40 x 40 cm), sowie mehrere Farb- und Schwarzweiß - Fotografien. Inhaltlich beschränken sich die Arbeiten auf ein spezifisches Thema: die Radierungen zeigen vorwiegend Ansichten von Wohnblöcken und Industriebauten, wie sie während der kommunistischen Ära mehrheitlich gebaut wurden. Heute stehen vielerorts diese überdimensionierten mächtigen Bauten leer, sind heruntergewirtschaftet, scheinen fremdartig, gemiedenen (Tabu-) Zonen gleich, in teils wundervoller, unberührter Landschaft (auch außerhalb von Städten) selbstvergessen und übrig geblieben allmählich zu zerfallen. Oft sind solche Bauwerke auch in unfertigem Zustand (mit Baukran,...) nach dem Kollaps in einen Dornröschenschlaf verfallen, sodass sich auf den ersten Blick nicht eindeutig feststellen lässt, ob hier nun gebaut oder abgerissen wird..., bis schließlich erkannt wird, dass hier nichts von beidem geschieht. Die Radierungen tragen den Titel: Verlorene Idee / Lost Idea. Er mag ganz allgemein auf die Problematik einer (kurz- oder langlebigen, flüchtigen oder dauerhaften) Idee verweisen; die Ruine als solche, ihre Bedeutung, ihren Wert und nicht zuletzt romantischen Charme innerhalb einer postmodernen Gesellschaft möchte hinterfragt werden. Die schematische, bloß angedeutete Darstellung der Bauten, die durch den Gebrauch einer einzelnen, einfachen Ätztechnik zusätzlich betont wird, soll jenen fragilen und unbestimmten, offenen, vielleicht auch etwas verlorenen Charakter hervorheben, der einer (flüchtigen) Idee innewohnt, doch innerhalb (insbes. neuerer) Architektur kaum erwartet wird.
2002 / Martin Walch
2001
TRAUMFÄNGER
Rauminstallation von 6 verschiedenen Motivgittern (à 6m Höhe, Motivgrösse: 260 x 150 cm) bei der Primarschule Planken, FL Stahlrohr verzinkt
REGENZEIT
im Forum Stadtpark in Graz /A
Martin Walch's Beitrag zur Ausstellung YUNIKU (- echt japanisch) im Forum Stadtpark/Graz basiert auf äußerst regenreichen Naturerfahrungen mit deren unberechenbaren Manifestationen, auf feuchtschwülen, triefendnassen Alltagsbegebenheiten ebenso, wie auf verwässerten und aufgequollenen Erinnerungen an den alljährlich wiederkehrenden Frühsommer-Monsun in Japan.
Der kunstvoll installierte Regenmacher entlang der Fensterfassade des Forum Stadtpark verweist also unverkennbar nicht bloß auf die bisweilen prekären Hochwassersituationen oder die gewaltigen Regenschirmplagen innerhalb der japanischen Landesgrenzen, sondern auch auf die dorten beängstigend gefräßig grünen, alles verschlingenden Ausgeburten der organischen Natur...
Martin Walch's Beitrag zur Ausstellung YUNIKU (- echt japanisch) im Forum Stadtpark/Graz basiert auf äußerst regenreichen Naturerfahrungen mit deren unberechenbaren Manifestationen, auf feuchtschwülen, triefendnassen Alltagsbegebenheiten ebenso, wie auf verwässerten und aufgequollenen Erinnerungen an den alljährlich wiederkehrenden Frühsommer-Monsun in Japan.
Der kunstvoll installierte Regenmacher entlang der Fensterfassade des Forum Stadtpark verweist also unverkennbar nicht bloß auf die bisweilen prekären Hochwassersituationen oder die gewaltigen Regenschirmplagen innerhalb der japanischen Landesgrenzen, sondern auch auf die dorten beängstigend gefräßig grünen, alles verschlingenden Ausgeburten der organischen Natur...
2000
ENDOFIN
Das im Rahmen des Silvrett´Atelier 2000, Vlbg. /A entstandene Videoloop schafft eine Komprimierung von Raum und Zeit. Mit Hilfe amateurhafter Kameraführung, Digitalzoom, Zeitraffer und Zeitlupe sowie pointiertem Einsatz des Originaltons gelingt eine raum- und zeitkritische, symbolhafte Collage, welche neben ihrem humoristischen Ansatz offensichtlich die Schnelllebigkeit unseres Daseins, aber auch allgemein die Dimensionen unserer Erlebnis- und Wahrnehmungsfähigkeit anspricht.
KML 2000
25-teilige Fotoserie
Inszenierte Fotografie im Kunstmuseum Liechtenstein (Auftragsarbeit), anlässlich der Eröffnungsausstellung des Hauses.
Inszenierte Fotografie im Kunstmuseum Liechtenstein (Auftragsarbeit), anlässlich der Eröffnungsausstellung des Hauses.
1999
SUCCESS
3 Kundenraumgestaltungen
(Elsbeer furniert, mit Stichsäge gesägt)LGT-Bank, Vaduz /FL
Während das Ornament im allgemeinen als schmückende Zutat und in diesem Sinne bedeutungsfrei und ausschliesslich ästhetisch aufzufassen ist, wird es im Werk von Martin Walch zum Träger eines gedanklichen Prinzips. Mit ornamentalen Mustern setzt der Künstler seine Reflexionen über alltägliche Ordnungsstrukturen und deren Wirkung auf gesellschaftliches Zusammenleben formal um. Ein zentraler Gedanke kreist um die Gratwanderung zwischen schönem Schein und realem Sein. Die Ästhetik der Ornamente, mit denen beispielsweise geschmiedete Zäune, Tore oder Fenstergitter gestaltet sind, haben eine zwiespältige Wirkung: Obwohl sie Blick und Zutritt verwehren sollen, verführen sie zum Hin- und Durchschauen, regen voyeuristisches Verhalten an. Sie wollen einerseits Dekoration sein und andererseits begrenzen und ein Gefühl der Sicherheit vermitteln. Begrenzung und Sicherheit bewegen sich aber gewissermassen nur im symbolischen Bereich, denn meist sind die Gitter sowohl mit dem Auge als auch körperlich leicht zu überwinden. Es entsteht somit ein Vexierspiel zwischen oberflächlichem Geschehen und inhaltlichem Hintergrund. Dies wird auch in den Motivtafeln für die LGT Bank in Liechtenstein wirksam.
Martin Walch hat für diese Arbeiten das gleiche Material gewählt, welches für die Möblierung der Räume verwendet wurde. Die Tafeln schliessen jeweils direkt an einen Schrank oder einen Türrahmen an und integrieren durch exakten Ausschnitt die Wandleuchten; sie sind breiter als die von Aluminiumschienen begrenzten Wandsegmente. Indem die künstlerische Arbeit das gleiche edle Material verwendet, sich aber mit ihren Massen nicht an die Wandstruktur hält, entsteht das erste Moment der Irritation. Was zunächst als Dekorationselement begriffen werden mag, weist bei näherem Hinsehen scheinbare qualitative Schwächen auf: Die Wandschiene ist durch das Ornament sichtbar und stört die Ästhetik; dieser Eindruck wird verstärkt, wenn man aus der Nähe die Unregelmässigkeit der Ornamentränder gewahrt. Zudem wird das Innenleben der kostbar furnierten Holztafeln sichtbar, die auf diese Weise ihre Wertigkeit offenbaren. Der Künstler sägt die Motive mit der Stichsäge manuell aus und kalkuliert bewusst leichte Unebenheiten und unsaubere Ränder ein. Edles Material und Ornament vermitteln oberflächlich - ähnlich wie die erwähnten geschmiedeten Gitter - den Eindruck von Solidität und Sicherheit; durch den künstlerischen Eingriff soll auf die Verletzlichkeit und Fragwürdigkeit von Ordnungsstrukturen und Wertvorstellungen aufmerksam gemacht werden.
Für eine der Arbeiten wählt Martin Walch ein Zitat aus Samuel Becketts Roman "Watt" und erreicht damit eine zusätzliche Irritation, da man ohne Kenntnis der literarischen Quelle keinen Sinnzusammenhang herstellen kann. Die Buchstaben begreift er ebenfalls als Ornamente und die sprachlichen Strukturen Becketts folgen bisweilen einem Rhythmus, welcher den Künstler an andere Ordnungsprinzipien erinnert. Das Erzählte in Becketts Roman ist bruchstückhaft und wird ständig in Frage gestellt, was sich bereits im Namen des Titelhelden (Watt = what = was?) andeutet. Auch Mr. Knott (Knott = not = nicht) spielt seine Rolle und steht für die Sprachlosigkeit des Menschen. Martin Walch greift dieses Spiel mit Worten und ihrer Doppeldeutigkeit auf und setzt den Text in seinem Werk so, dass neue Bedeutungen und Wertungen entstehen können.
Cornelia Wieczorek
(Elsbeer furniert, mit Stichsäge gesägt)LGT-Bank, Vaduz /FL
Während das Ornament im allgemeinen als schmückende Zutat und in diesem Sinne bedeutungsfrei und ausschliesslich ästhetisch aufzufassen ist, wird es im Werk von Martin Walch zum Träger eines gedanklichen Prinzips. Mit ornamentalen Mustern setzt der Künstler seine Reflexionen über alltägliche Ordnungsstrukturen und deren Wirkung auf gesellschaftliches Zusammenleben formal um. Ein zentraler Gedanke kreist um die Gratwanderung zwischen schönem Schein und realem Sein. Die Ästhetik der Ornamente, mit denen beispielsweise geschmiedete Zäune, Tore oder Fenstergitter gestaltet sind, haben eine zwiespältige Wirkung: Obwohl sie Blick und Zutritt verwehren sollen, verführen sie zum Hin- und Durchschauen, regen voyeuristisches Verhalten an. Sie wollen einerseits Dekoration sein und andererseits begrenzen und ein Gefühl der Sicherheit vermitteln. Begrenzung und Sicherheit bewegen sich aber gewissermassen nur im symbolischen Bereich, denn meist sind die Gitter sowohl mit dem Auge als auch körperlich leicht zu überwinden. Es entsteht somit ein Vexierspiel zwischen oberflächlichem Geschehen und inhaltlichem Hintergrund. Dies wird auch in den Motivtafeln für die LGT Bank in Liechtenstein wirksam.
Martin Walch hat für diese Arbeiten das gleiche Material gewählt, welches für die Möblierung der Räume verwendet wurde. Die Tafeln schliessen jeweils direkt an einen Schrank oder einen Türrahmen an und integrieren durch exakten Ausschnitt die Wandleuchten; sie sind breiter als die von Aluminiumschienen begrenzten Wandsegmente. Indem die künstlerische Arbeit das gleiche edle Material verwendet, sich aber mit ihren Massen nicht an die Wandstruktur hält, entsteht das erste Moment der Irritation. Was zunächst als Dekorationselement begriffen werden mag, weist bei näherem Hinsehen scheinbare qualitative Schwächen auf: Die Wandschiene ist durch das Ornament sichtbar und stört die Ästhetik; dieser Eindruck wird verstärkt, wenn man aus der Nähe die Unregelmässigkeit der Ornamentränder gewahrt. Zudem wird das Innenleben der kostbar furnierten Holztafeln sichtbar, die auf diese Weise ihre Wertigkeit offenbaren. Der Künstler sägt die Motive mit der Stichsäge manuell aus und kalkuliert bewusst leichte Unebenheiten und unsaubere Ränder ein. Edles Material und Ornament vermitteln oberflächlich - ähnlich wie die erwähnten geschmiedeten Gitter - den Eindruck von Solidität und Sicherheit; durch den künstlerischen Eingriff soll auf die Verletzlichkeit und Fragwürdigkeit von Ordnungsstrukturen und Wertvorstellungen aufmerksam gemacht werden.
Für eine der Arbeiten wählt Martin Walch ein Zitat aus Samuel Becketts Roman "Watt" und erreicht damit eine zusätzliche Irritation, da man ohne Kenntnis der literarischen Quelle keinen Sinnzusammenhang herstellen kann. Die Buchstaben begreift er ebenfalls als Ornamente und die sprachlichen Strukturen Becketts folgen bisweilen einem Rhythmus, welcher den Künstler an andere Ordnungsprinzipien erinnert. Das Erzählte in Becketts Roman ist bruchstückhaft und wird ständig in Frage gestellt, was sich bereits im Namen des Titelhelden (Watt = what = was?) andeutet. Auch Mr. Knott (Knott = not = nicht) spielt seine Rolle und steht für die Sprachlosigkeit des Menschen. Martin Walch greift dieses Spiel mit Worten und ihrer Doppeldeutigkeit auf und setzt den Text in seinem Werk so, dass neue Bedeutungen und Wertungen entstehen können.
Cornelia Wieczorek
1998
CROSSINGS
Die mit der Stichsäge frei aufgesägten Türen des ehemaligen Spitals fungieren zwischen Einladung und Ausgrenzung, zwischen Ein- oder Ausbruch, als kommunikative Stimmungsträger zwischen Leben und Tod; sie hängen gelassen zwischen Gesundheit und Krankheit, Hygiene und Schmutz, Reichtum und Armut, Kunst und ...
PASSAGIER VI
3-stündiges Feuerwerk aus ca. 2000 Wunderkerzen im Offenen Kulturhaus, Linz /A, anlässlich seiner Wiedereröffnung
1988 Palais Liechtenstein, Feldkirch /A
1989 Hochschule für Angewandte Kunst in Wien /A
1992 Szene Wien /A und Galerie LINDNER, Wien /A
1993 Tacheles-Haus, Berlin /D
1998 O.K., Linz /A
1988 Palais Liechtenstein, Feldkirch /A
1989 Hochschule für Angewandte Kunst in Wien /A
1992 Szene Wien /A und Galerie LINDNER, Wien /A
1993 Tacheles-Haus, Berlin /D
1998 O.K., Linz /A
MR. KNOTT & CO. SAMMLUNG
Zusammenstellung verschiedener Werke
1997
BEACON
90 Faltkartonschachteln
PIER
40-teilig
Das Prinzip von Wiederholung und Variation wiederholt und variiert sich hier, denn es sind wiederum Schachteln, welche gestapelt und gereiht werden, doch das Ornament ist ein nahezu unornamentales, es erinnert eher an Gitterstäbe und Tiertransporte denn an orientalische Trennwände und doch hat die Reihung der Stäbe etwas, was das Auge auch zur Ruhe kommen lässt, während die Bewegung innerhalb der Arbeit wiederum durch die kombinatorischen Möglichkeiten gegeben ist. Doch hier ist nicht nur eine werkimmanente Ausdehnung, sondern wesentlich diesem Hier ist, dass es bald da, bald dort realisiert werden kann und so wurden die Schachteln auch an unterschiedlichen Orten in unterschiedlicher Form aufgestellt, also dass sich jedes Hier je mit einem Nun als einer zeitlichen Umgebung oder Dauer verband und tageszeitliche Veränderungen erfuhr, wobei die Orte eher Ödflächen waren, Brachen, Randzonen, eine Verkehrsinsel oder ein Strand. Das dokumentieren die Photos, die nicht schlichtweg nur Dokumentationen sind, sondern Teil der Realisation, selbst wenn die Schachteln, einmal aufgestellt und photographiert, nicht zerstört werden, sondern gefaltet, um anderswo wieder entfaltet eine andere Form zu bilden, welche sich wiederum anders zu der Umgebung verhält doch verhält sie sich? Ist es nicht eher so, dass sie fremdartig in der Fremdartigkeit bleibt, etwas hausförmig, doch ohne die fremde Fremdartigkeit zu besetzen oder sich zu assimilieren, in jener Weile, da sie von Verkehr und Stille oder einem Sandtreiben, einem Blättertreiben umgeben ist und gestreift wird oder berührt auch vom Abendtau? Doch es geht hier nicht um das echte Bild an seinem wahren Ort, wohl aber um den richtigen Platz für die Dauer eines Hier und Nun: um den in seiner Fremdartigkeit verwandten Platz und so um eine Art Heimat der Heimatlosigkeit, unter einem Himmel ohnegleichen.
Michael Donhauser, November 2008
Das Prinzip von Wiederholung und Variation wiederholt und variiert sich hier, denn es sind wiederum Schachteln, welche gestapelt und gereiht werden, doch das Ornament ist ein nahezu unornamentales, es erinnert eher an Gitterstäbe und Tiertransporte denn an orientalische Trennwände und doch hat die Reihung der Stäbe etwas, was das Auge auch zur Ruhe kommen lässt, während die Bewegung innerhalb der Arbeit wiederum durch die kombinatorischen Möglichkeiten gegeben ist. Doch hier ist nicht nur eine werkimmanente Ausdehnung, sondern wesentlich diesem Hier ist, dass es bald da, bald dort realisiert werden kann und so wurden die Schachteln auch an unterschiedlichen Orten in unterschiedlicher Form aufgestellt, also dass sich jedes Hier je mit einem Nun als einer zeitlichen Umgebung oder Dauer verband und tageszeitliche Veränderungen erfuhr, wobei die Orte eher Ödflächen waren, Brachen, Randzonen, eine Verkehrsinsel oder ein Strand. Das dokumentieren die Photos, die nicht schlichtweg nur Dokumentationen sind, sondern Teil der Realisation, selbst wenn die Schachteln, einmal aufgestellt und photographiert, nicht zerstört werden, sondern gefaltet, um anderswo wieder entfaltet eine andere Form zu bilden, welche sich wiederum anders zu der Umgebung verhält doch verhält sie sich? Ist es nicht eher so, dass sie fremdartig in der Fremdartigkeit bleibt, etwas hausförmig, doch ohne die fremde Fremdartigkeit zu besetzen oder sich zu assimilieren, in jener Weile, da sie von Verkehr und Stille oder einem Sandtreiben, einem Blättertreiben umgeben ist und gestreift wird oder berührt auch vom Abendtau? Doch es geht hier nicht um das echte Bild an seinem wahren Ort, wohl aber um den richtigen Platz für die Dauer eines Hier und Nun: um den in seiner Fremdartigkeit verwandten Platz und so um eine Art Heimat der Heimatlosigkeit, unter einem Himmel ohnegleichen.
Michael Donhauser, November 2008
TRAUMFÄNGER 1995-1998
Stahlrohr verzinkt
1994
GENESIS
ADAM WAR HUNDERTDREISSIG JAHRE ALT
Mit Buchstabenstempeln bedruckte Herrentaschentücher, die einzeln gerahmt, in einer fortlaufenden Reihe an der Wand hängen. Bedruckt wurden die Tücher mit einem Text aus der Bibel (A.T: Genesis / Die Patriarchen), der die Namensfolge der Patriarchen, deren exakte Lebensdauer und ihre Nachkommenschaft angibt.
Die quadratischen Herrentaschentücher zeigen neben dem Textaufdruck das dem Tuch eingewobene Linienmuster, welches es in unterschiedlich große Quadrate unterteilt, aber auch die Bügelfalten, die das Tuch quadratisch falten lassen. Diese mehrfachen, stets quadratischen, kleinkarierten Teilungen wecken Assoziationen wie: endlose Wiederholung, ohne Anfang und Ende, Rationalität - sie verweisen auf Tradition und Kontinuität.
Die Bibelzitate unterstreichen diesen Symbolcharakter, heben insbesondere das Patriarchalische hervor. Die stets gleichen Sätze, innerhalb welcher sich einzig die Personennamen und Jahreszahlen ändern, verweisen jedoch nicht nur auf das vorherrschende Patriarchat in Kirche und westlicher Gesellschaft, sondern ebenso auf einen monotonen (Kreis-) Lauf des Lebens, der uns das feste, engmaschige (soziale) Gefüge unseres Gesellschaftssystems vor Augen führt und uns zugleich Halt und Sicherheit verspricht - schließlich kreist die Intention dieser künstlerischen Arbeit um das Thema: Freiheit
Taschentücher als solche spielten in unserem Kulturkreis eine untergeordnete, dennoch unverkennbare Rolle. Oftmals gar mit den Initialen des Eigentümers versehen, gehörten sie zum persönlichen Gut im Arbeitsalltag ebenso wie am Festtag. Neben einem schmückenden, hatten die Sacktücher vor allem aber einen funktionalen Wert, sie nahmen Körperexkrete auf und wurden gerade dadurch zu einem ganz persönlichen Utensil. (Dieser Aspekt ist mir wichtig im Zusammenhang mit all den (zugeordneten) Zeugungsakten innerhalb der auf die Tücher gedruckten Texte.) Gewiss verwendet heute eine Mehrheit Papiertaschentücher. Dennoch sind solche traditionellen Stofftaschentücher auch heute noch im Gebrauch, im Handel erhältlich und nach wie vor unterscheiden sich Herrentaschentücher deutlich in Form und Gestaltung von Frauen- und Kindertaschentüchern.
Schliesslich lässt die Arbeit auch Spielraum für mancherlei Gedanken zum Thema: Heimat. Heimat bleibt hier in ihrer trotzig festgefahrenen, traditionsverhafteten Struktur jedoch flüchtig und fragil - liebenswert unverständlich.
Mit Buchstabenstempeln bedruckte Herrentaschentücher, die einzeln gerahmt, in einer fortlaufenden Reihe an der Wand hängen. Bedruckt wurden die Tücher mit einem Text aus der Bibel (A.T: Genesis / Die Patriarchen), der die Namensfolge der Patriarchen, deren exakte Lebensdauer und ihre Nachkommenschaft angibt.
Die quadratischen Herrentaschentücher zeigen neben dem Textaufdruck das dem Tuch eingewobene Linienmuster, welches es in unterschiedlich große Quadrate unterteilt, aber auch die Bügelfalten, die das Tuch quadratisch falten lassen. Diese mehrfachen, stets quadratischen, kleinkarierten Teilungen wecken Assoziationen wie: endlose Wiederholung, ohne Anfang und Ende, Rationalität - sie verweisen auf Tradition und Kontinuität.
Die Bibelzitate unterstreichen diesen Symbolcharakter, heben insbesondere das Patriarchalische hervor. Die stets gleichen Sätze, innerhalb welcher sich einzig die Personennamen und Jahreszahlen ändern, verweisen jedoch nicht nur auf das vorherrschende Patriarchat in Kirche und westlicher Gesellschaft, sondern ebenso auf einen monotonen (Kreis-) Lauf des Lebens, der uns das feste, engmaschige (soziale) Gefüge unseres Gesellschaftssystems vor Augen führt und uns zugleich Halt und Sicherheit verspricht - schließlich kreist die Intention dieser künstlerischen Arbeit um das Thema: Freiheit
Taschentücher als solche spielten in unserem Kulturkreis eine untergeordnete, dennoch unverkennbare Rolle. Oftmals gar mit den Initialen des Eigentümers versehen, gehörten sie zum persönlichen Gut im Arbeitsalltag ebenso wie am Festtag. Neben einem schmückenden, hatten die Sacktücher vor allem aber einen funktionalen Wert, sie nahmen Körperexkrete auf und wurden gerade dadurch zu einem ganz persönlichen Utensil. (Dieser Aspekt ist mir wichtig im Zusammenhang mit all den (zugeordneten) Zeugungsakten innerhalb der auf die Tücher gedruckten Texte.) Gewiss verwendet heute eine Mehrheit Papiertaschentücher. Dennoch sind solche traditionellen Stofftaschentücher auch heute noch im Gebrauch, im Handel erhältlich und nach wie vor unterscheiden sich Herrentaschentücher deutlich in Form und Gestaltung von Frauen- und Kindertaschentüchern.
Schliesslich lässt die Arbeit auch Spielraum für mancherlei Gedanken zum Thema: Heimat. Heimat bleibt hier in ihrer trotzig festgefahrenen, traditionsverhafteten Struktur jedoch flüchtig und fragil - liebenswert unverständlich.
1993
SUNRISE, MACHWERK & RUSS-LAMP
Sunrise
Lötzinn, Elektrokabel, Steckdose – 60 x 20 cm
Machtwerk
Elektrokabel, Halterungen, Steckdose – 350 x 200 cm
Russ-Lamp
Lötzinn, elektr. Lampen, Sockel, Stromanschluss – 120 x 40 x 30 cm
Lötzinn, Elektrokabel, Steckdose – 60 x 20 cm
Machtwerk
Elektrokabel, Halterungen, Steckdose – 350 x 200 cm
Russ-Lamp
Lötzinn, elektr. Lampen, Sockel, Stromanschluss – 120 x 40 x 30 cm
STADTGESPRÄCHE
Installation im Schauplatz Zeitgenössischer Kunst, Wien
Jede Handlung, jegliche Kommunikation richtet sich nach aussen, gleicht somit einem Schritt ins "Ausland". Dieses wiederum, also alles, was uns umgibt, vom Menschen bis zum scheinbar nebensächlichsten Ding beeinflusst und prägt unser Verhalten. Dabei ziehlt die Installation STADTGESPRÄCHE auf ein bewusstes Nebeneinander verschiedener Identitäten: Am Schnittpunkt zwischen dem Innen und Aussen eines Individuums entsteht aus mehreren Identitäten eine neue: die subjektive Wirklichkeit. Letztlich steht also der Mensch als Rezipient im Mittelpunkt diese Arbeit; ihn gilt es anzusprechen, seine "produzierte" Wirklichkeit zu erfassen und gezielt zu beeinflussen. Die Grenzen unserer Wahrnehmung werden bewusst gemacht, jener Grenzbereich soll dargestellt werden, in dem unterschiedlichste, mitunter kontrastierende Erwartungen, Emotionen, etc. und Wahrnehmungen, das individuelle "In- und Ausland" aufeinanderprallen.
Ähnlich den gleichförmigen und scheinbar gleichgültigen, manchmal leiseren - manchmal heftigeren Balanceakten der fragilen Eierskulpturen auf äussere Einflüsse sind für den Menschen Informationen ebenso beschränkt nachvollziehbar, lösen mehr oder minder Betroffenheit aus, wecken unterschiedliche Emotionen... Es existieren Grenzen, die individuell unterschiedlich weit gesteckt, fest oder flexibel sind. Innerhalb dieser Grenzen kann von aussen Einfliessendes beglückend, aber auch bedrohlich wirken. Jedenfalls prägt dieses äussere Umfeld die innere Befindlichkeit. Und umgekehrt. Dieses Spannungsverhältnis, die daraus resultierenden Konsequenzen für das Zusammenleben, für die Kommunikation innerhalb einer Gesellschaft stehen im Mittelpunkt der Installation.
Jede Handlung, jegliche Kommunikation richtet sich nach aussen, gleicht somit einem Schritt ins "Ausland". Dieses wiederum, also alles, was uns umgibt, vom Menschen bis zum scheinbar nebensächlichsten Ding beeinflusst und prägt unser Verhalten. Dabei ziehlt die Installation STADTGESPRÄCHE auf ein bewusstes Nebeneinander verschiedener Identitäten: Am Schnittpunkt zwischen dem Innen und Aussen eines Individuums entsteht aus mehreren Identitäten eine neue: die subjektive Wirklichkeit. Letztlich steht also der Mensch als Rezipient im Mittelpunkt diese Arbeit; ihn gilt es anzusprechen, seine "produzierte" Wirklichkeit zu erfassen und gezielt zu beeinflussen. Die Grenzen unserer Wahrnehmung werden bewusst gemacht, jener Grenzbereich soll dargestellt werden, in dem unterschiedlichste, mitunter kontrastierende Erwartungen, Emotionen, etc. und Wahrnehmungen, das individuelle "In- und Ausland" aufeinanderprallen.
Ähnlich den gleichförmigen und scheinbar gleichgültigen, manchmal leiseren - manchmal heftigeren Balanceakten der fragilen Eierskulpturen auf äussere Einflüsse sind für den Menschen Informationen ebenso beschränkt nachvollziehbar, lösen mehr oder minder Betroffenheit aus, wecken unterschiedliche Emotionen... Es existieren Grenzen, die individuell unterschiedlich weit gesteckt, fest oder flexibel sind. Innerhalb dieser Grenzen kann von aussen Einfliessendes beglückend, aber auch bedrohlich wirken. Jedenfalls prägt dieses äussere Umfeld die innere Befindlichkeit. Und umgekehrt. Dieses Spannungsverhältnis, die daraus resultierenden Konsequenzen für das Zusammenleben, für die Kommunikation innerhalb einer Gesellschaft stehen im Mittelpunkt der Installation.
1992
IM AUGENBLICK
Wittgenstein-Haus, Wien /AKALTE AUGEN
Manchmal wünsche ich mir, jene Kegelvolumen sichtbar zu machen, die wir vor unseren Augen tragen, die bei Blickkontakt aufeinanderprallen, sich gegenseitig im Kräftevergleich messen, nach hinten ins Unbewusste ausgreifen; Sehräume, die in permanenter Kommunikation stehen, sich überlagern, schneiden, unser Empfinden prägen. Und eine sich laufend wandelnde, raumfüllende Plastik schaffen ...Oft scheinen diese Körper luftig oder schwebend, wie tanzend, manchmal zwingen sie uns zu Boden, sind schwer wie Blei.
Manchmal wünsche ich mir, jene Kegelvolumen sichtbar zu machen, die wir vor unseren Augen tragen, die bei Blickkontakt aufeinanderprallen, sich gegenseitig im Kräftevergleich messen, nach hinten ins Unbewusste ausgreifen; Sehräume, die in permanenter Kommunikation stehen, sich überlagern, schneiden, unser Empfinden prägen. Und eine sich laufend wandelnde, raumfüllende Plastik schaffen ...Oft scheinen diese Körper luftig oder schwebend, wie tanzend, manchmal zwingen sie uns zu Boden, sind schwer wie Blei.
PASSAGIER III
Feueraktion aus Wunderkerzen in der SZENE WIEN,
anlässlich eines Konzertes der Poprock-Formation "Redred Rosary
1988 Palais Liechtenstein, Feldkirch /A
1989 Hochschule für Angewandte Kunst in Wien /A
1992 Szene Wien /A und Galerie LINDNER, Wien /A
1993 Tacheles-Haus, Berlin /D
1998 O.K., Linz /A
anlässlich eines Konzertes der Poprock-Formation "Redred Rosary
1988 Palais Liechtenstein, Feldkirch /A
1989 Hochschule für Angewandte Kunst in Wien /A
1992 Szene Wien /A und Galerie LINDNER, Wien /A
1993 Tacheles-Haus, Berlin /D
1998 O.K., Linz /A
UNTER DRUCK
Hochschule für Angewandte Kunst, Wien /A
In Anlehnung an die einfachen, funktionalistischen, rapportartig verwendeten Architekturelemente dieses Hauses (Hochschule für angewandte Kunst /Wien), gebrauche ich für diese Arbeit industriell gefertigte Materialien, wie Gummischläuche, -klebstoff und farbige Gewebebänder.
Es handelt sich um die Gegenüberstellung einer graphischen und plastischen Sichtbarmachung des Auf- und Absteigens in einem dafür vorgegebenen Raum. Dieser dient zur erfahrbaren Verwirklichung eines allgemeinen Lernprozesses, wie er beim Durchlaufen einer bestimmten örtlichen Situation entwickelt und angewendet werden muss.
Kontrastierend zur ungeschminkten Architektur, sowie zur graphisch-schematischen Wandzeichnung, steht die massige, organisch wirkende Gummisäule aus aufgepumpten und übereinandergeklebten Fahrradschläuchen. So wie der Durchlaufende zur Bewältigung des Raumes unter Druck (Lernzwang) gerät, stehen auch diese in ihrer vorgegebenen Bestimmtheit unter Druck.
Meine Absicht demnach ist, eine gegebene Architektur visuell aufzuarbeiten und korrespondierende Elemente und Zeichen hinzuzufügen, um die Grenzen von Kommunikation zu verdeutlichen.
In Anlehnung an die einfachen, funktionalistischen, rapportartig verwendeten Architekturelemente dieses Hauses (Hochschule für angewandte Kunst /Wien), gebrauche ich für diese Arbeit industriell gefertigte Materialien, wie Gummischläuche, -klebstoff und farbige Gewebebänder.
Es handelt sich um die Gegenüberstellung einer graphischen und plastischen Sichtbarmachung des Auf- und Absteigens in einem dafür vorgegebenen Raum. Dieser dient zur erfahrbaren Verwirklichung eines allgemeinen Lernprozesses, wie er beim Durchlaufen einer bestimmten örtlichen Situation entwickelt und angewendet werden muss.
Kontrastierend zur ungeschminkten Architektur, sowie zur graphisch-schematischen Wandzeichnung, steht die massige, organisch wirkende Gummisäule aus aufgepumpten und übereinandergeklebten Fahrradschläuchen. So wie der Durchlaufende zur Bewältigung des Raumes unter Druck (Lernzwang) gerät, stehen auch diese in ihrer vorgegebenen Bestimmtheit unter Druck.
Meine Absicht demnach ist, eine gegebene Architektur visuell aufzuarbeiten und korrespondierende Elemente und Zeichen hinzuzufügen, um die Grenzen von Kommunikation zu verdeutlichen.
1991
PLEASE, DO NOT TOUCH
100-teilig
Dieses säkularisierte Noli me tangere konstituiert nicht nur museale Rezeptionsbedingungen, sondern auch die Kunst als solche, welche damit die jungfräuliche Aura des Unberührbaren erhält und den stets in erotisierter Spannung vom Leibe gehaltenen Betrachter zur Sublimierung seiner haptischen Begierden zwingt. Martin Walch gehört zu der jüngeren Künstlergeneration, die mit dem erweiterten Kunstbegriff der 70er Jahre aufgewachsen ist und sich darauf mit dem klassisch-puritanischen Neominimalismus der 80er Jahre auseinanderzusetzen hatte. In seiner Installation Do not touch! wird dieser biographische Konflikt zum konzeptuellen Ausgangspunkt. Schwarze quadratische Platten bedecken rasterförmig eine ganze Wand, was zunächst auf die reduktionistische Ästhetik der Distanz verweist. Gleichzeitig stachelt die berührungsempfindliche Beschichtung der Platten die Tatlust wieder auf und lädt den Besucher ein, auf dieser tabula rasa seine geheimen (persönlichen) Spuren zu hinterlassen. Fingerabdrücke, Kratz- und Wischspuren, aber auch Kritzeleien zur mutwilligen Zerstörung der samtigen Graphit-Oberfläche werden Bestandteile eines Werkes mit open end. Arnulf Rainer reversed: Weg vom Töten und Auslöschen zum Freilegen, Entdecken der informellen, in der kollektiven handgreiflichen Rezeption fortwährend veränderten Form.
Anselm Wagner /91
Dieses säkularisierte Noli me tangere konstituiert nicht nur museale Rezeptionsbedingungen, sondern auch die Kunst als solche, welche damit die jungfräuliche Aura des Unberührbaren erhält und den stets in erotisierter Spannung vom Leibe gehaltenen Betrachter zur Sublimierung seiner haptischen Begierden zwingt. Martin Walch gehört zu der jüngeren Künstlergeneration, die mit dem erweiterten Kunstbegriff der 70er Jahre aufgewachsen ist und sich darauf mit dem klassisch-puritanischen Neominimalismus der 80er Jahre auseinanderzusetzen hatte. In seiner Installation Do not touch! wird dieser biographische Konflikt zum konzeptuellen Ausgangspunkt. Schwarze quadratische Platten bedecken rasterförmig eine ganze Wand, was zunächst auf die reduktionistische Ästhetik der Distanz verweist. Gleichzeitig stachelt die berührungsempfindliche Beschichtung der Platten die Tatlust wieder auf und lädt den Besucher ein, auf dieser tabula rasa seine geheimen (persönlichen) Spuren zu hinterlassen. Fingerabdrücke, Kratz- und Wischspuren, aber auch Kritzeleien zur mutwilligen Zerstörung der samtigen Graphit-Oberfläche werden Bestandteile eines Werkes mit open end. Arnulf Rainer reversed: Weg vom Töten und Auslöschen zum Freilegen, Entdecken der informellen, in der kollektiven handgreiflichen Rezeption fortwährend veränderten Form.
Anselm Wagner /91
1989
SCHALE
Masse: 77 x 77 x 25 cm
BLATT I + II
Naturmaterial
KORB
Masse: 150 x 150 x 370 cm
©2021 Martin Walch
Impressum
Voyeur
#ImAugedesMenschen
Transformator
#EishockeyimMuseum
HILTI-Kreisel
#Bismirschwindligwird
WINDOWS 1998
#MehralsComputer
Fadenspiele
Kunst & Bauprojekt
Mandala
Installation
Kalte Augen
Rauminstallation
Kreide
Installation
Wandersmann
Kurzfilm
Heilpädagogisches Zentrum, Schaan
Kunst- und Bauprojekt
Liechtensteiner Sagenhaus
Kunst- und Bauprojekt
Floss
Brunnen
Uni.li
Steinkörbe
Pier
Installation
Success I, II & III
Kunstraumgestaltung
Traumfänger
Installation
Fadenspiele
Auftraggeber
Trafo
Auftraggeber
Window
Auftraggeber
©2022 Martin Walch